Preguntas frecuente

Preguntas frecuentes - Descubra cómo prepararse para una grabación, información detallada sobre grabación y grabación DYI, mezclas, masterización, todo sobre demos, consejos y enlaces. Podemos decirte que, cuanto más sepas, más fáciles y mejores serán las sesiones, así que te recomiendo que leas las FAQ.... y te pongas en contacto con nosotros si necesitas más detalles o tienes alguna pregunta.

¿ Cómo dobe programe para la primera sesión de grabación?

Las siguientes son algunas pautas que pueden ayudarte mucho a conseguir una gran grabación…

Programar la sesión...

Si organizas un buen horario, evitarás tener que hacer múltiples montajes, lo que te ahorrará tiempo y facilitará la regrabación de partes si al día siguiente te das cuenta de que algo no salió bien. Es preferible dejar el equipo preparado toda la noche y continuar al día siguiente, en lugar de realizar largas sesiones de grabación que pueden resultar agotadoras para todos.

Habla con el ingeniero y programa las sesiones de grabación en días consecutivos, para reducir el tiempo de preparación. Considera la posibilidad de grabar primero la batería y el bajo de todas las canciones, y luego proceder a los overdubs; el montaje de la batería suele ser laborioso.

Descansa y preséntate a tiempo; no lleves amigos, se trata de trabajar duro; te distraerán de un modo u otro. Duerme bien por la noche antes de grabar. Los vocalistas deben levantarse lo suficientemente temprano para que la voz esté "en forma" cuando empiece la grabación.

Cuando programes las sesiones, ponte de acuerdo con el estudio para que la tarde anterior a la grabación puedas colocar la batería y el ingeniero coloque el micrófono. Asegúrate de afinar la batería antes de que el ingeniero coloque los micrófonos. Puedes hacer una prueba de sonido preliminar y luego dejar la batería toda la noche en el estudio. El ambiente del estudio es diferente y eso puede afectar a la afinación de la batería; lo primero que hay que hacer al día siguiente es volver a comprobar la batería. Es entonces cuando se producen los ajustes finales de afinación y colocación de los micrófonos. Si haces todo el montaje el primer día de grabación, lo más probable es que te canses y tal vez te frustres, y lo más inteligente es evitar el montaje el día de grabación. Comprueba dos veces si hay chirridos o ruidos, así tendrás tiempo por si tienes que hacer algún arreglo.

Ensaya, ensaya, ensaya...

Asegúrate de que tú/la banda ensayáis mucho! No puedo insistir lo suficiente en la importancia de esta afirmación. La calidad del sonido proviene principalmente de los dedos del músico, y todo el mundo debe sentirse seguro al tocar. El estudio no es realmente un escenario, así que intenta moverte menos durante los últimos ensayos antes de grabar.

Grábate durante los ensayos, incluso si es solo con una grabadora básica. Escuchar el material grabado te ofrece una perspectiva realista tanto de la interpretación como del sonido. Además, es útil mostrarle estas grabaciones al ingeniero, ya que te ayudarán a identificar problemas de ritmo, tono e incluso de arreglos.

Ten listos todos los arreglos de las canciones antes de entrar en el estudio. No tiene sentido discutir por un puente o un solo en el estudio. Prepara los arreglos por escrito para cada músico.

Estrategia de grabación...

Considera la posibilidad de preparar las pistas de batería de todas las canciones que quieras grabar en las primeras sesiones, ya que el montaje de la batería es laborioso y puede llevar tiempo. En la siguiente sesión, la banda puede pasar a los overdubs y ahorrar tiempo. Haz un plan por escrito de qué y cómo piensas grabar, qué hay que grabar primero, ya que también ayuda a lo que viene después. Habla con el ingeniero para planificar con eficacia.

Siempre lleva tiempo preparar la sesión. Ten paciencia, grabar lleva más tiempo que tocar la canción. La colocación del micrófono y la configuración del nivel son esenciales para la calidad de la grabación. Intenta ayudar teniendo tu equipo preparado adecuadamente.

Una vez hecha la configuración de los instrumentos, intenta no mover los micrófonos. Generalmente son lo suficientemente fuertes, ése no es el problema; el problema es que su posición afecta al sonido. Si se mueven accidentalmente, avisa al ingeniero para que pueda recolocarlos.

Asegúrate de que tienes todos los tempos configurados para tus canciones (conoce el BPM, es útil saberlo cuando no utilizas una pista de clic), y sin duda es una buena idea acostumbrarse a tocar junto a una pista de clic durante los ensayos. Si nunca has utilizado la pista de clic, no lo intentes en plena sesión de grabación, no va a dar resultados.

Si cantas y tocas un instrumento al mismo tiempo, intenta acostumbrarte a tocar o cantar solamente; será más fácil conseguir un mejor sonido grabando el instrumento y la voz por separado, es mejor concentrarse en una cosa a la vez, sin embargo, tengo que decirlo, los aspectos técnicos son menos importantes que conseguir una gran interpretación en la cinta. ¡Experimenta!

Grabar es un trabajo duro, no tiene sentido discutir si debe ser un solo sobre una o dos estrofas; el tiempo de estudio es caro, el tiempo de ensayo no, de todos modos habrá bastante presión, así que ten todos los arreglos de la canción pensados y diviértete con las melodías. No olvides el viejo dicho "menos es más".

Los mejores ingenieros de grabación coinciden en que, en términos de calidad de sonido, la habilidad del intérprete, grupo o artista para dominar sus instrumentos representa entre el 60 y el 70% de la calidad de la toma. El resto se debe a factores como el espacio de grabación, la colocación de los micrófonos y el tipo de micrófonos y preamplificadores utilizados.

Ten cuidado al grabar con efectos; puede ser mejor grabar limpio. Una vez grabados los efectos, no hay forma de quitarlos. Si este es el caso, escribe en un papel qué retardos estás utilizando, sus bpm, cuál es el retardo previo de las reverberaciones y dáselo al ingeniero. Si lo que quieres es una guitarra o un bajo distorsionados, no debería ser un problema. Pero el retardo o la reverberación pueden crear estragos en la mezcla. Deja la adición de reverbs/chorus/delay para la fase de mezcla, a menos que formen parte de tu sonido. En el jazz, las cosas son un poco diferentes, normalmente la gente del jazz sabe exactamente lo que quiere, y tiene una mejor comprensión del sonido. Cuando se trata de rock y pop, donde hay sobregrabaciones, y una canción puede llegar a tener muchas pistas, es mejor dejar las opciones abiertas, para que haya más posibilidades de crear el espacio.

Utiliza ropa cómoda y tranquila; los micrófonos son sensibles, así que evita ruidos indeseados. Deja a un lado las joyas, no las necesitas realmente y hacen ruido. Si sabes que vas a intentar utilizar una guitarra o un bajo que tenga el estudio, asegúrate de que llevas pantalones cómodos que funcionen bien sin cinturón; ningún ingeniero de estudio te permitirá tocar los instrumentos del estudio si sabe que existe la posibilidad de que los rayes. Si eres guitarrista y piensas utilizar una guitarra clásica que tenga el estudio, y si la guitarra tiene pulimento francés en la parte superior, asegúrate de llevar mangas largas, ya que el pulimento francés se resiente con la piel.

No dudes en pedir la opinión del ingeniero cuando te encuentres con un obstáculo. La mayoría de los ingenieros son/eran músicos, tienen mucha experiencia y te ayudarán enseguida.

Apaga los teléfonos cuando llegues al estudio; pregunta cuál es la política respecto a la comida y la bebida: lo más probable es que estén prohibidas en la sala de control. Aliméntate bien, necesitas energía. Intenta mantener la cháchara a niveles bajos, y evita discusiones o comentarios, sobre todo durante la grabación vocal. Deja espacio al vocalista, ¡la voz es la parte más importante de la canción!

¡Comprueba y escucha!

¡Escucha siempre con atención lo que acabas de grabar!

El ingeniero puede no darse cuenta de que algo está mal en la interpretación, y a veces tú mismo puedes identificar problemas de sonido. No escuchar el material grabado es un gran error que puede llevar a desperdiciar dinero. Escucha a un volumen bajo y solicita a los ingenieros que reproduzcan las pistas secas (sin reverberación ni efectos añadidos). ¿Suena bien? Si es así, todo está en orden. Si no, entonces evalúa si es necesario rehacer algunas pistas.

¡No te precipites en tus decisiones! Piénsatelo dos veces, intenta ser lo más objetivo posible. Recuerda siempre que, si quieres conseguir un sonido muy personal, necesitas tiempo para experimentar; sin experimentación, no existiría el "Sgt. Pepper's" de los - Beatles, o "Time"- Pink Floyd, o la batería con compuerta de Phil Collins.

Escribe el título de cada canción; proporciona tantos detalles como puedas, incluida la tonalidad de las canciones (o la tonalidad de cada parte de la canción), las tablas de acordes, la secuencia general del arreglo, la letra. Esto es útil en la fase de edición, para corregir la voz y los instrumentos, como el bajo acústico, las cuerdas, etc.

Lleva contigo un disco duro y haz que el ingeniero copie en él el material grabado. Es preferible que sea uno nuevo, ya que normalmente el ingeniero de grabación querrá utilizar uno nuevo o formatear uno viejo. La razón es sencilla: las estaciones de trabajo que se utilizan en los estudios no tienen programas antivirus, ya que éstos crean grandes problemas con los secuenciadores de audio. Así que no te enfades si el ingeniero no quiere utilizar un disco duro viejo a menos que lo formatee. Recargar desde cero una estación de trabajo y probarla puede llevar semanas, así que nadie corre este riesgo.

Por fin…

Lleva contigo un cuaderno y un bolígrafo para anotar las cosas que necesites recordar. También es útil tener tus contraseñas de Facebook, Instagram, etc., por si deseas publicar algunos fragmentos de lo que has grabado; puedes pedir al estudio que lo haga de inmediato. No olvides llevar una cámara para tomar fotos y compartirlas; esto ayuda a mantener el entusiasmo de tus seguidores.
Preparativos específicos de grabación: bateria

La clave de un groove impulsor en una canción es una batería que suene bien y el propio batería. No olvides que en algunas canciones de Led Zeppelin, John Bonham se grabó con tres micrófonos. Y ¡qué sonido! No importa lo bueno que sea el equipo de estudio, si la batería suena como una mierda, no hay mucho que se pueda hacer para mejorarla.

Asegúrate de que tienes un juego nuevo de parches, tanto superiores como inferiores. Afínalos un día antes de la sesión de grabación; una vez en el estudio, probablemente sonarán distintos, pero te llevará menos tiempo volver a afinarlos. La verdad es que muchos bateristas no saben afinar bien sus tambores. Afina y escucha, ¡y entonces lo harás bien! ¡Presta atención al asiento de los parches! El tipo de música también influye en la afinación: para el jazz, el bombo se afina más bien alto, no apagado o sólo un poco. Para el hip-hop es aconsejable una afinación baja, ¡así conseguirás el "boom"! Echa un vistazo en la red, donde encontrarás muchos consejos y sugerencias para afinar la batería.

Comprueba si hay chirridos y traqueteos, y arregla cualquier ruido no deseado. El ingeniero te ayudará a controlar el sonido con almohadillas de gel y aros, si es necesario, hasta conseguir el sonido deseado. Si te gusta golpear fuerte los platillos, plantéate ensayar antes de entrar en el estudio e intenta golpearlos suavemente; esto ayuda mucho a conseguir un buen sonido general a través de los overheads. La consistencia a la hora de golpear la batería y dónde lo haces contribuye en gran medida a conseguir un buen sonido. No olvides llevar baquetas de repuesto.

Basándome en la experiencia, a menudo el batería es un gran músico, pero muchas veces no suena bien y eso ocurre cuando suele escuchar la actuación de otra persona y no escucha su reloj interior. Si el batería empuja y tira un poco no tiene por qué ser un gran problema, siempre que el groove natural esté ahí. Recomiendo al menos ensayar con una pista de clic y utilizarla durante la grabación si te sientes cómodo con ella.
Preparativos específicos de grabación: El bajo

¡¡¡Tantos bajos zumban!!! Trata de resolver este problema antes de entrar al estudio, ya que puede tomar mucho tiempo arreglarlo, y el tiempo se traduce en dinero. Revisa la acción de tu instrumento y reduce el zumbido de los trastes, ya que estos son un problema significativo; una vez grabados, hay poco que se pueda hacer al respecto. Además, verifica los potenciómetros y la electrónica, y si utilizas efectos, asegúrate de estar familiarizado con los preajustes.

