La magia del estudio de grabación
Esta mañana he llevado al aeropuerto de Barcelona a mi hijo, que había venido a visitarnos y regresaba a su casa de Toronto. Tuvimos un rato para charlar. Todo empezó con unos comentarios sobre la música que estábamos escuchando en el coche, era Pink Floyd. Su observación fue que se había trabajado mucho para conseguir ese sonido, y de ahí pasamos a diferentes argumentos sobre cómo se graba la música.
Le gusta la música, es muy abierto de mente, toca algunos instrumentos; su colección de vinilos es bastante grande y puedes encontrar de todo, desde jazz de los años 40 y 50 hasta Kendrick Lamar y Jacob Collier. Así que tiene idea de lo que habla. También mencionó que hoy en día hay mucha música y que es muy fácil acceder a ella. También señaló cómo ha cambiado el sonido en general a lo largo de los años, y no debido a los cambios tecnológicos. También observó una especie de sonidos específicos y un cambio constante en el color del sonido a lo largo del tiempo. Tiene razón, y hemos hablado más de esto.
En el camino de vuelta, después de dejarle en el aeropuerto, me preguntaba si había una conclusión a lo que habíamos hablado. La respuesta es afirmativa.
De alguna manera, el punto de partida era que hoy en día hay mucha música y es fácilmente accesible; sin embargo, mucha de ella no es realmente relevante y lleva tiempo encontrar música relevante. De hecho, la tecnología ha traído consigo una democratización de la producción musical, y mucha más gente puede grabar y producir su propia música y subirla a diferentes plataformas.
Pero esto viene acompañado de una paradoja: parece que se han eliminado algunos filtros entre la producción musical y el oyente. En los años 50 y 60, el modelo de negocio de la música se basaba en el control creativo de las discográficas, que fichaban a músicos e invertían en ellos. En aquella época, muchos sellos discográficos tenían sus propios estudios o trabajaban con grandes estudios de grabación. Las discográficas contaban con su propio personal de A&R para fichar talentos con actos musicales originales. En aquella época, el dinero se ganaba vendiendo discos. Una vez que una discográfica fichaba a un artista, le asignaba un presupuesto y los artistas iban a un estudio profesional con gente profesional y grababan su música.
En aquella época, un estudio era una inversión importante, no todo el mundo podía permitirse ir a grabar. Las discográficas, a través de su proceso de selección, se aseguraban de promocionar a gente con talento y originalidad. Por mucho que presionaran a los artistas, el espacio y la acústica del estudio, los productores y los ingenieros contribuían enormemente a la música. No creo que sea exagerado decir que se puede reconocer el sonido Blue Note (¿cuántos de ustedes conocen a Rudy van Gelder?), o el sonido Abbey Road, o el sonido Capitol Tower.
Era una época en la que un estudio era realmente un instrumento y un lugar mágico. Uno de los primeros lugares verdaderamente mágicos fue Sun Studios en los años 50, creado por Sam Philips. Su idea era grabar a la gente y vender las cintas. Tardó poco más de un año en tener éxito, ya que encontró talentos para grabar en su estudio (que en realidad era un antiguo garaje de 7 por 12 metros, y una pequeña sala de control), talentos como Howlin'Wolf, BB King. Pronto se convirtió en uno de los principales lugares de nacimiento del rock and roll, y Sam descubrió y lanzó las carreras de Elvis Presley, Roy Orbison, Johnny Cash y Carl Perkins. Sam tenía un gran oído y perfeccionó el eco slapback y el retardo de cinta.
El edificio Capitol Tower fue realizado por Capitol Records, utilizando el diseño del ingeniero acústico Louis Nadorf. Aquí Michael Rettinger desarrolló importantes técnicas de estudio, y los resultados pueden escucharse en discos de Frank Sinatra, Peggy Lee, Nat "King" Cole, The Beach Boys. Las "cámaras de eco" de Capitol son famosas y constituyen el ingrediente principal en la creación del sonido de los Beach Boys: el clásico "Good Vibrations".
A finales de los años 50, Rudy Van Gelder abrió su estudio en Englewood Cliffs, Nueva Jersey. Su sala de grabación tenía un techo de 13 metros de altura, y solía decir: "Yo construí el estudio, yo creé el entorno, yo seleccioné, instalé y operé el equipo". Una analogía podría ser: alguien quería enviar un hombre a la luna, pero fue el ingeniero quien lo llevó hasta allí. Mi objetivo es hacer que los músicos suenen como quieren ser oídos". El sonido Blue Notes puede escucharse en grabaciones de Art Blackey, Joe Henderson, Miles Davis y Cannonnball Adderley. Al mismo tiempo, RCA abrió en Nashville y se hizo conocida por producir el icónico sonido tipo Nashville.
