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Fandango FAQ

FAQ - questions fréquemment posées

Dans ces pages, vous trouverez de nombreuses informations utiles, par exemple comment choisir un studio d'enregistrement, des informations détaillées sur l'enregistrement et le bricolage, le mixage, le mastering, tout ce qui concerne les démos, des conseils et des liens. Nous avons beaucoup de réponses à vous donner, et nous sommes sûrs que vous voudrez les connaître... Ce que nous pouvons dire, c'est que plus vous en saurez, plus vos sessions seront faciles et productives. Je vous recommande donc de lire la FAQ.... et de nous contacter si vous avez besoin de plus de détails ou si vous avez des questions auxquelles vous n'avez pas trouvé de réponses.
  • Comment se préparer à une session d'enregistrement…
    Voici quelques conseils qui peuvent vous aider à obtenir un bon dossier…

    Le programme de la session...

    Si vous planifiez judicieusement, vous n'avez pas besoin de faire plusieurs installations; cela permet de gagner du temps et facilite le réenregistrement des pistes au cas où vous découvririez le lendemain que quelque chose n'a pas fonctionné. Il est toujours préférable de laisser son matériel pour la nuit dans le studio et de continuer le lendemain, reposé, plutôt que de faire de très longues heures d'enregistrement où tout le monde est fatigué.

    Parlez à l'ingénieur du son et programmez les sessions d'enregistrement sur des jours consécutifs afin de minimiser le temps de préparation. Envisagez d'enregistrer d'abord la batterie et la basse pour toutes les chansons, puis seulement ensuite les enregistrements qui se chevauchent; l'installation de la batterie est généralement laborieuse.

    Soyez reposé et arrivez à l'heure; n'amenez pas d'amis, c'est un travail difficile et ils vous distrairont d'une manière ou d'une autre. Passez une bonne nuit de sommeil avant l'enregistrement. Les chanteurs doivent se lever suffisamment tôt pour que leur voix soit "en forme" au moment où l'enregistrement commence.

    Lorsque vous planifiez des sessions, arrangez-vous avec le studio pour que la veille de l'enregistrement, vous puissiez installer la batterie et que l'ingénieur puisse installer les microphones. Veillez à accorder la batterie avant que l'ingénieur n'installe les microphones. Vous pouvez effectuer une vérification préliminaire du son et laisser la batterie toute la nuit dans le studio.

    L'atmosphère du studio est différente et cela affectera l'accordage de la batterie; la première chose à faire le lendemain est de vérifier à nouveau la batterie. C'est à ce moment-là que le réglage final et l'ajustement du placement des micros ont lieu. Si vous effectuez toute l'installation le premier jour de l'enregistrement, vous serez probablement fatigué et peut-être frustré, car le son changera beaucoup pendant la session d'enregistrement; la seule solution intelligente est d'éviter d'installer la batterie le jour de l'enregistrement. Vérifiez deux fois qu'il n'y a pas de grincements, de craquements ou de bruits, afin d'avoir le temps d'effectuer des réparations.

    Répétez, répétez, répétez...

    Assurez-vous que vous et votre groupe d’avoir beaucoup répété! Je ne saurais trop insister sur l'importance des répétitions! La qualité du son provient principalement des doigts du musicien, et chacun doit se sentir confiant et à l'aise lorsqu'il joue. Le studio n'est pas vraiment une scène, alors essayez de bouger le moins possible pendant les dernières répétitions avant l'enregistrement.

    Enregistrez-vous pendant les répétitions, même avec un simple magnétophone. L'écoute du matériel enregistré permet de vérifier la réalité de la performance et du son. C'est une bonne idée de montrer ces enregistrements à l'ingénieur du son. Ces enregistrements vous aideront à identifier les problèmes de rythme, de hauteur et même d'arrangement.

    Finaliser tous les arrangements des chansons avant d'entrer en studio. Il est inutile de se disputer sur un pont ou un solo en studio. Préparez des arrangements écrits pour chaque musicien.
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    Stratégie d'enregistrement...