La forma más habitual de grabar el bajo es a través de cajas DI dedicadas al bajo: Avalon, Alpha DI JT Amplification y Aguilar son algunas de las mejores, pero hay otras, más baratas, pero con un sonido decente. No es raro reamplificar el sonido de un bajo en la mezcla, por lo que es primordial conseguir un sonido sin zumbidos.

El bajo y la batería deben estar bien ajustados, ya que son la base de las melodías; el bajo tiene un papel importante tanto en el ritmo como en el soporte principal de la voz/melodía. Es una buena idea que tanto el batería como el bajista practiquen con un metrónomo. De hecho, todos los músicos de clase tienen en común una cosa: el sentido del tiempo. La sincronización es una responsabilidad compartida entre el batería y el bajista.
Preparativos específicos de grabación:Guitarras

Ten cuerdas nuevas y rodéalas; además, ten siempre un juego de repuesto - como consejo, ten unas cerillas de pino y limpia las cuerdas con ellas; otra solución es comprar un cepillo Fast Fret y usarlo después de tocar, luego limpia las cuerdas y el mástil con un paño de algodón 100%. Utiliza desinfectantes de manos, mantienen secas las palmas y los dedos. Comprueba todos tus potenciómetros y componentes electrónicos. Conoce los ajustes de tu amplificador.

Si tu amplificador necesita tener el volumen a 10, considera la posibilidad de utilizar un THD hot plate o un Marshall Power Breaker (te permiten reducir el volumen mientras las válvulas de salida funcionan a toda velocidad). Recomiendo encarecidamente el uso de estos dispositivos, ya que también te permiten tener un tono muy bueno, haciendo funcionar el amplificador a niveles más bajos, lo que puede ser una gran ventaja en los conciertos. Te aseguro que a los ingenieros de la casa les encantará y te ayudarán a conseguir un buen sonido.

Un secreto es el siguiente: un amplificador pequeño -como uno de 5 a 7 vatios- sonará enorme en una sala pequeña. Curiosamente, un muro de Marshalls a tope en un espacio pequeño suena mal; sin embargo, un amplificador pequeño a tope en un espacio pequeño suena como un muro de Marshalls. Muchas de las grabaciones de Eric Clapton se hicieron con algún ampli Fender de 5 vatios en pequeñas cabinas de grabación y el sonido es estupendo.

Si eres un perfeccionista, intenta grabar una línea de guitarra varias veces, utilizando distintos amplificadores y recintos, y luego compáralas. Escucha a través de los monitores del estudio y, como regla general, no fuerces la distorsión. Demasiada y sonará débil. No te pases y utilices todo lo del estudio sólo porque puedas, utiliza sólo lo que tenga sentido.

Configura el sonido de antemano y guarda los preajustes en tus efectos, pero también presta atención a lo que ofrece el estudio, ya que podrías encontrar alternativas mejores. Utiliza cables de buena calidad y asegúrate de que tus pedales de efectos no generen ruido. Revisa la acción de tu instrumento y ajústala para evitar el zumbido de los trastes. Siempre coloca pilas nuevas en tus stomp boxes antes de la sesión, así como en los preamplificadores de guitarra que tengan hardware activo o un preamplificador piezoeléctrico para guitarras acústicas. Aunque las guitarras acústicas suenan mejor con micrófono, grabar sus piezoeléctricos o sensores no está de más.

Comprueba la afinación, si es posible, después de cada toma. La guitarra puede desafinarse después de una toma. Tampoco olvides relajarte; apretar demasiado los acordes puede hacer que algunos se afinen.
Preparativos específicos de grabación: Teclados y sintetizadores

Guarda todos los ajustes para poder recuperarlos fácilmente. Como norma, asegúrate de llevar todos los accesorios, incluidos los manuales. A veces puede que necesites desactivar un efecto (como la reverberación), ya que puede crear problemas en la mezcla, y es entonces cuando el manual resulta muy útil.

En cuanto al sonido, nada está tallado en piedra; aunque tienes que tener los sonidos preparados, la experimentación puede conducir a un sonido muy particular y bello. Poner el teclado a través de un amplificador diferente puede dar lugar a algo que realmente encaje con la canción, y no querrás perder esta oportunidad.

No tengas prisa al grabar; mejor más tarde que temprano, más tarde da groove, temprano suena como fuera de tiempo.

En algunos proyectos, la preproducción es esencial. Independientemente del secuenciador que uses durante este proceso, los archivos se pueden transferir al ordenador, lo que te permite utilizar tus propios sonidos o los módulos de sonido del estudio. Es recomendable llevar contigo los archivos midi y probar algunos de los equipos que ofrece el estudio, sobre todo si tus módulos de sonido no son los mejores. Si el estudio dispone de unidades como Moog, Prophet, Korg, Oberheim, ARP, Waldorf, Access, Nord Lead, Kurzveil, Yamaha, puede merecer la pena experimentar.

Añade instrumentos en directo a una pista secuenciada: percusión, platillos, tom fills, pistas de bajo en directo o pistas de guitarra en directo. La mejor solución es contratar a un músico de sesión para que cree estas pistas. Eso ayuda mucho a conseguir una pista que no parezca hecha con ordenadores o cajas de ritmos.
Preparativos específicos de grabación: El Todopoderoso Vocal…

No escuches alto cuando cantes, ya que esto puede afectar al tono. Escucha siempre las tomas para ver si te has puesto plano o agudo. Pide al ingeniero que te ponga un poco de reverberación en los auriculares si eso te hace sentir más cómodo, pero no exageres, ya que puede afectar al tono y a la entonación.

Tómate descansos al grabar. Grabar 6 canciones y 8 tomas para cada una es algo difícil. Debes tenerlo en cuenta cuando hagas el plan de grabación.

Empieza cada toma como si fuera "La Grande", pero, si algo va mal, baja el ritmo y relájate; de lo contrario, te quedarás sin fuerzas. Aunque compongas a partir de diferentes tomas, es mejor hacerlo a partir de un número menor de tomas, así que tómatelo con calma.

Al final, te sugiero que traigas tu cámara de vídeo y la utilices. Te va a gustar después cuando lo veas, va a ser la prueba de tu duro trabajo. Haz fotos; puedes publicarlas en tus páginas de Instagram, X, Facebook o MySpace y mantener a tus seguidores actualizados y entusiasmados con el progreso de tu trabajo. Quién sabe, 20 años después las grabaciones y las fotos pueden formar parte de la historia de la música.
¿Qué puedes decirme sobre la grabación DIY?

No hay nada de malo en intentar grabar por tu cuenta, y la buena noticia es que puedes hacerlo. Con la tecnología actual, no es tan complicado; sin embargo, no debes esperar obtener los mismos resultados que en un estudio de grabación profesional. Se requiere mucha experiencia, un espacio acústico adecuado y equipo costoso para lograr resultados de calidad. Aun así, puedes alcanzar resultados decentes con una inversión económica moderada, mucha dedicación y pasión, lo que puede ayudarte a reducir los costos de grabación en un estudio real.
¿Puedo obtener más consejos prácticos sobre la grabación DIY? DIY recording…

La grabación DIY está aquí para quedarse...

La grabación DIY es una realidad, ¡y cada vez hay más gente que lo hace! ¡Es increíble cómo la tecnología afecta a nuestras vidas, plantea retos y hace realidad cosas que eran imposibles hace sólo una o dos décadas! Cada vez más músicos empiezan a grabarse a sí mismos, atraídos por campañas de marketing como "¡Un estudio en una caja!" y por el bajo precio de la tecnología. Compran una estación de trabajo multipista como un Korg, un Boss o un Roland, compran un micrófono, leen los manuales, hacen la grabación y luego la mezcla (estas cajas son increíbles, ¿verdad? Toneladas de pistas virtuales, tienen todos los efectos y ecualizadores) ¡y luego se sorprenden al descubrir que su producto está muy lejos de ser aceptablemente comercial! ¿Te suena?

Intentar ahorrar dinero tiene sentido, y todo el mundo lo hace, pero hay que hacerlo con prudencia. Doy estos consejos porque tuve muchos clientes que se grababan a sí mismos y luego venían y me pedían que les hiciera la mezcla. Muchos de ellos creían que se podían arreglar todos los problemas en la mezcla, pero eso sencillamente no es cierto. "Hazlo tú mismo" puede ser una opción viable, siempre que lo hagas correctamente y estés dispuesto a aprender un poco sobre grabación. Además, este proceso tiene sus limitaciones: puedes obtener un producto decente que puedes vender en conciertos o mostrar en Internet, pero no puede competir adecuadamente con un gran lanzamiento comercial.

Lo que debes saber...

De entrada, todo el mundo debería entender que la masterización y la mezcla requieren un conjunto de habilidades completamente diferentes. Requieren experiencia, ¡y punto! La mezcla es un proceso muy complejo, y no hay forma de que puedas hacerlo bien con una caja de 1000 $ y unos auriculares baratos. Un plugin de ecualizador de gama alta puede costar más de 200 euros, y un ecualizador de hardware de gama alta unos 5000 euros, así que puedes entender por qué estas cajas son limitadas. El entorno de escucha es mucho más importante de lo que crees, y empieza con unos buenos monitores y un espacio acústicamente controlado, como ya hemos comentado. Si decides que quieres seguir este camino, te aconsejo que hagas la grabación tú mismo y que la mezcla y la masterización se hagan en un estudio adecuado.

Primera regla: graba a 24 bits, ¡y punto! Consigue un multipista que grabe a 24 bits (puedes comprarlo o alquilarlo). Otra solución, aunque más cara, es un ordenador en el que necesitas comprar una buena interfaz de audio y junto con un secuenciador. Este camino puede ser muy gratificante, ya que puedes utilizar muestras e instrumentos virtuales y acabar con arreglos bastante complejos en tu tiempo libre.

Una buena solución completa es un MacBook Pro cargado con Logic y con una interfaz Apogee Duet (o una UAD Apollo). Logic es un DAW bastante bueno para todo, y viene con una gran biblioteca e instrumentos virtuales. Utiliza un par de auriculares adecuados cuando grabes. Una ventaja es que los Mac son más fáciles de manejar que los ordenadores Windows, y si no eres un friki de la informática, te harás con un MAC en un santiamén. Para una grabación sencilla de alta calidad, es una solución muy elegante.

Evita comprar un micrófono barato; en su lugar, considera alquilar uno o un par emparejado. Opta por un buen micrófono de condensador, como el AKG 414, que ofrece tres patrones y es muy versátil (ideal para voces, guitarra acústica y otros instrumentos), así como un micrófono dinámico como el Sennheiser MD 421, que es excelente para amplificadores de guitarra y percusión, o un SM57. El AKG 414 es un micrófono de estudio estándar, así que no te equivocarás al elegirlo. También es recomendable alquilar uno o dos preamplificadores de micrófono (como Neve, Chandler, Focusrite Red, Avalon o API) o una tira de canales; podrías probar opciones como Pendulum Quartet, Shelford, Focusrite Red, Millenia STT1 o Avalon.

Pásalo todo por los preamplificadores y asegúrate de no entrar en clipping. Repito, ¡evita el clipping! ¡Mantén los picos a un máximo de -6dB! Cuando grabas a 24 bits, está bien grabar a un nivel más bajo que el riesgo de acercarse a "0" y tener problemas.

¡¡¡ESCUCHA SIEMPRE DESPUÉS DE GRABAR!!!

Investiga un poco (internet bastará en este punto - YouTube es tu amigo) sobre técnicas de grabación, cómo funcionan los micrófonos y cómo utilizarlos, sus patrones y cómo colocarlos al grabar. Prueba y experimenta primero, no te conformes con la primera toma. Toca lo mismo, utiliza distintos escenarios de colocación, compara. ¡Oirás las diferencias!

Mucha gente utiliza cajas de ritmos; sincronízala con el DAW y pasa los tambores por separado (bombo, caja, toms) uno a uno por los preamplificadores y grábalos en pistas mono separadas. Si llevas tu proyecto a un estudio para mezclarlo, es una buena idea tener la batería en pistas separadas (bombo, caja, cuarto de micro) y, eventualmente, los toms pueden estar en una pista estéreo. Si estás haciendo las pistas de batería con muestras, utilizando algo como Addictive Drums, Superior Drummer, BFD o el programa secuenciador de batería, expórtalas también por separado: pistas mono. Estos paquetes de software también suelen tener ecualizador, compresión y reverberación, pero te aconsejo que exportes las pistas sin utilizar ninguno de los ecualizadores/compresores/efectos.

Presta atención a los medidores de la caja de la estación de trabajo, no te muestran toda la historia, especialmente cuando se trata de percusión, y es muy fácil pasarse sin ni siquiera saberlo. Presta especial atención a los shakers, platillos e instrumentos similares. Asegúrate de no superar los -10 dB en este tipo de instrumentos de percusión.