Los sonidos producidos por estos estudios son legendarios; sin embargo, en la década de 1960, los nuevos estudios se convirtieron en cierto modo en el centro de atracción artística. A medida que la tecnología evolucionaba y la grabación en 8 pistas se generalizaba en los 60, la importancia de los productores musicales crecía. Las normas de estos estudios eran más relajadas y las herramientas de que disponían permitían una mayor experimentación. Aquí mencionaría algunos estudios del Reino Unido, principalmente Trident, con sede en el Soho londinense -donde Queen grabó sus cuatro primeros álbumes-, David Bowiem T-Rex, Lou Reed y muchos otros. Otros fueron el Olympic Studio de Barnes (Rolling Stones, Jimmy Hendrix), Britannia Road de Islington (Pink Floyd, Joy Division) y, por supuesto, Abbey Road.
Abbey Road -el antiguo estudio de EMI- es quizá el más conocido, gracias a su enfoque innovador y a la larga lista de grupos y artistas que han grabado allí: Beatles, Pink Floyd, Duran Duran, Lady Gaga, Radiohead, Ed Sheeran. El estudio tiene su propio encanto y carácter, una acústica fantástica y, quizá lo más importante, ha cambiado por completo el concepto de que el estudio es un lugar donde se puede captar una actuación de forma natural y precisa, y se ha convertido en una herramienta que permite y fomenta el esfuerzo creativo.
Hay muchos otros estudios dignos de mención: Hitswille USA- Motown, Hansa Tonstudio en Berlín, Air Studio en Londres, Chess Records. Todos ellos fueron, en gran medida, una auténtica herramienta creativa. Era un lugar donde la gente era extremadamente competente, con una acústica fantástica y grandes instrumentos, verdaderos centros musicales. Es importante darse cuenta de que antes de que el artista entrara en los estudios, existía ese filtro impuesto por las discográficas. Elegían a los artistas, y lo hacían bien. Una vez en el estudio, los artistas tenían tiempo para experimentar, contaban con ayuda y trabajaban con buena gente (ingenieros, productores) y los resultados eran fantásticos. Se decía que una discográfica ganaba dinero si uno de cada nueve actos tenía ventas importantes. Es decir, una proporción de 1 a 9. Hoy, en la era digital, la proporción es de 1 entre cien mil o peor. Eso debe dar que pensar a los artistas.
La era digital lo ha cambiado casi todo: con la enorme potencia de un ordenador, el coste de producir música ha bajado drásticamente, lo que permite a casi cualquiera grabar una canción. Pero lo más importante es que la era digital ha cambiado el modelo de negocio de la música. Los grandes presupuestos de las discográficas ya no existen. Esto ha obligado a cerrar muchos estudios de grabación. Además, la mayoría de los mejores profesionales abrieron sus propios estudios, al bajar los requisitos de inversión, y se independizaron. Los costes de producción musical han bajado drásticamente, pero también lo han hecho los ingresos de los álbumes musicales. Cada vez más discográficas trabajan con estudios profesionales medianos y pequeños. Hoy en día, las grandes discográficas sólo firman contratos 360, lo que significa que se llevan una parte de todo y sólo fichan a artistas que puedan promocionar con espectáculos en directo.
Esto no es necesariamente malo, dado que muchos espectáculos en directo los hacen los artistas a nivel local y pueden autogestionarse bien.
Volviendo a la idea del estudio, ¿se ha perdido todo de la época dorada del estudio? No, la verdad es que no. De hecho, hay menos estudios como Abbey Road y Capitol, con su fantástica acústica; pero cada vez hay más estudios medianos y pequeños donde puedes producir tu música muy bien. Por supuesto, se necesita buen equipo, buena acústica, instrumentos de primera, buen ambiente e ingenieros/productores experimentados, pero para un artista independiente esto es algo bueno, al ser más accesible en la era digital. Alanis Morissette y Greg Ballard con "Jagged little pill" fueron los que abrieron este camino y demostraron que se puede hacer.
El concepto de estudio como lugar para crear no ha muerto; de hecho, con los avances tecnológicos, hay muchas más posibilidades. Y yo diría que lo más importante, al producir música en un estudio en condiciones, es el momento en el que tienes la oportunidad de poner algunos filtros tú mismo, de explorar mejor tus ideas basándote en la experiencia del estudio, sobre todo si trabajas en un lugar mágico con gente profesional. Es mucho mejor que producir tu música tú mismo, eso si te tomas en serio tu música y crees en ti mismo. Depende totalmente del artista reconocer y encontrar la magia a la hora de elegir un estudio.
Escrito por Florin Buciu, ingeniero de sonido y productor en Fandango Recording, en Calonge, España. Desde 1997, Florin ha ayudado a artistas a dar vida a historias emotivas a través de la grabación, la mezcla, la masterización y la producción.Tags: Estudio de grabación, Estudio de mezcla, Estudio de masterización, Estudio de producción muzical, Estudio de grabación de primer nivel, Estudio de grabación de nivel medio, Estudios en casa