    Envisagez d'installer des pistes de batterie pour toutes les chansons que vous souhaitez enregistrer au cours des premières sessions, car l'installation de pistes de batterie demande beaucoup de travail et peut prendre beaucoup de temps. Lors de la session suivante, le groupe peut passer à des enregistrements qui se chevauchent et gagner du temps. Faites un plan écrit de ce que vous avez l'intention d'enregistrer et de la manière dont vous allez le faire, de ce qui doit être enregistré en premier, car cela vous aidera également pour la suite. Discutez avec l'ingénieur du son pour planifier efficacement.

    La préparation de la session prend toujours du temps. Soyez patient, l'enregistrement prend plus de temps que la simple lecture de la chanson. Le positionnement du microphone et les réglages de niveau sont cruciaux pour la qualité de l'enregistrement. Essayez de vous aider en préparant le matériel adéquat.

    Une fois l'instrument installé, essayez de ne pas déplacer les microphones. Ils sont généralement assez forts, ce n'est pas le problème; le problème est que leur position affecte la tonalité du son. S'ils sont déplacés par erreur, prévenez immédiatement l'ingénieur du son pour qu'il les repositionne.

    Assurez-vous d'avoir réglé tous les tempos de vos chansons (connaissez le BPM, c'est utile de le connaître lorsque vous n'utilisez pas de piste cliquable) et c'est certainement une bonne idée de vous habituer à jouer sur une piste cliquable pendant les répétitions. Si vous n'avez jamais utilisé la piste cliquable, n'essayez pas en plein milieu de la session d'enregistrement, cela ne fonctionnera pas.

    Si vous jouez à la fois du chant et d'un instrument, essayez de vous habituer à ne faire que l'instrument, puis à ne faire que jouer; il sera plus facile d'obtenir un meilleur son en enregistrant l'instrument et le chant séparément, il vaut mieux se concentrer sur une seule chose à la fois; cependant, je dois le dire, les aspects techniques sont moins importants que l'obtention d'une bonne performance. Expérimentez!

    L'enregistrement est un travail difficile, il est inutile de se demander s'il devrait y avoir un solo sur un ou deux couplets; le temps passé en studio coûte cher, mais pas le temps passé en répétition, et il y aura de toute façon suffisamment de pression, alors pensez à tous les arrangements et amusez-vous avec les chansons. N'oubliez pas le vieil adage; moins, c'est mieux.

    Les meilleurs ingénieurs du son, estiment qu'en matière de qualité sonore, la capacité de l'interprète, du groupe ou de l'artiste à maîtriser ses instruments représente 60 à 70 % de la qualité de l'enregistrement, le reste étant constitué par la salle (espace d'enregistrement), le placement des microphones et le type de microphones et de préamplificateurs!

    Soyez prudent lorsque vous enregistrez avec des effets; il peut être préférable d'enregistrer proprement. Une fois les effets imprimés, il n'est pas possible de les supprimer. Si c'est le cas, notez sur un morceau de papier les délais que vous utilisez, leur vitesse de rotation, le pré-délai des réverbérations, et donnez-les à l'ingénieur. Si vous voulez une guitare ou une basse distordue, cela ne devrait pas poser de problème. Mais le délai ou la réverbération peuvent créer un chaos dans le mixage. Laissez l'ajout de réverbérations/chorus/délais à l'étape du mixage, à moins qu'ils ne fassent partie de votre son. Dans ce cas, utilisez un DI et divisez le signal, l'un choralement, directement, et l'autre à travers l'ampli normal. C'est une solution qui a sauvé tant d'enregistrements! Dans le jazz, les choses sont un peu différentes. En général, les musiciens de jazz savent exactement ce qu'ils veulent et ont une meilleure compréhension du son. Dans le rock et la pop, où il y a des chevauchements et où une chanson peut se retrouver avec plusieurs pistes, il est préférable de laisser les options ouvertes afin d'avoir plus de possibilités pour créer l'espace.