Grabando finalmente...

Para grabar voces e instrumentos acústicos, intenta encontrar un lugar tranquilo en tu casa, y procura elegir la habitación más grande. Cuando grabes voces, asegúrate de que la reverberación sea bastante baja. Tira algunas mantas o alfombras para reducir las reflexiones tempranas y si necesitas amortiguar el sonido. Sin embargo, te aconsejo que grabes las voces en un estudio de grabación; las voces son demasiado importantes, ¡y una cadena de grabación vocal adecuada es bastante cara! Si aun así decides grabar las voces, evita hacerlo en los cuartos de baño o en habitaciones pequeñas (¡te sugiero que pruebes allí un amplificador de guitarra eléctrica para divertirte!). Las reverberaciones naturales son deseables si son de buena calidad; de lo contrario, una vez impresas en cinta, no podrás eliminarlas. Considera colgar mantas alrededor de las paredes de la sala para controlar la reverberación. Además, aunque la reverberación sea excelente, como podría ser en una mansión grande, debe adaptarse al estilo de música que estás produciendo, así que ten eso en cuenta también.

Grabarte a ti mismo para algunos proyectos pequeños puede ser muy gratificante. No dudes en probar y experimentar. Pero, como regla general, cuando se trate del sonido de un instrumento, intenta capturar la señal lo más limpia que puedas. Hay dos escuelas de pensamiento: una (la americana) es grabar limpio y la otra (la británica/europea) es grabar con efectos. Si decides imprimir efectos debido a tu falta de experiencia en mezclas, asegúrate de saber exactamente lo que estás haciendo, ya que una vez grabado, no podrás deshacerlo. Por lo tanto, es más seguro grabar de forma limpia. Si los efectos son parte de tu sonido, especialmente en guitarras eléctricas, siéntete libre de utilizarlos, salvo la reverberación, si es posible. No temas experimentar; no te costará nada y puede ser muy divertido, logrando resultados espectaculares. Además, puedes realizar varias tomas y elegir más tarde durante la mezcla; ¡eso no te consumirá tiempo de estudio!

Una vez que tengas la canción grabada, escucha atentamente cada pista por separado (en solitario), y luego escúchalas juntas. ¿Hay algún clipping? ¿Hay problemas de distorsión? ¿Hay ruido excesivo? ¿Las voces están limpias? ¿Puedes entender la letra con facilidad? Escucha música del estilo de la que estás haciendo. No tengas miedo de comparar.

Algunas personas graban todo ellas mismas excepto las voces, y van a un estudio y sobregraban las voces. Es una idea muy inteligente; no hay nada mejor que un combo de micro/preamplificador/compresor de gama alta y un espacio acústicamente controlado. Y eso aparte del hecho de que puedes escuchar tu voz a través de unos monitores adecuados y recibir consejos del ingeniero sobre si tienes que rehacer algunas partes, hacer más punch ins, o qué se puede editar y corregir en la mezcla y qué no. Además, no tienes que preocuparte de iniciar/detener la cinta, ni de encontrar lugares para el punch in, lo que te ayuda a mantener la concentración en el canto y en la propia actuación.
¿Qué debo tener en cuenta al elegir un studio de grabación?

¡Esta es una gran pregunta! Hay que hacer un poco de tarea para llegar a la respuesta correcta, pero al final, te alegrarás de haberlo hecho.

Conoce exactamente la finalidad de tu producto final

No tiene sentido gastarse una fortuna en un gran estudio para una maqueta que necesitas para promocionarte, para un CD que quieres vender en tus conciertos o a través de Internet. Obviamente, cuando tengas un contrato con una gran discográfica, harás tu trabajo en grandes instalaciones de grabación y masterización: eso es lo que esperan las grandes discográficas, y pagan por ello.

Para la mayoría de los proyectos, un estudio profesional mediano o pequeño es tu mejor opción. Esto no quiere decir que puedas renunciar a la calidad. Hoy en día, debido a los avances tecnológicos, la calidad que puedes obtener en un estudio mediano o pequeño puede estar a la altura de la de un gran estudio. De lo que carecen los estudios medianos y pequeños es de salas muy grandes -algunas de ellas famosas, como la sala de grabación Capitol o los Air Studios de Londres- y de las personas que trabajan en ellas, que suelen ser los mejores profesionales del sector. Pero estos estudios también cobran mucho más, probablemente fuera de tu presupuesto, debido a sus gastos generales.

A menos que estés en lo más alto de las listas o tengas mucho dinero, un estudio de tamaño medio o pequeño es la solución. Sin embargo, ten muy presente que un estudio de grabación profesional mediano o pequeño no significa tener un portátil o un ordenador en la cocina o en el dormitorio.

Establece cuidadosamente tu presupuesto de grabación...

Divide siempre tu presupuesto de grabación: de la cantidad total de dinero, piensa siempre que la mitad se necesita para mezclar y masterizar. El resto es para horas de estudio. Grabar siempre lleva más tiempo del que esperas, y mirar el reloj en lugar de centrarte en tu música puede tener resultados desastrosos. Que no cunda el pánico y no te precipites en la fase de grabación. Rehaz algunas pistas y retrasa la mezcla si es necesario. Te alegrarás de haberlo hecho.

Tienes un presupuesto, así que automáticamente el dinero será probablemente el primer criterio. No es el criterio más importante, pero vamos, seamos sinceros, es la realidad... al menos hasta que estés en la cima... ¡si no, no estarías leyendo esto! Así que busca un estudio que se ajuste a tu presupuesto. Pregunta por ahí: el boca a boca es una apuesta excelente. Internet es una gran fuente, pero tienes que utilizarla con inteligencia; como con todo lo demás en lo que se refiere a los negocios, debes ser capaz de leer entre líneas. Con frecuencia veo una página web muy bien diseñada y pegadiza, que habla de la última maravilla tecnológica que tiene el estudio, ¡como si esa fuera la clave para proporcionar el santo grial de la reproducción del sonido! Pues no lo es, pero muchos artistas no lo saben y cuando lo descubren es demasiado tarde... ¡el tren ya ha salido de la estación! Existe este elemento humano de que algo te guste o no cuando lo ves por primera vez; no caigas en ello, haz tus deberes.

Cosas que hay que tener en cuenta al comprobar un estudio...
Recuerda que un sitio web atractivo es solo una herramienta de marketing diseñada para captar tu atención y no garantiza un sonido de mejor calidad. Por lo tanto, presta atención a las muestras de audio, y a menos que se trate de un estudio muy reconocido, evita aquellos que no muestran ejemplos en su sitio web; esto te dará una idea bastante clara de la calidad de grabación que ofrecen. Ten cuidado con las muestras de voz sobre ritmos: aunque los ritmos pueden sonar bien, están hechos con sintetizadores (tanto de software como de hardware) y no reflejan la verdadera capacidad de grabación de sonido. Si el estudio cuenta con muestras de una banda (ya sea de jazz, rock, funk, etc.) o de música grabada con instrumentos acústicos, eso indica mucho sobre la calidad del estudio tanto en grabación como en mezcla. Comprueba las fotos (si están disponibles): dan buenas indicaciones sobre el espacio de grabación. ¿Es sólo una sala o es una sala tratada acústicamente? La lista de equipos indica el nivel de calidad alcanzable si el ingeniero es bueno.

Sé organizado cuando empieces a reunir información sobre estudios de grabación.

Toma notas para poder compararlas después. Puedes establecer un par de criterios (como el precio, la distancia, el ingeniero, el equipo, la acústica, el sonido, el espacio, incluso tus instintos). Las notas son la mejor forma de llevar un registro de lo que has averiguado. De lo contrario, olvidarás detalles que pueden ser importantes.

Asegúrate de conocer la calidad que buscas.

Los días de una simple maqueta de voz y guitarra han pasado a la historia. Phil Ramone lo dijo mejor que nadie en una entrevista con Howard Massey:

"La calidad de una maqueta es muy importante hoy en día: no puedes ir a ninguna parte con una maqueta de piano/voz o guitarra/voz. Eso ya no se puede hacer".

El modelo de negocio de la música ha cambiado mucho en las últimas tres décadas. La forma de comercializar y distribuir la música ha cambiado drásticamente. La forma de promocionarte a ti mismo y a tu música también ha cambiado. Si aspiras a que te contraten los grandes sellos, tienes que llegar a ellos de alguna manera, o generar un gran revuelo. No creo que haya demasiada gente de A&R hoy en día que pueda imaginarse, por sí misma, cómo puede ser una canción con un arreglo adecuado. E incluso si pueden, ¡no quieren asumir responsabilidades que puedan costarles el puesto! Esperan un producto que, si no está listo para su distribución, está muy cerca de estarlo. Puede que tengas un abogado especializado en negocios musicales que tenga contactos; ¿de verdad crees que entregará tu maqueta a sus contactos si no suena bien? Mejor piénsatelo otra vez.

Si tu objetivo es promocionar y vender tu música y construir tu propia marca (mediante ventas, publicidad, conciertos, radio/TV) sin firmar con las majors, la buena noticia es que esto es muy posible hoy en día. Muchos músicos lo están haciendo e internet desempeña un papel fundamental. No me canso de repetirlo:

¡Internet desempeña un papel fundamental en la promoción de tu marca!

Tu música debe sonar bien en todos los formatos populares que se utilizan en línea. Esto presenta desafíos en términos de masterización, y es tu responsabilidad asegurarte de que el estudio que elijas tenga pleno conocimiento al respecto.