    Portez des vêtements confortables et silencieux; les microphones sont très sensibles, évitez donc les bruits parasites. Laissez vos bijoux de côté, vous n'en avez pas besoin et ils font du bruit. Si vous savez que vous allez essayer d'utiliser une guitare ou une basse dont dispose le studio, veillez à porter un pantalon confortable sans ceinture; aucun ingénieur du son ne vous autorisera à jouer d'un instrument de studio s'il sait que vous risquez de l'égratigner. Si vous êtes guitariste et que vous prévoyez d'utiliser une guitare classique dont dispose le studio, et si la guitare est recouverte de vernis français (extrêmement fin), veillez à porter des manches longues, car la finition du vernis français est affectée par la sueur de la peau.

    N'hésitez pas à demander l'avis de l'ingénieur en cas de problème. La plupart des ingénieurs sont/ont été musiciens, ont beaucoup d'expérience et vous aideront immédiatement.

    Éteignez vos téléphones lorsque vous arrivez au studio; demandez quelle est la politique en matière de nourriture et de boissons - celles-ci sont très probablement interdites dans la salle de contrôle. Soyez bien nourri, vous avez besoin d'énergie. Essayez de limiter les bavardages et évitez de discuter ou de faire des commentaires, en particulier pendant l'enregistrement des voix. Donnez de l'espace au chanteur, la voix est la partie la plus importante de la chanson!

    Vérifiez et écoutez!

    Écoutez toujours attentivement ce que vous avez enregistré! L'ingénieur peut ne pas être en mesure de dire que quelque chose ne va pas dans la performance; et parfois, vous pouvez signaler des problèmes de son! Ne pas écouter le matériel enregistré est une grave erreur d'amateur! Écoutez à faible volume et demandez aux ingénieurs de reproduire les pistes sans réverbération ni aucun autre effet. Le son est-il bon? Si c'est le cas, tout va bien. Si ce n'est pas le cas, décidez si vous devez refaire certains instruments.

    Ne prenez pas de décisions hâtives! Réfléchissez plutôt à deux fois, essayez d'être aussi objectif que possible.

    Rappelez-vous toujours que si vous voulez obtenir un son très personnel, vous avez besoin de temps pour expérimenter; sans expérimentation, il n'y aurait pas de "Sgt. Pepper's..." - Beatles, ni de "Time" - Pink Floyd, ni de batterie de Phil Collins.

    Écrivez le titre de chaque chanson; fournissez autant de détails que possible, y compris la tonalité des chansons (ou la tonalité de chaque partie de la chanson), les diagrammes d'accords, l'ordre général de l'arrangement, les paroles. Ceci est utile au stade de l'édition - pour la correction de la voix et pour les instruments tels que la basse acoustique, les instruments à cordes.

    Apportez un disque dur et demandez à l'ingénieur de copier le matériel enregistré sur celui-ci. Il est préférable d'utiliser un disque neuf, car l'ingénieur du son voudra soit utiliser un disque neuf, soit formater un disque ancien. La raison en est simple; les stations de travail utilisées dans les studios, bien qu'extrêmement puissantes et complexes, ne sont pas équipées de programmes antivirus, car ceux-ci créent des problèmes majeurs avec les séquences audio DAW. Ne vous inquiétez donc pas si l'ingénieur n'utilise pas un vieux disque dur à moins que vous ne le formatiez. Redémarrer une station de travail à partir de zéro et la tester peut prendre de nombreuses semaines, c'est pourquoi personne ne prend ce risque.

    Enfin...

    Apportez un carnet et un stylo et notez les choses dont vous devrez vous souvenir à l'avenir. Ayez vos mots de passe Facebook/Instagram et autres avec vous, au cas où vous voudriez poster des bribes de ce que vous avez enregistré; vous pouvez demander au studio de le faire tout de suite. Ayez un appareil photo, prenez des photos, publiez-les... Cela permet d'entretenir l'enthousiasme des fans.
  • Préparations spécifiques pour l'enregistrement: la batterie.
    La clé d'un groove accrocheur dans une chanson est une batterie qui sonne bien et le batteur lui-même. Rappelez-vous que dans certaines chansons de Led Zeppelin, John Bonham a été enregistré avec trois microphones. Et quel son! Quelle que soit la qualité de votre équipement de studio, si le son de la batterie est mauvais, il n'y a pas grand-chose à faire pour l'améliorer.

    Assurez-vous d'avoir un nouveau jeu de peaux de tambour, en haut et en bas. Réglez-les la veille de la session d'enregistrement; une fois dans le studio, le son sera probablement différent, mais il vous faudra moins de temps pour les ajuster. La vérité, c'est que beaucoup de batteurs ne savent pas comment accorder leur batterie correctement! Accordez et écoutez attentivement, c'est ainsi que vous y parviendrez! Faites attention à l'emplacement des peaux de tambour! Le type de musique influe également sur l'accordage; pour le jazz, les grosses caisses sont plus susceptibles d'être accordées en position haute, pas en position basse ou juste un peu. Pour le hip-hop, un accordage bas est recommandé afin d'obtenir le boom! Consultez le net où vous trouverez de nombreux conseils sur l'accordage de la batterie. Vérifiez qu'il n'y a pas de grincements ou de cliquetis et rectifiez tout bruit indésirable. L'ingénieur vous aidera à contrôler le son avec des coussinets de gel et des anneaux, si nécessaire, jusqu'à ce que vous obteniez le son désiré. Si vous aimez frapper fort, pensez à répéter avant d'entrer en studio et essayez de les frapper légèrement; cela aide beaucoup à obtenir un bon son d'ensemble à travers les micros plafonniers. La régularité dans la frappe de la batterie et l'endroit où vous la frappez aident beaucoup à obtenir un bon son. N'oubliez pas d'apporter des baguettes de rechange.

    Par expérience, je sais que le batteur est souvent un excellent musicien, mais qu'il ne sonne pas bien, et cela se produit lorsqu'il écoute généralement le jeu de quelqu'un d'autre et n'écoute pas son rythme intérieur. Si le batteur pousse et tire un peu, ce n'est pas nécessairement grave tant que le rythme naturel est là. Je recommande au moins de répéter avec un click track et de ne l'utiliser pendant l'enregistrement que si vous vous sentez à l'aise avec.
    Drum setup before session
  • Préparations spécifiques pour l'enregistrement: guitare basse
    Tant de guitares basses bourdonnent et ont des bruits de fond!!! Essayez de résoudre ce problème avant d'entrer en studio, sinon cela peut prendre beaucoup de temps et le temps coûte de l'argent. Vérifiez l'action et réduisez le bourdonnement des frettes. Le bourdonnement est un problème majeur; une fois qu'il est enregistré, il n'y a pas grand-chose que vous puissiez faire. Vérifiez vos potentiomètres et votre électronique et, si vous utilisez des effets, assurez-vous de connaître les préréglages.

    La façon la plus courante d'enregistrer une basse est d'utiliser des boîtes de direct dédiées à la basse - Avalon, Alpha DI JT Amplification et Aguilar DI. DI sont parmi les meilleures, mais il y en a d'autres qui sont moins chères mais qui ont un son décent. Il n'est pas rare de ré-amplifier un son de basse lors du mixage, c'est pourquoi vous devez avoir un son sans ronflement ni bourdonnement.

    La basse et la batterie doivent être ensemble, car elles sont à la base des mélodies; la basse joue un rôle majeur à la fois dans le rythme et en tant que soutien principal du chant/de la mélodie. Il est conseillé au batteur et au bassiste de s'entraîner avec un métronome. En fait, tous les musiciens de classe ont une chose en commun; le sens du rythme. Le timing est une responsabilité partagée entre le batteur et le bassiste.
    Fender Jazz Bass
  • Préparations spécifiques pour l'enregistrement: Guitares
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    Mettez des cordes neuves et rodez-les; ayez toujours un jeu de rechange - comme astuce, ayez quelques allumettes en pin et nettoyez les cordes avec elles; une autre solution consiste à acheter une brosse Fast Fret et à l'utiliser après avoir joué, puis à essuyer les cordes et le manche avec un chiffon 100 % coton ou en microfibres. Utilisez des désinfectants pour les mains, ils gardent vos paumes et vos doigts secs. Vérifiez tous les potentiomètres et l'électronique. Connaissez bien les réglages de votre amplificateur.