Una vez que tengas una lista de un par de estudios, concierta algunas citas, sal y comprueba los estudios para tener una sensación e impresión directas de lo que se ofrece. Consulta el siguiente capítulo: consejos para seleccionar un estudio...
Consejos para elegir un estudio de grabación…
Intenta encontrar un estudio no demasiado lejos de tu casa: conducir doscientos kilómetros todos los días antes de grabar no ayuda a tu rendimiento y se suma a tu cuenta de resultados. Muchas veces, tienes que volver para una remezcla o alguna postproducción. Intenta buscar también estudios fuera de las zonas céntricas, el aparcamiento no es barato... Concierta citas con un par de estudios que se ajusten a tus criterios presupuestarios, y ve a mirar.
Si el estudio está lejos, asegúrate de que hay alojamiento disponible. Puedes pasártelo bien; una zona estupenda es inspiradora y estimula la creatividad y el entusiasmo. Una ventaja interesante de estar lejos es que te ayudará a relajarte, al estar alejado de las obligaciones del día a día, y podrás concentrarte mejor, sobre todo si la grabación dura un par de días.
¿Te gusta lo que ves y oyes? ¿El estudio tiene un ambiente agradable y creativo? Esto es mucho más importante de lo que crees. Sentirse cómodo y confiado es sumamente importante. Mantente alejado de estudios en la cocina, pasillos o habitaciones con cables tendidos por todas partes: ¡no esperes una ruta de audio limpia, sin zumbidos! Básicamente, si parece mediocre, probablemente tu producto también sonará así.
Comprueba la acústica para tu estilo de música. Si lo tuyo son las grandes sesiones orquestales, lo que buscas es un estudio grande. Pero para pop, rock, folk, jazz, R&B, hip hop, una sala de directo más pequeña será perfecta. Hazte una idea tanto de la sala de grabación como de la de control: un buen diseño acústico contribuye en gran medida a obtener un producto final excelente.
Hablando del espacio de grabación, piensa en el nivel de aislamiento que necesitas si el acto es una banda. En algunos casos, las fugas de micrófono son tus amigas (sobre todo para las bandas de jazz que graban juntas); mientras que en otros casos se requiere aislamiento. Para la mayoría de los proyectos, como el pop o el rock, se requiere aislamiento, así que comprueba si el estudio ofrece suficientes posibilidades para conseguirlo (cabina vocal, salas de directo, espacio, etc.).
Lleva contigo algunos CD que ya conozcas. Pídele al ingeniero que los reproduzca y escucha desde la posición de mezcla. ¿Puedes oír cada detalle con claridad, así como la ubicación de cada instrumento? Solicita al ingeniero que te permita sentarte en su silla y cambiar los monitores de estéreo a mono; en ese momento, el sonido debería situarse justo frente a ti, como si pudieras tocarlo. Si no es así, ¡la sala tiene mala acústica y será imposible lograr una buena mezcla! ¡La acústica del estudio y la respuesta de la sala son extremadamente importantes para la mezcla y la masterización! ¡NO ESCUCHES NADA A TODO VOLUMEN! El volumen enmascara las imperfecciones. Todo debe ser audible a un nivel razonable.
Es una ventaja si el estudio tiene más de un par de monitores, para que el ingeniero pueda cambiar instantáneamente para comprobar las mezclas. Aparte de los monitores principales, los demás monitores deberían ayudarte a hacerte una idea de cómo se traduce una mezcla o un master al mundo real. Un par de pequeños Auratones pueden darte una idea bastante aproximada de cómo sonará una canción en los televisores (suelen bajar gradualmente a 200 Hz y bajar a 100 Hz o 14 KHz). Unos altavoces de ordenador, un conjunto de monitores audiófilos y un boombox te ayudarían a tomar decisiones.
Busca un estudio que incluya un ingeniero en la tarifa. El ingeniero del estudio conoce bien la acústica del estudio. Sí, puedes contratar a un ingeniero independiente, pero generalmente no merece la pena. El ingeniero del estudio está familiarizado con el equipo y resolverá los problemas con la mayor eficacia posible, ya que conoce bien el estudio. Deja que escuche las muestras que tienes (muestras en la misma línea que tu estilo musical) y discute con él hasta qué punto se siente cómodo consiguiendo ese tipo de sonido. No tiene sentido contratar a un ingeniero de sonido que nunca ha trabajado con un grupo de jazz si quieres grabar jazz.
Durante la cita, asegúrate de hablar con el ingeniero de grabación. Es una de las piezas clave de la sesión: el equipo más impresionante sólo sonará tan bien como la habilidad del ingeniero para utilizarlo. Estás pagando por él, así que asegúrate de que es atento, está dispuesto a ayudarte cuando te encuentres con obstáculos y hace lo que tú quieres. ¡Una personalidad que encaje va muy lejos!
Puedes tener o no un productor. Producir una canción no es fácil, y contar con alguien que haya trabajado con muchos otros actos significa que tendrás unos oídos objetivos que juzgarán tu proyecto y te harán sugerencias válidas. También ayuda que el ingeniero del estudio sea productor; la experiencia que ha adquirido con otros artistas sólo beneficiará a tu proyecto. Si tienes un presupuesto más ajustado, encontrar un estudio dirigido por un productor es una buena apuesta.
Si has realizado algo de trabajo de preproducción en casa (como algunas pistas), es importante que se lo comuniques al ingeniero. Él te indicará cómo preparar las pistas para que cuando llegues a grabar, no pierdas tiempo. ¡No hay nada peor que gastar dinero para que un ingeniero simplemente presione el botón "convertir" mientras tú pagas por un tiempo que podrías haber utilizado en casa, disfrutando de alitas y viendo la televisión!
Busca siempre un estudio que pueda albergar un juego de batería en caso de que lo necesites, para no tener que grabar la batería en otro estudio. Y, con más salas de directo, es más fácil grabar más instrumentos (como batería y percusión al mismo tiempo) y obtener una mejor interpretación en la cinta.
Hablando de instrumentos, comprueba si el estudio dispone de un piano, en caso necesario. En los estudios pequeños y medianos, el espacio es un problema, y puede que no encuentres un piano de cola. Sin embargo, puede que el estudio ofrezca algunas alternativas realmente estupendas, como el Roland V-piano o el Yamaha AvantGrand. Tienen una gran acción (por supuesto, esto es cuestión de gustos), y un sonido muy bueno para grabar. Estos pianos están un gran paso por encima de los pianos digitales normales y pueden indicar que un estudio se preocupa por la calidad del equipo y del sonido.
Toma nota de los demás instrumentos -guitarras, bajos, amplificadores, efectos- de que dispone el estudio. Puede que necesites cortar una pista con un color diferente, o añadir una guitarra acústica, o doblar algunas pistas de guitarra, y querrás tener algunas vías disponibles para explorar. No vas a entrar en un estudio para escribir una canción, pero un poco de experimentación, posibilitada por instrumentos que suenan distinto a lo que estás acostumbrado, puede añadir un sabor interesante que realmente mejore tu pieza.
Lo más importante en lo que coinciden todos los productores famosos como Ramone, Kramer, Visconti, Cherney, Brauer, Afanasieff, Johns, Parsons, etc., es en conseguir "¡LA ACTUACIÓN!". Y, por lo general, una gran actuación sólo se consigue cuando todos los miembros de la banda tocan juntos, alimentándose mutuamente de su energía, aunque luego se sobregraben algunas pistas o sólo se graben la batería y el bajo. Un estudio que pueda grabar al menos 12 pistas simultáneamente es una buena apuesta en caso de que quieras que todos toquen al mismo tiempo.
¡¡¡Presta atención al sistema de monitorización durante la grabación!!! Quieres uno multicanal, para que cada jugador pueda tener básicamente su propia mezcla y sentirse cómodo. Aún mejor es un sistema de monitorización de auriculares, que permita al jugador controlar lo que oye en sus respectivos auriculares. Es una cosa humana curiosa, ¡pero cada jugador quiere oírse a sí mismo más alto en los auriculares! Un sistema de escucha múltiple permite esto, lo que permite a los músicos estar más cómodos y producir una mejor actuación.
Una vez que hayas terminado de visitar estudios, es el momento de reducir la lista. Puede que ya tengas una idea clara, pero a veces quedan solo dos o tres opciones. Todas estas alternativas pueden ser adecuadas para el trabajo, pero ahora es esencial alinear la naturaleza de tu proyecto con las capacidades técnicas del estudio. Algunos estudios sólo tienen la última tecnología, otros tienen el preciado equipo vintage que garantiza un cierto color a tu sonido. Un acto típico de rock & roll tiene un sonido diferente al del R&B, y las herramientas utilizadas tienen mucho que ver con ello. Así que vamos a sumergirnos un poco en los muchos aspectos del equipo utilizado en un estudio de grabación.
¿Qué importancia tiene el equipo del estudio?

La respuesta breve es la siguiente: Es importante. Y punto.

Muchos estudios publican en sus sitios web: "¡Cuidado con las largas listas de equipos!", como si supieran que es la receta para una mala grabación. A veces puede ser cierto, aunque muy raramente, esto debería redactarse más exactamente como: "¡Cuidado con las largas listas de equipos cutres y baratos!". Lo que estos estudios no te dicen es lo importante que es la calidad de los micrófonos, preamplificadores y compresores.

Está bien anunciar que la experiencia del ingeniero cuenta mucho, pero si pides un determinado micrófono de gama alta para voz o guitarra acústica que sabes que forma parte de tu sonido, y te dicen que el estudio tiene que alquilar uno, es justo suponer que el ingeniero no tiene la experiencia adecuada para conseguir el sonido que buscas, porque no trabaja habitualmente con equipos de calidad, así que no sabe lo que se puede conseguir con ellos.

Una respuesta común al preguntar si el estudio cuenta con micrófonos y preamplificadores de gama alta es que logran un sonido excepcional con una marca menos conocida, porque saben cómo sacarle el máximo provecho. Aunque eso puede ser cierto (¡aún tengo que verlo!), un estudio de buena calidad debe ofrecerte varias opciones que puedas probar para determinar cuál te da los mejores resultados. Y cuando hablo de opciones, especialmente para voces, me refiero a grandes micrófonos de condensador de tubo con los logotipos de marcas como Neumann, AKG, Soundelux, Lawson, Brauner, Telefunken, Gefell o Manley.

Comprende que el rendimiento de un único preamplificador de micrófono que vale el doble que un mezclador Mackie o Soundcraft de 16 canales, ¡no tiene comparación con el Mackie! Muchos ingenieros utilizan un compresor cuando graban voces, ¡pero ningún compresor se acerca al TubeTech CL-1B o LA-2A para el trabajo vocal! El mejor ingeniero con el mejor equipo por el dinero que te puedes permitir: ¡eso es lo que tienes que buscar!

Como ya he señalado, la interpretación es el elemento más importante en el proceso de grabación. La calidad del sonido proviene sobre todo de la capacidad del músico para interpretar su parte. El equipo nunca sustituirá eso. Pero un equipo de buena calidad capta el sonido correctamente y proporciona al ingeniero la materia prima para una mezcla y masterización adecuadas. En otras palabras, una mala interpretación o una interpretación mal captada sólo puede enmascararse hasta cierto punto en el proceso de mezcla/masterización. Debes prepararte para el éxito sónico desde el principio, en lugar de confiar en trucos posteriores a la actuación.

Busca siempre calidad de boutique y equipos de gama alta/esotéricos. Lo más importante son los micrófonos (busca nombres como Neumann, Telefunken, AKG, AEA, Lawson, Royer, Soundelux, Earthworks, Brauner, Sanken, DPA, Schoepps, Geffel), preamplificadores de micrófono y ecualizadores (como Martech, Neve, Millenia, Massenburg, Great River, Pendulum Audio, SSL, Chandler, Focusrite Red, API, Vintech, Tree Audio, etc), y compresores (Thermionic, Elysia, Tube Tech CL-1B, LA-2A, Portico Neve MBP, Avalon, 1176, Distressor, Cranesong, Manley, SSL, API, Shadow Hill, etc).

Haz los deberes y anota lo que te ofrece el estudio -micrófonos, preamplificadores, ecualizadores y compresores- y luego investiga en Internet, hay muchos foros con mucha información, como www.gearspace.com (donde son moderadores leyendas de la grabación/mezcla/masterización como George Massenburg y Bob Katz).

Para una actuación en solitario, un micrófono de buena calidad puede bastar por sí solo. Pero para un grupo de música, debes tener acceso a distintos tipos de micrófonos, porque si lo sobregrabas todo, incluso con un micrófono de primera calidad, el producto final sonará plano. Un estudio de buena calidad debe tener una buena colección de micrófonos, porque cada estilo de música y cada instrumento requieren un sonido determinado y, no hay un tipo de micrófono que se adapte a todos ellos.

Si quieres grabar un piano de concierto, lo mejor es un par de omnidireccionales - Earthworks o DPA - y un condensador grande de alta calidad, sobre todo para música clásica y jazz. Por supuesto, dos Rodes o AT harán el trabajo, ¡pero OIRÁS LA DIFERENCIA! Para las cañas no hay nada mejor que un buen micro de cinta. Y los básicos como Royer R121, Coles 4038, AKG 414's y 112D, Shure SM7, SM 57, SM 58, Electro-Voice RE-20 y MD 421 Sennheiser son una buena apuesta para batería, percusión, bajo y guitarras. Aunque lo más importante para conseguir un producto de la máxima calidad es la actuación del artista, el estudio tiene que ser capaz de proporcionar las herramientas adecuadas para captar ese sonido.

En lo que respecta a los preamplificadores, asegúrate de que el estudio cuenta con preamplificadores de alta calidad que sean adecuados para el estilo de música que tocas. Si eres músico clásico o trabajas con instrumentos acústicos, es recomendable un preamplificador transparente como el Millenia o el Earthworks. Para géneros como el rock, jazz y R&B preamplificadores como Neve, Tree Audio, Chandler, Focusrite Red, Martech, API, Pendulum Audio, Great River, SSL, Fearn, Vintech, Avalon son grandes opciones. Hay una razón por la que el preamplificador Millennia se utiliza casi exclusivamente en todo el mundo para música clásica/de cámara/de coro, donde "limpio" y "headroom" son el nombre del juego.

Por supuesto, los grandes preamplificadores no son baratos. ¡Cuestan miles de dólares! En tu búsqueda de estudio te dirán lo estupendos que son los preamplificadores Presonus, ART, Mackie y Behringer. He aquí la noticia: ¡No lo son! No son malos, harán el trabajo, ¡pero no puedes comparar realmente un preamplificador de un canal de 2000 € con un preamplificador o mezclador de ocho canales de 800 €! Busca un estudio que tenga un par de preamplificadores diferentes, ¡para que puedas aprovechar y obtener lo mejor en diferentes situaciones de grabación! API, Focusrite Red, Neve o SSL son estupendos para baterías; por otro lado, cuando se trata de grabar o calentar un sintetizador, un preamplificador de válvulas como Pendulum, Thermionic o Fearn es una gran opción.

Puedes saltarte este párrafo, va a ser un poco técnico, pero te permitirá comprender mejor por qué un preamplificador de micrófono hace un buen trabajo. Casi todo el mundo sabe que hay que evitar la saturación durante la grabación; lo que no es muy conocido es que, mucho antes de la saturación, muchos preamplificadores muestran un aumento extremo de la distorsión, al pasar de funcionar en Clase A a Clase AB. Por lo tanto, es muy importante que haya al menos 6 dB entre el nivel máximo de la música y el punto de saturación, para evitar un sonido áspero. La diferencia entre el nivel medio del sonido y el punto de saturación se conoce como margen. Cuanto mayor sea el margen, mejor será el sonido. Los preamplificadores de alta gama tienen puntos de saturación que pueden alcanzar hasta 37 dBu (+55 voltios), mientras que los equipos semiprofesionales y de consumo generalmente oscilan entre 20 y 24 dBu.