    Si l'ampli a besoin d'avoir le volume à 10 pour le son que vous voulez, envisagez une plaque d'atténuation THD ou un Marshall Power Breaker (ils vous permettent de réduire le volume pendant que les tubes de sortie fonctionnent à plein courant). Je recommande fortement l'utilisation de ces dispositifs, ils vous permettent également d'avoir un très bon son en faisant fonctionner l'ampli à des niveaux plus bas, ce qui peut être un énorme avantage lors des concerts. Je peux vous dire que les ingénieurs des concerts ou des clubs seront ravis et vous aideront à obtenir un excellent son.

    Le grand secret est le suivant; un petit amplificateur - comme un amplificateur de 5 à 7 watts - donnera un son énorme dans une petite pièce. Il est intéressant de noter qu'un mur de Marshalls à plein volume sonne mal dans un petit espace; en revanche, un petit ampli à plein volume dans un petit espace sonne comme un mur de Marshalls. De nombreux enregistrements d'Eric Clapton ont été réalisés avec un ampli Fender de 5 watts dans de petites cabines d'enregistrement et le son est excellent.

    Si vous êtes perfectionniste, essayez d'enregistrer une ligne de guitare plusieurs fois, en utilisant différents amplis et baffles, puis comparez-les. Écoutez sur des moniteurs de studio et, en règle générale, n'utilisez pas beaucoup de distorsion. Si vous en mettez trop, le son sera faible et mauvais. N'en faites pas trop et n'utilisez pas tout ce qu'il y a dans le studio juste parce que vous le pouvez, mais seulement ce qui a du sens.

    Préparez le son à l'avance, stockez des préréglages dans vos effets, mais regardez aussi ce que le studio a à offrir, vous pourriez trouver de meilleures alternatives. Utilisez de bons câbles et vérifiez que vos boîtes d'effets ne sont pas bruyantes; vérifiez l'action et ajustez-la pour éviter le bourdonnement des frettes. Installez toujours les nouvelles batteries dans des pédales d'effets avant la session, ou dans des préamplis de guitare s'ils ont du matériel actif ou des préamplis piézo pour les guitares acoustiques (les guitares acoustiques sonnent mieux lorsqu'elles sont amplifiées, mais leur enregistrement piézo/sensoriel ne fait pas de mal).

    Vérifiez l'accordage, si possible, après chaque prise. La guitare peut se désaccorder après une prise. N'oubliez pas non plus de vous détendre; un serrage excessif peut entraîner des différences de hauteur dans certains accords.
  • Préparations spécifiques pour l'enregistrement: claviers et synthétiseurs
    Enregistrez tous les réglages afin de pouvoir les rappeler facilement. En règle générale, veillez à emporter tous les accessoires, y compris les manuels. Parfois, si vous devez désactiver un effet (comme la réverbération), car cela peut poser des problèmes lors du mixage, c'est là que le manuel est très utile.

    En ce qui concerne le son, rien n'est figé; même si vous devez avoir vos sons prêts, l'expérimentation peut conduire à un son très particulier et très beau. Faire passer le clavier par un amplificateur différent peut donner quelque chose qui convient très bien à la chanson, et il ne faut pas laisser passer l'occasion.

    Ne vous précipitez pas lors de l'enregistrement; mieux vaut tard que tôt, le tard donne le groove, le tôt sonne hors du temps.

    Pour certaines chansons, la préproduction est obligatoire. Quel que soit le logiciel d'enregistrement que vous utilisez pendant la préproduction, les fichiers peuvent être téléchargés sur votre ordinateur et vous pouvez alors utiliser vos propres modules sonores ou ceux du studio. C'est une bonne idée d'avoir les fichiers midi avec vous et d'essayer certains des modules sonores proposés par le studio, surtout si vos propres modules sonores ne sont pas les meilleurs. Si le studio dispose d'unités telles que Moog, Prophet, Korg, Oberheim, ARP, Waldorf, Access, Nord Lead, Kurzveil, Yamaha, cela peut valoir la peine d'expérimenter.

    Ajoutez de vrais instruments à un morceau créé à l'aide d'un séquenceur - percussions, quintettes, toms, basse ou guitare. La meilleure solution consiste à faire appel à un musicien de studio pour enregistrer ces pistes. C'est très utile pour obtenir une piste qui ne sonne pas comme si elle avait été créée sur des ordinateurs ou des machines à rythmes.
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  • Préparations spécifiques pour l'enregistrement: voix
    N'écoutez pas fort lorsque vous jouez, car cela peut affecter la hauteur des notes. Écoutez toujours vos enregistrements pour vérifier si vous avez joué dans la gamme ou non. Demandez à l'ingénieur de vous donner un peu de réverbération dans votre casque si cela vous met à l'aise, mais n'en faites pas trop car cela peut affecter la hauteur des notes et l'intonation.

    Faites des pauses pendant l'enregistrement. Il n'est pas facile d'enregistrer 6 chansons et 8 prises pour chacune d'entre elles. Vous devez y penser lorsque vous planifiez l'enregistrement.

    Commencez chaque prise du mieux possible, mais si quelque chose ne va pas, ralentissez et détendez-vous; sinon, vous manquerez d'énergie. Même si vous devez composer à partir de différentes prises, il est préférable de le faire à partir d'un plus petit nombre de prises, alors allez-y doucement.

    Enfin, je vous suggère d'apporter votre caméra vidéo ou votre téléphone et de les utiliser. Vous serez ravi de voir le film plus tard, et ce sera la preuve de votre dur labeur. Prenez des photos; vous pouvez les publier sur vos pages Instagram, X, Facebook ou MySpace et tenir vos fans informés et enthousiastes de l'avancement de votre travail. Qui sait, dans 20 ans, vos films et vos photos feront peut-être partie de l'histoire de la musique.
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  • Inscription bricolage
    Il n'y a rien de mal à cela, et la bonne nouvelle, c'est que vous pouvez le faire. Avec la technologie d'aujourd'hui, ce n'est pas si compliqué; cependant, ne vous attendez pas à obtenir les mêmes résultats que dans un vrai studio d'enregistrement. Il faut beaucoup d'expérience, un espace acoustique adéquat et un bon équipement pour obtenir des résultats professionnels. Vous pouvez obtenir des résultats convenables avec un petit effort financier et beaucoup de dévouement et de passion, et cela peut vous aider à réduire le coût de l'enregistrement dans un vrai studio.
  • Conseils practiques sur l'enregistrement…
    L'enregistrement à domicile est une réalité...

    L'enregistrement à domicile est une réalité, et de plus en plus de gens s'y mettent! Il est étonnant de constater à quel point la technologie touche nos vies, pose des défis et fait de ce qui était impossible il y a seulement une ou deux décennies une réalité! De plus en plus de musiciens commencent à s'enregistrer eux-mêmes, attirés par des campagnes de marketing telles que "Studio in a box! et le faible coût de la technologie. Certains achètent une station de travail multipiste comme Korg, Boss ou Roland, achètent un microphone, lisent les manuels, enregistrent et mixent (ces boîtes sont incroyables, n'est-ce pas? Des tonnes de pistes virtuelles, tous les effets et les égaliseurs) et sont ensuite surpris de découvrir que leur produit est loin d'être commercialement acceptable! Cela vous rappelle quelque chose?