En resumen, para obtener un buen sonido, es crucial que los preamplificadores cuenten con dispositivos de salida muy altos y una fuente de alimentación de alto voltaje, lo cual puede resultar bastante costoso; no lograrás esto con preamplificadores que cuesten 100 dólares por canal. Si bien estos preamplificadores económicos pueden ser adecuados para ingenieros de grabación aficionados, deberían evitarse si buscas calidad. Los preamplificadores y ecualizadores de buena calidad incorporan circuitos de alta gama y excelentes transformadores, y cuando tengas que microfonear múltiples pistas, ¡te darás cuenta de su importancia!

Presta atención a la cadena vocal: asegúrate de que haya un gran compresor vocal como el Tube Tech CL-1B o el LA-2A, eventualmente un Cranesong Trakker. Hacen un gran trabajo sin comprometer la calidad de la voz y, cuando se utilizan correctamente, no se nota que la voz ha sido comprimida: tienen un toque mágico. Los mejores preamplificadores vocales son Martech MSS-10 (muy profundo, estupendo para voces enormes, gran margen, muchos lo consideran el Ferrari del mundo de los preamplificadores vocales), Neve 1073, API, Pendulum Audio, Pacifica, Telefunken V72, Hardy, Chandler. En cuanto al micrófono vocal, querrás poder elegir entre una selección de grandes micrófonos para ver cuál se adapta mejor a tu voz y asegurarte de que te dan a probar al menos un gran condensador de válvulas de gama alta.

Pregunta siempre por la calidad de los convertidores A/D y D/A. Si el estudio utiliza cinta, eso no es relevante, pero si el sonido se graba en un ordenador, ¡los convertidores son lo primero que debes mirar! Hay tarjetas de audio con convertidores como Motu, Lexicon Omega, Digidesign Mbox-2 o Echo que proporcionan un buen sonido; pero cuando se trata de un gran sonido, con artefactos extremadamente reducidos en el proceso de conversión de analógico a digital para grabar o de digital a analógico al escuchar, busca convertidores de grado de masterización: Prism, Mytek, Lynx, Lavry, Antelope. Cuando el número de pistas sea alto, ¡escucharás claramente la diferencia! Los convertidores de grado de masterización son mucho más caros y, de nuevo, hay una razón para ello. Estos convertidores proporcionan una mayor integridad al sonido y emplean una tecnología muy sofisticada de reducción de las fluctuaciones. En palabras sencillas, preservan casi por completo la calidad del sonido durante la conversión a digital o a analógico.

Hoy en día, casi todas las grabaciones con calidad de lanzamiento incluyen el uso de sistemas de grabación y edición en disco duro como ProTools, Nuendo/Cubase o Sequoia. Poca gente sabe que en un estudio basado en cintas, al menos el 20% de tu tiempo se dedica a esperar a que las cintas se rebobinen después de cada pinchado; esto no es un problema en un sistema de grabación de acceso aleatorio como los mencionados anteriormente. Ciertamente, la grabación en cinta tiene sus propias ventajas; mucha gente jura por la calidez del sonido. De hecho, aportan cierta distorsión que resulta agradable al oído humano. Aunque la grabación digital con la resolución actual es muy precisa, el sonido de las consolas premium con placa Neve, SSL, API o Harrison es famoso, y puedes oírlo en todos los grandes lanzamientos de música pop/rock/jazz. Por desgracia, son extremadamente caras, y sólo puedes encontrarlas en los grandes estudios multimillonarios.

Los sistemas de mezcla híbridos analógicos/digitales brindan un sonido más personal y orgánico, gracias a las cajas sumadoras analógicas. Algunas de ellas tienen un sonido único y hermoso: Chandler (fabricado por EMI/Abbey Road), Inward Connection Mix690 (fabricado por Steve Firlotte con los famosos op-amps 690 Jim Hall), Fat Bustard (fabricado por Thermionic), Great River MM20, Shadow Hills, Neve 8816, X-rack SSL. Aunque su precio sigue siendo elevado, son más accesibles en comparación con las consolas legendarias, y muchos estudios medianos y pequeños han comenzado a adoptarlas. Presta atención a aquellos estudios que utilizan este enfoque, ya que esto indica que se han esforzado por ofrecer un producto final de alta calidad.

Como algunos de los estudios medianos y pequeños se aventuran en la mezcla híbrida analógica/digital, comprueba qué hardware utilizan junto con sus plugins: nombres como Eventide, Bricasti, Lexicon, TC Electronics para espacio/reverb/retardo; Elysia, Neve 33609, Cranesong, Thermionic, 1176, SSL, API 2500, Retro Instruments, Avalon, Empirical Lab, Pendulum, Manley para compresores; y Neve, Massenburg, Chandler, Millenia, Elysia, Retro Instruments, Avalon, Pendulum, API, Weiss y Manley como ecualizadores son bastante deseables.

Otra cosa en la que fijarse son los plugins utilizados. Te ayudará ver las tarjetas UAD con plugins, o plugins nativos como Sonnox Oxford, Tone Projects, Acustica, DMG, Soundtoys, Fab Filter, Waves, SSL, Lexicon, Altiverb, Eventide, Relab, etc. Tras muchos años desarrollando algoritmos cada vez mejores, la mayoría de los plugins son excelentes. Asegúrate también de que el estudio utiliza un buen software para la edición de voz: Melodyne o Antares. La batería suele ser un problema, y una herramienta para sustituirla, como Drumagog, Trigger o incluso mejor, el trigger de Superior Drummer 3, ¡puede salvarte el día!

Pide siempre escuchar algo de música (lleva contigo algunos CD) en la misma línea con tu música a través de los monitores del estudio. Los monitores sirven para juzgar las pistas, la mezcla y la masterización. Si son de baja calidad, ¡probablemente habrá un problema! El ingeniero del estudio está acostumbrado a ellos y puede hacer un trabajo excelente, pero hay situaciones en las que se te pedirá que tomes algunas decisiones, que aceptes o rehagas algunas pistas, ¡y es posible que no puedas tener una opinión objetiva! Ayuda que el estudio disponga de 2 ó 3 juegos de monitores de diferentes marcas y tamaños, ¡para que puedas comprobarlos todos! Ayuda aún más si los monitores son de ATC, Barefoot, Focal, Klein & Hummel, Adams, KRK, etc. - ¡sólo tienes que pedir escuchar tus CD y notarás la diferencia! Revelan fácilmente cualquier problema y permiten a un ingeniero conseguir un gran equilibrio e imagen.

Hay muchos estudios medianos y pequeños, y no tienen nada de malo, sobre todo si te repercuten los menores gastos generales (a diferencia de los grandes estudios, que no pueden permitírselo, ya que tienen grandes gastos generales, debido al personal, el alquiler y el costoso mantenimiento). Sólo asegúrate de que ofrecen comodidad, buena acústica y monitores y buen equipo. Pero ten cuidado: mucha gente graba con un ordenador, una consola o preamplificadores baratos y micrófonos baratos. Te aconsejo que pienses dos veces antes de optar por el estudio más barato, ya que la calidad de tu producto lo reflejará. Un micrófono o preamplificador que cuesta 200 € no puede ofrecer la misma calidad que uno que vale 7000 €. Los micrófonos económicos fabricados en China que afirman funcionar igual que los Neumann son solo una estrategia de marketing; al final, también ellos necesitan obtener ganancias. No se puede negar que estos micrófonos pueden ser útiles y no son terriblemente malos, pero su calidad es muy variable. Si has invertido tanto esfuerzo en realizar una grabación, ahorrar unos cientos de dólares a expensas de la calidad es un gran error.
En conclusión, elige siempre el estudio que te haga sentir más cómodo y satisfaga tus necesidades de grabación. Lo que realmente marca la diferencia son los oídos y la experiencia del ingeniero, tu musicalidad, el espacio en el que grabas y el equipo que capta tu interpretación.
¿Por qué son tan importantes la mezcla y la masterización?

La respuesta breve es que quieres que tus canciones suenen con los mismos estándares de calidad que las demás canciones que oyes en la radio, en el coche, en la tele, en streaming o en el equipo de música de casa. Todos estos sistemas de audio tienen sus limitaciones (en lo que respecta a la dinámica del sonido y el espectro de frecuencias), y mediante la mezcla y la masterización se prepara tu música para que suene correctamente. No olvides que tu competencia son los lanzamientos comerciales, y tu canción debe sonar bien entre ellos.
¿Puedo hacer yo mismo la mezcla y la masterización?

Puedes mezclar y masterizar tú mismo; sin embargo, no pongas tus expectativas demasiado altas. Se tardan muchos años en desarrollar las habilidades de un ingeniero profesional, y hay una razón por la que los mejores ingenieros de mezclas son los mejor pagados de la industria musical. Es casi lo mismo que cuando hacemos trabajos en casa, como reformas, en lugar de contratar a profesionales para que lo hagan. Es más barato, pero nunca será tan bueno ni tan eficiente como lo pueden hacer los profesionales, porque han pasado muchos años haciéndolo, tienen toneladas de experiencia y disponen de las herramientas adecuadas para hacerlo.

La curva de aprendizaje para los ingenieros de mezcla y masterización es larga y desafiante. También es fundamental considerar la importancia del espacio acústico, los monitores y el equipo utilizado. Si deseas que tus canciones tengan un sonido comparable al de la radio o los CD comerciales, lo mejor es colaborar con profesionales experimentados que cuenten con las herramientas y el entorno adecuados. Ahorrar dinero mediante grabaciones DIY puede ser una opción más viable que intentar mezclar y masterizar por tu cuenta. Sin embargo, si decides seguir adelante y hacerlo tú mismo, te recomendaría que tomes algunos cursos en plataformas como Puremix o Groove3; son sitios accesibles y ofrecen instrucción de calidad.
¿Puedo obtener una explicación detallada de en qué consiste la mezcla?

Mezclar es el proceso de juntarlo todo para conseguir un gran equilibrio, gama de frecuencias, panorama, dimensión, dinámica e interés. ¡Así de sencillo!

La mezcla es la parte más compleja de la cadena de producción musical y yo diría que la más importante. Un ingeniero de mezclas tarda años en llegar a ser bueno en ello; por eso los ingenieros de mezclas son los mejor pagados de la industria.

¿Por qué es tan importante mezclar? Para empezar, el oído es mucho menos objetivo que la vista y mucho más abierto a la interpretación, y la forma en que las canciones resuenan en las personas cuando las escuchan es diferente en cada uno. No sabemos demasiado sobre cómo reacciona la música con nuestro cerebro y cómo funciona realmente el mecanismo emocional. Sin embargo, se ha investigado mucho en las últimas tres o cuatro décadas, y los resultados de estos estudios nos ayudan a comprender mejor cómo se hace una mezcla. Curiosamente, con toda la subjetividad, casi todos sabemos cuándo una mezcla es mala o buena.

Las marcas de una mala mezcla son fáciles de reconocer: las voces son difíciles de entender, a veces están demasiado bajas o demasiado altas o desafinadas; algunos instrumentos, aunque estén ahí, parecen desaparecer a veces; algunas partes principales están demasiado enterradas dentro de los instrumentos, a veces parece que los instrumentos/voces no están juntos, como si actuaran en espacios diferentes; a veces, la combinación de instrumentos no encaja, simplemente sabes que algo va mal.

Las marcas de una buena mezcla son aún menos complicadas: todo fluye, nada parece raro, sientes emoción, el groove está ahí, te sientes emocionado y cómodo, y sientes que quieres que la canción siga adelante: ¡así de sencillo!

El ingeniero de mezclas toma una canción y, a través de su experiencia y decisiones creativas, ayuda a contar su historia. Lo más importante es la canción misma, ya sea que se trate de resaltar una voz, una pieza instrumental o un grupo. El ingeniero combina todos los elementos, de manera similar a como un pintor aplica colores en un lienzo, apoyando el mensaje de la canción. Cada tema es único, por lo que no hay reglas fijas.

El ingeniero viene con una mezcla aproximada, que se presentará al artista/productor, para que pueda aportar su opinión. Una buena mezcla tiene unos graves fuertes y controlados, unos medios distribuidos uniformemente entre los instrumentos y unos agudos fuertes pero suaves. Los medios son extremadamente importantes: una gran mezcla aún tiene que sonar bien si filtras todo por debajo de 150 Hz y por encima de 6K (¡recuerda los viejos discos Blue Note de Rudy Van Der Gelden!). Aunque el ingeniero tiene una cierta visión e intenta hacerlo lo mejor posible, lo que realmente cuenta es la opinión del cliente, y el ingeniero de mezclas intenta acercarse lo más posible a la imagen que los artistas y productores tienen en mente.