    Il est logique d'essayer d'économiser de l'argent, et tout le monde le fait, mais il faut le faire intelligemment. Je propose ces conseils parce que j'ai eu de nombreux clients qui s'enregistraient eux-mêmes et venaient ensuite me demander de faire le mixage pour eux. Beaucoup d'entre eux pensaient que l'on pouvait résoudre tous les problèmes lors du mixage, mais ce n'est tout simplement pas vrai. Le faire soi-même est une option viable, à condition de le faire correctement et d'être prêt à en apprendre un peu plus sur l'enregistrement. Il y a aussi des limites au processus - vous pouvez obtenir un produit décent que vous pouvez vendre lors de concerts ou présenter sur Internet, mais il ne peut pas rivaliser avec un grand album commercial.

    Ce qu'il faut savoir...

    Dès le départ, chacun doit comprendre que le mastering et le mixage requièrent des connaissances et une expérience totalement différentes. Il faut de l'expérience, un point c'est tout! Le mixage est un processus très complexe et il est impossible de le faire correctement avec une boîte à 1000 € et un casque bon marché. Un plugin d'égaliseur haut de gamme peut coûter à lui seul plus de 600 € et un égaliseur analogique de haute qualité environ 4000-7000 €, vous comprenez donc pourquoi ces boîtiers numériques sont limités. La salle de mixage est beaucoup plus importante qu'il n'y paraît, et cela commence par de bons moniteurs et un espace acoustiquement contrôlé, comme nous l'avons déjà mentionné. Si vous décidez de suivre cette voie, je vous conseille d'enregistrer, de mixer et de masteriser dans un studio digne de ce nom.

    Première règle; enregistrer en 24 bits, un point c'est tout! Procurez-vous un multipiste qui enregistre en 24 bits (vous pouvez en acheter ou en louer un). Une autre solution, bien que plus onéreuse, consiste à utiliser un ordinateur et à acheter une bonne interface audio ainsi qu'un séquenceur. Cette voie peut être très gratifiante, car vous pouvez utiliser des échantillons et des instruments virtuels, et parvenir à des arrangements assez complexes par vous-même.

    Une bonne solution relativement complète est un MacBook Pro équipé de Logic et d'une interface Apogee Duet (ou Apollo UAD). Logic est un bon DAW et est livré avec une bonne bibliothèque et des outils virtuels. Utilisez une bonne paire d'écouteurs lors de l'enregistrement. L'un des principaux avantages est que les Mac sont plus faciles à utiliser que les ordinateurs fonctionnant sous Windows et, à moins d'être un génie de l'informatique, vous saurez travailler avec un MAC en un rien de temps. Pour un simple enregistrement de haute qualité, c'est une solution très élégante.

    N'achetez pas un microphone bon marché, mais louez-en un ou une paire calibrée de qualité. Optez pour un bon micro à condensateur, tel que l'AKG 414, qui possède trois directivités et constitue un excellent micro polyvalent (pour les voix, les guitares acoustiques, etc.), et un micro dynamique tel que le Senheiser MD 421 pour les amplis de guitare/percussion ou un SM57. L'AKG 414 est un micro de studio standard, vous ne pouvez pas vous tromper. Louez également un ou deux préamplis micro (Neve, Chandler, Focusrite Red, Focusrite Red, Avalon, API) ou une bande de canaux - essayez un Pendulum Quartet, un Shelford, un Focusrite Red, un Millenia STT1 ou un Avalon.

    Faites passer le tout dans les préamplis et assurez-vous de ne pas atteindre l'écrêtage - c'est-à-dire de ne pas dépasser zéro dB. Encore une fois, évitez l'écrêtage! Gardez les crêtes à un maximum de -6dB! Lors de l'enregistrement en 24 bits, il est préférable d'enregistrer à un niveau inférieur plutôt que de risquer de s'approcher de zéro et d'avoir des problèmes.

    ÉCOUTEZ TOUJOURS APRÈS L'ENREGISTREMENT!!!
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    Faites des recherches (l'internet suffit à ce stade - YouTube est votre ami) sur les techniques d'enregistrement, le fonctionnement des microphones et la manière de les utiliser, leurs trajectoires et la manière de les positionner lors de l'enregistrement. Essayez et expérimentez d'abord, ne vous contentez pas du premier enregistrement. Jouez la même chose, utilisez différents scénarios de positionnement et comparez. Vous entendrez les différences!