El arreglo de la canción es posiblemente el factor más importante que influye en la calidad de la mezcla. Un músico, compositor o banda tendrá más éxito si es hábil en la composición de arreglos, entendiendo cómo los diferentes sonidos de los instrumentos se complementan para realzar la melodía y el mensaje de la canción.

Un buen arreglo presta atención al tempo, el ritmo, el tono, la consonancia y la disonancia. No hace falta escuchar una canción entera para saber cuál es, cuando la gente oye unos acordes en un orden determinado en un concierto de Eagle (Si menor, Fa sostenido mayor/A mayor...) empiezan a cantar "Hotel California", o cuando empieza la línea de bajo la gente reconoce enseguida "Beat it" de Michael Jackson. Mediante los arreglos puedes captar la atención del oyente, ponerle en un estado de ánimo determinado, crear tensión, llevar o no a una finalización de la tensión, sugerirle control y luego sacarle bruscamente y trasladarle a lo desconocido.

La mayor parte de la música comercial que oímos funciona con patrones que inducen un buen estado de ánimo, ritmo, sin grandes cambios; si observas detenidamente los principales éxitos comerciales, descubrirás que tienen la misma estructura. Cuando escuchas a los grupos de rock progresivo (como Yes, Pink Floyd, Procol Harum, ELP) las formas son diferentes, la manera de captar la atención es distinta, hay un nivel diferente de riqueza -tanto armónica como rítmica-; hay un sentido más profundo de cómo utilizar y agrupar los sonidos. El jazz en general es rico en armonía, ritmo e improvisaciones, y el lado natural del sonido es muy importante.

La mezcla es el siguiente paso después de la grabación. No deberías mezclar inmediatamente después de grabar; dale un tiempo. Mezclar al día siguiente puede afectar la objetividad. Permite algunos ajustes de última hora si es necesario, o tal vez sea preciso añadir algo a la grabación. Todos los instrumentos deben sonar bien y ajustarse entre sí, creando la sensación de que están tocando juntos en un mismo espacio, no dispersos en lugares distintos. La canción debe ser redonda y pulida, con una sensación de profundidad tridimensional. Aunque en teoría parece sencillo, en la práctica resulta ser mucho más complejo.
¿Qué have exactamente el ingeniero de mezclas?

Cada instrumento transporta distintas cantidades de energía en sus bandas de frecuencia y hay que trabajarlas para que no se anulen entre sí y suenen juntas con naturalidad. Deben situarse en el espacio, tanto en estéreo como en profundidad. Las voces o pistas tienen que destacar.

Para cada tipo de música hay una determinada idea de sonido que es un punto de partida para el ingeniero de mezclas. Entrando en detalles, cada instrumento vibra a diferentes frecuencias a la vez. Cada sonido tiene una fundamental y sobretonos -las frecuencias por encima de la fundamental-. Cada instrumento tiene su propio perfil de sobretonos, su propio timbre, para que podamos diferenciarlos. Estos sobretonos ponen una cantidad diferente de energía en cada armónico; por ejemplo, las trompetas tienen una distribución uniforme de la energía, mientras que los clarinetes tienen mucha energía en los armónicos impares (como los múltiplos de 3, 5, 7 de la fundamental).

Peter Schaeffer hizo un experimento muy interesante: cortó el comienzo mismo de cada tono, y en ese momento era casi imposible distinguir el instrumento. Demostró que el ataque del sonido es esencial para su definición. Otro investigador -Petr Janata- demostró mediante experimentos que, al eliminar la fundamental de un sonido, éste se restablece en las primeras fases del procesamiento auditivo (escuchamos algunos sistemas estéreo o en el coche y tenemos la sensación de que los graves son fuertes, pero no hay graves, ya que los altavoces no bajan de 125 Hz; lo que oímos son sólo los sobretonos de los graves).

Todos estos aspectos son considerados al mezclar, ya que hay un espacio limitado en el que todas las voces e instrumentos deben coexistir. Aislados, algunos instrumentos pueden sonar delgados, pero cuando se combinan, deben complementarse entre sí. Por ejemplo, en una canción típica de rock, al rasguear una guitarra acústica, el cuerpo de la guitarra puede ser menos prominente, mientras que se destacan los armónicos más agudos. Aunque por sí sola puede sonar áspera, se integra perfectamente en la mezcla.

Cada canción es diferente, y cada ingeniero de mezclas tiene su enfoque personal al hacer la mezcla. El ingeniero tiene que entender de qué va la canción, cuál es la historia y cuál es la mejor manera de contarla. El ingeniero tiene que entender el arreglo e identificar el punto de partida (como en la música disco, el kick lo es todo, o en el jazz, la melodía y el diálogo musical entre los músicos), y luego, utilizando panorama, EQ, dimensión (efectos), dinámica (compresión, gating, limitación) empieza a construir de abajo arriba, tiene que averiguar la dirección de la canción, asegurarse de que tiene el groove y capta el interés.

En la música moderna, para algunos ingenieros el enfoque de la mezcla consiste en construir los cimientos, creando el triángulo batería-bajo-vocal y consiguiendo el equilibrio principal de la mezcla. Puede que haya que editar y mejorar la batería, a veces hay que sustituir o reforzar los sonidos de batería. El bajo y el bombo deben estar juntos, complementarse y funcionar muy bien con la voz y la caja. Si este triángulo está bien, la mezcla será buena. Otros ingenieros empiezan por el elemento conductor de la canción y con él construyen los cimientos.

Las voces se someten a edición, reducción de la respiración, eliminación del ruido de las pistas y ecualización sustractiva. La edición de la voz (corrección de tono y entonación si es necesario) requiere experiencia y herramientas especializadas, como Melodyne o Antares.

En la música clásica, las cosas funcionan de manera algo diferente, aunque el objetivo final sigue siendo el mismo. La edición y la compresión tienen un papel bastante limitado, lo que se podría considerar una simplificación en cierto sentido. Es fundamental prestar atención a la dinámica y su preservación, ya que constituye una forma crucial de expresión. Además, la percepción del espacio en la música clásica difiere de la de la música moderna, y la clave aquí es "naturalidad". Para lograr esto, se requieren reverberaciones realistas y de alta calidad; aunque marcas como Lexicon o TC Electronics son populares, el Bricasti M7 es insuperable para obtener una acústica natural.

La mezcla de música clásica también varía en función de cómo se captan los instrumentos. Por ejemplo, para grabar un coro de manera adecuada, se suele emplear un arreglo en árbol Decca o una configuración XY para captar al coro como si fuera un único instrumento. He visto intentos de grabar un coro colocando paneles acústicos entre las secciones, ¡lo cual no es la forma correcta de hacerlo! La interpretación y el espacio suelen estar presentes desde el principio; generalmente, solo se requiere un ajuste fino en la mezcla si la grabación se ha realizado correctamente.

En términos generales, el proceso fundamental de mezcla musical consiste en:

1. Establece niveles y panorámicas.
2. Edición y corrección de tono.
3. Ecualización - sustractiva y conformación.
4. Compresión
5. Tratamiento de efectos
6. Automatizar niveles
7. Imprime la mezcla.

El ingeniero viene con una mezcla aproximada que presentará al artista/productor, para que pueda decidir qué camino tomar. Una buena mezcla tiene unos graves fuertes y controlados, unos medios distribuidos uniformemente entre los instrumentos y unos agudos fuertes pero suaves. Los medios son extremadamente importantes: una gran mezcla aún tiene que sonar bien si filtras todo por debajo de 100 Hz y por encima de 6KHz (¡recuerda las viejas grabaciones del sello Blue Note, la mayoría hechas en el estudio de Rudy Van der Gelden: no hay graves ni agudos fuertes, eran mono y suenan genial en cualquier altavoz!) Aunque el ingeniero tiene un cierto punto de vista e intenta hacerlo lo mejor posible, lo que realmente cuenta es la opinión del cliente y el ingeniero de mezclas intenta acercarse lo más posible a lo que el artista/productor tiene en mente.

Normalmente, hay un par de versiones de la mezcla: 1. la mezcla maestra, la que le gusta a todo el mundo; 2. la vocal subida 1-2 dB; 3. la vocal bajada 1-2 dB;
4. la mezcla TV, sin vocal principal, a menudo llamada trax, que se utiliza para TV/karaoke 5. la mezcla instrumental. Es una práctica habitual preparar varias versiones de determinadas canciones. Primero está el corte del álbum, que suele destacar por su integridad artística, luego la versión AM, que es la mezcla de radio, con una duración de 3 minutos o casi, y la mezcla de baile para utilizar en discotecas, generalmente más larga, de unos 5-6 min.

Cuando hagas el presupuesto de un proyecto, ten siempre en cuenta el tiempo para la mezcla; esto es muy importante. Es habitual emplear entre 6 horas y dos días en el mundo de más de 16 pistas y 2-3 horas para una voz en off. Puedes pedir concesiones si tu proyecto es una maqueta para la promoción de un club, pero sería un error hacerlo para proyectos importantes.

Aparte de la experiencia del ingeniero, hay un par de elementos importantes que influyen mucho en la mezcla: la acústica de la sala, los monitores y la calidad del equipo: hardware y software. Nunca insistiré lo suficiente en la importancia de los monitores y la acústica de la sala en la ecuación de la mezcla
¿Cuáles son los procesos de edición?
LA COMPOSICIÓN es el proceso en el que una pista se compone utilizando las mejores partes de diferentes tomas de grabación. Es un proceso típico, sobre todo para las voces.
LA REDUCCIÓN DE RUIDO es básicamente el proceso por el que se eliminan, o se reducen en gran medida, los sonidos y artefactos no deseados, como ruidos de fondo, silbidos del amplificador o chirridos del pedal del bombo.
LA EDICIÓN DE TIEMPO es el proceso de alinear en el tiempo las notas fuera de compás, utilizando varios métodos.
LA EDICIÓN DE TONO es el proceso de devolver al tono algunas notas agrias.
Algunos dicen que la mezcla analógica es mejor que la digital; ¿es cierto?

Hay una disputa, con argumentos en ambos lados, sobre mezclar ITB vs OTB (ITB= mezclar en la caja, dentro del ordenador, OTB= mezclar fuera de la caja, con una consola/caja de suma y equipo externo). Creo que se ha dedicado demasiada energía a este tema; simplemente pienso que ambas formas pueden producir grandes mezclas. Hay ingenieros famosos que sólo utilizan software, otros que trabajan de forma híbrida (tanto software como hardware), mientras que el resto jura por las consolas analógicas puras.

Mezclar en digital frente a analógico tiene los mismos principios básicos, pero algunas cosas son diferentes. Demasiadas mezclas hechas en ITB suenan débiles, lo que sugiere la idea de que mezclar en analógico produce mejores resultados. Sin embargo, la realidad es que la mezcla digital es más accesible que nunca, aunque muchos la utilizan sin conocer realmente cómo hacerlo bien. Al igual que en el ámbito analógico, se requieren años de experiencia para dominar este arte. En el caso de la mezcla digital, es crucial seguir ciertos pasos, como el escalonamiento de la ganancia, para evitar la saturación.

Esto es especialmente importante cuando se utiliza el enfoque híbrido, para aprovechar las ventajas de ambos mundos (y mi forma de enfocar el proceso de mezcla). Independientemente de la forma en que se realice la mezcla, todos estos ingenieros de primera trabajan en un entorno sintonizado acústicamente, y esto es algo en lo que debes fijarte en primer lugar cuando busques un centro de mezclas. Digital o analógico. No importa si el sonido es digital o analógico; si la acústica de la sala es deficiente y afecta ciertas frecuencias, generando picos y valles en la respuesta acústica, la mezcla no será de calidad, y eso es innegable.

Los sistemas digitales han alcanzado su plena madurez: la calidad que proporcionan es extraordinaria. Plataformas como Avid/ProTools y Steinberd/Nuendo se utilizan en las instalaciones más profesionales. Durante años, ProTools fue la elección de los profesionales, pero en ocasiones en torno a 2010 el motor de audio de Steinberg (que ahora forma parte del Grupo Yamaha) tomó el relevo, en mi opinión, en cuanto a calidad. Su plataforma VST abierta estimuló a terceros a producir una plétora de software de plugins. Nuendo se convirtió en la principal fuerza detrás del sonido en la industria cinematográfica (Nuendo y Cubase comparten exactamente el mismo motor de audio).

Mientras que en Norteamérica Pro Tools sigue dominando, en Europa las plataformas Steinberg son la primera opción y tendencia profesional. Hay otras plataformas -como Sequoia, Logic, etc.- que también son buenas. La industria de los plugins pone sobre la mesa algunos programas excelentes, yo mencionaría aquí los de Universal Audio - UAD, Tone Projects, Weiss, Acustica, Sonnox, Waves, Lexicon, FabFilters, TC Electronics, Soundtoys, Altiverb, DSM de Paul Frindle, MAAT, Brainworks, y muchos otros...

Los sistemas digitales ofrecen algunas ventajas excelentes: edición rápida y precisa, capacidad de recuperación total, claridad y (al menos en teoría) un gran rango dinámico (en grabación de 24 bits es de 144 dB). Desgraciadamente, como se pueden hacer tantas cosas cuando se trabaja en digital, existe la tendencia de volver atrás y hacer todo tipo de ajustes y correcciones, que suelen resultar perjudiciales para la mezcla. Hay muchas canciones famosas en las que hay problemas de tono, o ruidos; no serían tan famosas si se hubieran hecho técnicamente perfectas.

Recientemente, con el avance de los software DAW y las interfaces de audio, como los convertidores AD/DA y las cajas sumadoras analógicas, se ha facilitado la integración de procesadores de hardware en el proceso de mezcla. Estos procesadores de hardware aportan su propia firma sonora. Por otro lado, un plugin es esencialmente una representación matemática que, en muchos casos, emula el hardware real con una notable precisión. Sin embargo, el sonido del hardware incorpora muchas otras cosas, como transformadores, op-amps, etc. Un sistema híbrido aúna el mundo analógico y el digital. Puedes detectar enseguida el sonido de una consola Neve o Harrison, un ecualizador Chandler y muchos otros. De hecho, forman parte del sonido de la historia de la música rock.

Hay una firma sónica tanto en lo digital como en lo analógico, y a mí personalmente me gusta aprovechar las ventajas de ambos. Creo que la claridad de lo digital encaja mejor con la música clásica y el jazz (en muchos casos), mientras que otros estilos -rock (duro, heavy, alternativo, punk, etc.), latino, country, jazz progresivo, funk, soul, R&B- se benefician del carácter que aportan los equipos analógicos como Neve, Chandler, API, Neve, Thermionic, SSL, etc. Por supuesto, es una cuestión de gusto y visión, y un buen ingeniero hará un buen trabajo a pesar de todo, pero es bueno tener herramientas a mano y poder seleccionar las mejores para el trabajo y tener una paleta ampliada de opciones de sonido. Lo esencial es acabar con una mezcla equilibrada, que resalte las características musicales únicas del grupo/cantante/etc.
¿Qué es exactamente la masterización?
Muchos proyectos musicales nacen en estudios de grabación caseros, donde el sistema de monitorización y la acústica de la sala son, por decirlo amablemente, poco precisos. Recomiendo encarecidamente que la masterización de estos proyectos se realice en otro lugar, con un ingeniero experimentado, familiarizado con distintos estilos de música, que trabaje en una sala profesional acústicamente tratada, utilizando un sistema de monitorización de altavoces de gama alta construido específicamente para la masterización, con convertidores A/D/A y cables de audio de grado de masterización y equipos analógicos y digitales de gama alta.

La lista de los aspectos más importantes de los que se ocupa la masterización incluye:
Eliminación de ruidos, interferencias y silbidos, eliminación del zumbido (debido a los 50/60 Hz de las fuentes de alimentación), eliminación de chasquidos, arañazos y crujidos en la remasterización de vinilos.
Limpia el principio y el final de cada canción y suaviza o crea fundidos mediante la edición, la mejora dinámica o armónica de la canción o simplemente compensa las incoherencias mediante EQ, compresión y compresión multibanda.
Optimiza los niveles de volumen medio y de pico para una sonoridad adecuada.
Conseguir el equilibrio sonoro adecuado para el tipo de canción (el country es diferente al jazz o al R&B).
Añade calidez y profundidad a tus mezclas.
Corrige y ajusta la imagen estéreo si es necesario.
Coloca las canciones en el orden adecuado y ajusta los espacios entre ellas.
Crear una firma sónica para todas las pistas.
Conversión de la frecuencia de muestreo y de bits.
Ajusta los niveles de las canciones y haz que coincidan para que el oyente no tenga que subir y bajar el volumen entre canción y canción.
Coloca todo en el formato necesario para la distribución y crea el master a partir del cual se crearán todas las copias.
Puede ser el CD maestro, el DDP, pero también otros formatos utilizados para la distribución por Internet.
Realiza el control de calidad del maestro.

Los archivos mp3 son muy populares; su problema es el compromiso sónico inherente y la pérdida de calidad de audio. Cada vez más artistas están prestando atención a la calidad de los MP3, reconociendo que la masterización puede mejorar significativamente el sonido de estos archivos, similar a cómo se masterizan las canciones en otros formatos. Los MP3 son una herramienta de marketing valiosa; no querrás perder ventas porque otros tengan versiones en MP3 que suenen mejor.

Apple llegó con un nuevo concepto, en su esfuerzo por controlar las ventas de música para diferentes plataformas. Su último formato -HD ACC- básicamente permite al cliente reproducir la música a la resolución más alta que su reproductor pueda hacerlo (iPod, iPhone, iPad, etc.). En algunos casos, será un formato sin pérdidas, en otros no. Sería útil saber cómo sonará tu canción en cada uno de ellos, y sí, la masterización es definitivamente una buena idea, y, si piensas vender tus canciones a través de iTunes, asegúrate de decírselo al estudio de masterización, y de que el ingeniero de masterización sepa de qué estás hablando.
Últimamente, los requisitos de calidad del sonido han mejorado, ya que los servicios de streaming imponen un cierto rango dinámico, y, si las canciones están demasiado comprimidas, ya no sonarán alto y bien. Quieres poder oír cómo sonarán tus canciones cuando las utilicen los servicios de streaming, por lo que debes asegurarte de que el estudio de masterización te ofrece esta oportunidad. No envías a estos servicios de streaming el archivo en el formato que están utilizando; ellos mismos están convirtiendo el archivo, así que necesitas poder oír cómo suena la conversión, y eso depende de lo bueno que sea el masterizado y la mezcla.

Además, el vinilo ha vuelto a ganar popularidad, con un aumento en las ventas en los últimos dos años. Al planificar el lanzamiento de un disco de vinilo, es esencial realizar la masterización de manera adecuada, ya que los requisitos y estándares para el vinilo son diferentes a los del formato digital. Aunque puedes enviar tu CD masterizado a la imprenta para que hagan el vinilo lacado, pero no es una buena idea. Las reglas del proceso al cortar la "laca" con la punta de zafiro imponen algunos requisitos especiales. Conseguir el mono de gama baja, o que las canciones tengan más surco al principio del vinilo son algunas cosas muy diferentes de los másters para CD o formatos de Internet.

¡Una sorpresa que tuve antes de desmantelar el estudio de Toronto fue cuando me pidieron que hiciera masters para casetes! ¡No se han ido del todo! ¡Me alegré de no haber tirado mi fiel Tascam MKII!
Etapas del proceso de masterización de audio…
Hablemos de los pasos de la masterización. Al principio (hacia 1900) y hasta la máquina de cinta analógica, el audio se capturaba directamente en la llamada "laca", una forma de vinilo, que se utilizaba para crear la "estampadora metálica", que prensaba el vinilo fundido en los discos reproducidos en tocadiscos. En los años 50, todo eso cambió, con la introducción de las máquinas de cinta analógicas, que permitieron una mejora espectacular de la calidad del sonido. Como el producto final en aquella época seguía siendo el vinilo, el proceso de preparación del audio pasó a ser crítico, influyendo mucho en la entrega de las canciones y, en consecuencia, en su éxito comercial.

Los avances tecnológicos en la entrega del sonido al cliente trajeron consigo una serie de nuevos formatos para el producto de audio: CD, SACD, minidiscos y la nueva generación de archivos utilizados para transmitir música por Internet. La masterización garantiza que la firma sónica ayude a la entrega y la integridad del mensaje artístico en cualquier sistema, al tiempo que proporciona al oyente una experiencia agradable independientemente de dónde escuche.

A pesar de la evolución de los formatos de entrega de la música, hay un par de pasos básicos en el proceso de masterización: dependen de para qué sea el master. Por ejemplo, para un CD los pasos son:

Master / Preparación de mezclas: entrega al ingeniero de masterización toda la información posible, como frecuencia de muestreo, profundidad de bits, formato de archivo, etc.
Transferencia de cintas/archivos
Crear el orden de las canciones / edición / espaciado: El orden de las canciones es extremadamente importante,
no sólo para el proceso de masterización, sino desde el punto de vista del oyente. Piensa el orden de las canciones teniendo en mente el flujo del álbum.
Procesamiento / niveles: esta es la fase en la que el ingeniero de masterización, mediante
el uso de ecualizadores y compresores, pule las canciones, añadiendo claridad, pegada,
eliminando el barro, ajustando la imagen.
Proceso de codificación PQ + etiquetado ID: en esta fase se crean los códigos ISRC, UPC/EAN, el texto del CD y los datos de protección anticopia.
Dithering: siempre es el último paso en el proceso de masterización de audio. Básicamente, añade
ruido aleatorio al convertir de un formato de alta resolución a otro de menor, como de 24 bits a 16 al crear un CD maestro.
Máster final: creación y comprobación del máster, ya sea PMCD (CD premaster) o archivo DDP (Protocolo de Descripción de Disco).
¿Como elegir un estudio de masterización?

Al buscar un estudio de masterización, es fundamental considerar ciertos aspectos clave. En primer lugar, la calidad de los monitores y la acústica de la sala son cruciales, ya que influyen significativamente en el proceso de masterización, incluso más que la habilidad del ingeniero y su experiencia. Un entorno acústicamente equilibrado permite una escucha precisa, lo que es esencial para obtener un resultado de alta calidad. Los altavoces de masterización deben tener una respuesta en frecuencia relativamente plana, la sala debe tener un Tiempo de Reverberación inferior a 0,2 seg de 100Hz a 20Khz, y como máximo 0,6 seg de 100 a 20Hz, proporcionar una imagen estéreo muy detallada, lo que significa una excelente y precisa respuesta en fase, y una dinámica controlada. Los buenos altavoces de masterización son muy caros. Algunos de los más utilizados son los ATC, Duntech Sovereign, Barefoot MicroMain27, B&W Nautilus, Tannoy, Lipinski, Paradigm, etc. Tienen una respuesta al impulso casi perfecta, una coherencia de fase fantástica y una precisión asombrosa: ¡puedes oír claramente medio dB al sumar o restar! Están pensados para revelar todos los detalles

Cuando vas a un estudio de masterización, las salas están tratadas acústicamente y la gente que trabaja allí sabe lo que hace. Sin embargo, es bastante interesante observar que casi ninguno de los estudios de masterización publica en sus sitios web la respuesta en frecuencia y la respuesta en tiempo de resonancia de sus salas. La respuesta de la sala es esencial para una correcta masterización, y aquí realmente no quieres recortar gastos; unos monitores inadecuados y una mala acústica de la sala son una combinación letal para la masterización.

La respuesta acústica de la sala es esencial para una buena masterización, porque es muy importante tener una representación adecuada del sonido procedente de los monitores. Bruel & Kjaer determinaron que la respuesta ideal de la sala debe estar dentro de los 6 dB al barrer de 20 Hz a 20 kHz, con una pequeña pendiente hacia abajo de 1000 Hz a 20 kHz. Las mediciones deben realizarse utilizando un tono de barrido a través de los monitores, grabarlo y analizarlo. Normalmente, estas mediciones se realizan con software como Room EQ Wizzard y FuzzMeasure. Los resultados muestran los problemas en cuanto a respuesta en frecuencia, decaimiento, coherencia de fase y respuesta al impulso.

La gama entre 20 y 300 Hz es extremadamente importante y afecta a la mezcla en grado sumo; debido a los modos de la sala y a la energía del espectro inferior, la variación normal en esta gama de frecuencias para una sala no tratada (común) es de entre +/- 25 dB y +/- 40 dB. La realidad es que, para mejorar la respuesta en frecuencia de la sala, tienes que invertir toneladas de dinero, y pasar por un proceso muy largo de prueba y error, hasta que la respuesta en frecuencia llegue a estar dentro de un par de decibelios a 1/48 de resolución de octava de suavizado frente al gráfico ideal (ya sea la línea Bruel& Kjaer, o una plana perfecta -algunos aún debaten este aspecto-). Lo que oyes en una sala tratada acústicamente se traduce de la mejor manera en el mundo exterior.

El gráfico siguiente muestra las mediciones realizadas en la sala de control de Fandango Recording con un Earthwork QTC-40 en un preamplificador Millenia, y mostradas por FuzzMeasure; nuestra sala está dentro de +/- 3,5 dB de la curva ideal Bruel&Kjaer de 20 Hz a 20 kHz.
Reverberation time - T30

Frequency response 20Hz - 20KHZ 1/12 Octave Smoothing

Frequency response 20-300 Hz 1/12 Octave smoothing

El equipo adecuado -tanto hardware como software- dedicado a la masterización es bastante caro, pero es la única forma de conseguir una dimensión de sonido adecuada. Puedes investigar en Internet y ver qué tipo de equipo tienen los principales estudios de masterización. Los nombres de los compresores habituales son: Elysia Alpha, Thermionic Mastering Compressor, API2500, SSL-G, Fairchild 670, Manley Vari-Mu, Rupert Neve Design II MBP, Maselec MLA-2 y los ecualizadores son: Masselec, Millenia NSEQ, Chandler Curve Bender, Manley Massive Passive, API5500, Avalon AD-2055.
¿Qué debo saber sobre la masterización AI?
Hay un par de empresas que ofrecen masterización AIO a precios muy aceptables o incluso gratis: Landr, BandLab, Waves, eMastered, MasterChannel. Por lo general, proporcionan masterizaciones de calidad decente, y de forma rápida. Entonces, ¿es buena idea recurrir a ellas?
La respuesta es tanto afirmativa como negativa, ya que depende del contexto. Si has terminado una canción y necesitas lanzarla rápidamente o masterizarla para probarla en un club (especialmente en el caso de EDM), la masterización por inteligencia artificial puede ser una solución efectiva, aunque temporal. Además, esta técnica puede ayudarte a visualizar cómo podría sonar la mezcla final.

Sin embargo, es importante comprender también los aspectos negativos:

La masterización por IA se basa en algoritmos. Permiten introducir datos hasta cierto punto, pero al final, con el tiempo, las masterizaciones sonarán igual, como en un proceso de estandarización.
La masterización con IA, independientemente del algoritmo realiza la masterización a través de la comparación con otras canciones, por lo que es más bien una simulación con el fin de alcanzar las canciones de referencia utilizadas, y no hay mucha creatividad filtrada a través de los sentimientos de un ingeniero de masterización humano y su comprensión humana de hacia dónde se dirige la canción.
La masterización AI no realiza la comprobación de calidad, que es extremadamente importante. No sólo comprobar si hay clics o cualquier otro problema, sino también la traducción en distintos soportes: radio, radiocasetes, sistemas audiófilos, coches.
La masterización con IA cuando se utiliza para un álbum -ya sea en vinilo o CD- tiene grandes inconvenientes. Mientras se masteriza una canción de una determinada manera (como elegir un sonido típico de EDM, funk, rock), en un álbum un ingeniero de masterización se fija también en el entorno sonoro general, para que no haya diferencias relevantes al pasar de una canción a otra.
La IA no introduce información como PQ, ISRC, y no establece (léase edita) las pausas y cómo fluyen las canciones de una a otra.
La tecnología digital es estupenda; sin embargo, las típicas unidades de hardware de masterización analógicas (normalmente muy caras) tienen un sonido muy buscado; aunque la IA simula parte de su comportamiento, sigue habiendo una gran diferencia.
La masterización con IA se basa en análisis y algoritmos, pero falta un componente muy importante a la hora de tomar decisiones en la masterización: la sala de masterización y la monitorización.
La intuición humana está muy por delante de la IA cuando se trata de sentir y comprender una canción, y sobre todo cuando se trata de imaginar en qué dirección va la canción.

Así que, para una masterización rápida, y a efectos de comparación, la IA no es una mala idea. Especialmente para los principiantes, para algunas demostraciones, para aquellos cuyo objetivo marcado son las personas que escuchan en teléfonos y auriculares, donde la necesidad de mayor calidad es bastante pequeña.

Cada empresa de masterización de IA tiene un algoritmo diferente, investiga. Pero tómalo como lo que es; úsalo cuando lo necesites, pero no caigas en las trampas del marketing. Depende mucho de la finalidad de tus resultados y de lo que intentes conseguir con ella. Pero los hechos son bastante claros: todavía tengo que escuchar un álbum o una canción comercial famosa masterizada con IA. Dicen que obtienes lo que pagas, así de simple.
¿Qué es la remasterización?

El máster es, en esencia, la grabación final que se utiliza para hacer copias para los usuarios. Antes de la era digital, los másters (ya fueran de cristal, vinilo, cinta, etc.) sufrían el desgaste con el tiempo. En algunos casos, los másters originales pueden haber desaparecido, pero aún se pueden encontrar copias que se hicieron a partir de ellos. En el proceso de remasterización, la información se digitaliza y, mediante la combinación de técnicas digitales y analógicas, se mejora el máster para adaptarlo a la nueva generación de dispositivos de reproducción y se almacena en formato digital.

La fuente se somete a un par de pasos, como la eliminación de CC, chasquidos, arañazos, grietas y eliminación de ruido, correcciones del volumen de los canales, reparaciones y correcciones espectrales y edición dinámica. Se crea un nuevo máster, que se utilizará para posteriores duplicados para los usuarios finales. Como en cualquier proceso de masterización, la experiencia y las habilidades del ingeniero, el entorno de escucha y la calidad del equipo son esenciales.
¿Qué es un demo demonstración?

A menos que quieras hacerlo sólo por diversión o para la familia/amigos,

¡UNA DEMO ES UNA OPORTUNIDAD DE NEGOCIO!

Deja que lo asimiles y repítelo:

¡UNA DEMOSTRACIÓN ES UNA OPORTUNIDAD DE NEGOCIO!

Esta oportunidad no solo es tuya; también representa una posibilidad comercial para la otra parte, como personas de A&R, editores, agentes, managers, sellos discográficos, clubes y pubs. Reflexiona sobre cómo estas partes perciben la oportunidad de negocio al tratar contigo.

Por lo tanto, facilita la vida de quien recibe tu maqueta. La maqueta (ya sea en CD o en cualquier otro formato digital que se pueda enviar por Internet) es esencialmente una herramienta para abrir puertas en el mundo de los negocios, con el objetivo de generar ingresos, ¡porque vender música es un negocio!
¿Qué maqueta necesito cuando busco un contrato de grabación?

Tienes que tener tres cosas: debes tener una música realmente buena, debe parecer que vas a ganar dinero y debes tener un paquete de demostración profesional. Es tan sencillo como eso; sí, lo sé, no es tan sencillo.

Parte de este paquete es la maqueta, y es esta maqueta la que escucharán los chicos de A&R, y puede que sea la única vez que escuchen tu música. Es mejor que tengas grandes canciones originales y un sonido original. Las discográficas mostrarán interés por tu música en la medida en que puedan venderla o no. La maqueta debe tener tres canciones, ni más ni menos, ésta es la norma del sector, demuestra que conoces las normas y juegas según ellas.

La mejor canción debería ser la primera: tu maqueta se evalúa en los primeros 30 segundos, asegúrate de que lo especial de tu música se escucha desde el principio. Sé que una maqueta profesional no es barata, pero recuerda: obtienes lo que pagas.

Una maqueta no representa un gran gasto si logra que una discográfica te fiche. Aunque puede parecer tentador grabarla en casa con tu ordenador o con un equipo mínimo, esto resultará en una maqueta que no se comparará con las producciones profesionales. Si realmente te tomas en serio tu carrera como artista, debes asegurarte de hacer las cosas bien desde el principio.

La cruda realidad es que tu competencia son los artistas que ya están en la radio y tocan en grandes salas. Así que tienes que pensártelo dos veces si quieres enviar algo de menor calidad que pueda comprometer la posibilidad de conseguir que la gente preste atención cuando tú tienes algo grande que mostrar.

Una cosa más: lee libros sobre el negocio de la música, consulta Internet y averigua cómo quieres presentarte a los sellos discográficos: hay todo un paquete, la maqueta es una gran parte de él, pero hay otras partes importantes. Y no olvides volver de vez en cuando y leer nuestro blog, pues en él se debaten distintos aspectos del negocio de la música.
¿Qué maqueta necesito como compositor para mis canciones?

Las maquetas para compositores son un poco diferentes. Estas maquetas no necesitan estar sobreproducidas, ¡con orquesta completa! Una buena pista rítmica y una gran voz o, mejor aún, una simple base de guitarra/bajo/batería con voz podría ser todo lo que necesitas. Intenta que el género y el estilo del vocalista coincidan con el género y el estilo del artista al que quieres dirigirte. La voz principal es muy importante para los lanzamientos de canciones. Necesitas una gran interpretación, ¡no notas planas!

¡Vende la canción! Intenta que el "gancho" de la canción se oiga lo antes posible, olvídate de ese solo de guitarra o batería. Aunque estas maquetas no deben estar sobreproducidas, la corrección vocal (¡especialmente el tono!) es obligatoria.

Puedes grabar las pistas en casa -grabación DIY- e intentar grabar la voz y hacer las mezclas tú mismo. Una opción mejor es llevar las voces y la mezcla a un estudio de grabación, que tiene mejor equipo de grabación/monitores/ambiente acústico controlado/herramientas del oficio. Si eres compositor pero no tocas ningún instrumento o no eres un cantante decente, encarga a un estudio que te haga la maqueta de la canción; muchos estudios pueden ayudarte con ello.
¿Qué demo necesito para conseguir actuaciones en pubs y discotecas?

Necesitas un CD de demostración para los agentes de contratación y los responsables de clubes y pubs. Puede ser una buena idea grabar una actuación en directo y luego seleccionar los mejores momentos (fragmentos). El director de un club estará más interesado en lo bien que toca tu grupo en directo y en su capacidad para entretener.

Si cuentas con algunas maquetas de estudio, eso está bien, pero te recomendaría incluir al menos una canción grabada en vivo. También podrías considerar la opción de un video, pero un CD es la mejor elección, ya que la mayoría de los lugares cuentan con reproductores de CD. Puedes grabar el material en una toma directa desde la consola (un directo a dos pistas), o contratar a alguien para que lo haga de manera profesional, utilizando grabación multipista y luego realizar la mezcla en el estudio. Otra alternativa es ir al estudio, montar el equipo como si estuvieras tocando en vivo y pedir que te graben; después, puedes remezclarlo si lo deseas.

Si eres un cantante/compositor que quiere conseguir actuaciones en clubes/cafés/etc, puedes hacerlo grabar en directo o en un estudio o incluso en casa, pero si no suena bien, ¡consúltalo al menos con un estudio y mira qué se puede hacer para mejorarlo!
¿Qué maqueta necesito para una escuela de música o para un concurso de música clásica?

Parte de la inscripción en una escuela de música universitaria o en un concurso de música clásica consiste en enviar una maqueta. Puedes hacerlo en un estudio o contratar a alguien que haga grabaciones in situ, de modo que puedas grabar en un lugar que conozcas, en el que te sientas cómodo y te guste la acústica. Puede ser incluso tu casa. Si la maqueta es importante para ti, comprueba las credenciales del estudio y fíjate si tiene experiencia en música clásica.

La grabación y mezcla de música clásica difiere significativamente de la de la música moderna. En la música contemporánea, a menudo se prioriza el volumen y se utiliza una compresión intensa; en cambio, en la música clásica, la dinámica es fundamental para la expresión. Por ello, es esencial que el estudio cuente con experiencia específica en este tipo de música.
¿Necesito dominar mi demo?

¡No subestimes la fase de masterización! Imagina que alguien está escuchando tu maqueta y el volumen está bajo. ¿Crees que la gente de A&R subirá el volumen y trabajará con el ecualizador? ¡Lo mismo ocurre con cualquier maqueta cuyo objetivo sea llamar la atención de alguien! Puede que no quieras hacerla en un costoso estudio de masterización, y no pasa nada, ya que hay otras opciones, ¡pero asegúrate de que tu maqueta destaca sobre las demás!
¿Qué canciones debo utilizar para una maqueta- demo?

Las opciones sobre qué poner en una maqueta son bastante lógicas: si quieres una carrera de cantautor, debes grabar sólo originales. Si quieres exhibir tu voz, puedes utilizar versiones, pero sería una buena idea no utilizar los éxitos más conocidos, ¡a menos que realmente puedas aportarles algo excepcional! Si quieres trabajar en cabaret, teatros, circuito de pubs/clubes, la maqueta debe ser una recopilación de tu interpretación del tipo de canciones que vas a interpretar. Lo mejor sería una grabación en directo. En pocas palabras, el CD de demostración debe adaptarse al mercado en el que quieres entrar.

If you want to work in cabaret, theatres, pubs, club circuit the demo should be a compilation of your interpretation of the type of songs that you will be performing. A live recording here would be best.

In simple words, the demo CD should be tailored to the market that you want to tap in.