    De nombreuses personnes utilisent des boîtes à rythmes; synchronisez-les avec votre DAW et passez les batteries séparément (kick, premier, toms) une par une dans les préamplis et enregistrez-les sur des pistes mono séparées. Si vous emmenez votre projet dans un studio pour le mixer, c'est une bonne idée d'avoir les batteries sur des pistes séparées (kick, premier) et éventuellement les overheads peuvent être sur une piste stéréo. Si vous créez les pistes de batterie avec des échantillons, utilisez Addictive Drums, Superior Drummer, BFD ou le programme de batterie du séquenceur que vous utilisez, exportez-les également séparément - en tant que pistes mono. Ces logiciels disposent généralement d'un égaliseur, d'une compression et d'une réverbération, mais je vous conseille d'exporter les pistes sans utiliser l'égaliseur, le compresseur ou les effets.

    Prêtez attention aux indicateurs de volume du logiciel d'enregistrement, car ils ne vous disent pas tout, surtout en ce qui concerne les percussions, et il est très facile de dépasser 0 dB sans s'en rendre compte. Faites particulièrement attention aux shakers, diners et autres instruments similaires. Veillez à ne pas dépasser -10 db pour ces types d'instruments de percussion.

    Enregistrez-vous enfin...

    Pour enregistrer des voix et des instruments acoustiques, essayez de trouver un endroit calme dans la maison et de choisir la plus grande pièce. Lorsque vous enregistrez des voix, assurez-vous que la réverbération est assez faible. Suspendez quelques couvertures autour de vous pour minimiser les premières réflexions et, si nécessaire, pour atténuer le son. Toutefois, je vous conseille d'enregistrer vos voix dans un studio d'enregistrement; les voix sont bien trop importantes et une chaîne d'enregistrement vocale correcte coûte assez cher! Si vous décidez d'enregistrer des voix, évitez de le faire dans une salle de bain ou une petite pièce (je vous suggère d'essayer un ampli de guitare électrique dans cette pièce, juste pour le plaisir!) Les réverbérations naturelles sont souhaitables si elles sont bonnes; sinon, si elles ne sont pas très bonnes, une fois qu'elles sont imprimées sur la bande, vous ne pouvez plus les enlever. Accrochez des couvertures aux murs de la pièce pour contrôler la réverbération. Et même si la réverbération est excellente - peut-être vivez-vous dans un immense manoir - elle doit être adaptée au style de musique que vous produisez, alors faites attention à cela aussi.

    Enregistrer pour de petits projets peut s'avérer très gratifiant. Essayez et expérimentez. Mais en règle générale, lorsqu'il s'agit du son d'un instrument, essayez de capturer le signal aussi proprement que possible. Il existe deux écoles de pensée; l'une (l'école américaine) consiste à enregistrer proprement et l'autre (l'école britannique/Européenne) à imprimer avec des effets. En raison du manque d'expérience en matière de mixage, si vous voulez imprimer avec des effets, vous devez savoir exactement ce que vous faites, car une fois enregistré, l'effet ne peut pas être annulé, il est donc plus sûr d'imprimer proprement. Si les effets font partie de votre son - en particulier pour les guitares électriques - utilisez-les tous, sauf la réverbération si possible. N'ayez pas peur d'expérimenter, cela ne vous coûte rien, c'est amusant et vous pouvez obtenir des résultats spectaculaires. Et au final, vous pouvez faire plusieurs prises et choisir plus tard au moment du mixage; cela ne vous coûte pas de temps d'enregistrement en studio!

    Après l'enregistrement, écoutez attentivement chaque piste séparément (en solo), puis écoutez-les ensemble. Y a-t-il de l'écrêtage? Y a-t-il des problèmes de distorsion? Y a-t-il des bruits excessifs? La voix est-elle claire? Pouvez-vous comprendre les mots facilement? Écoutez de la musique dans le même genre que vous. N'ayez pas peur de comparer.

    Certaines personnes enregistrent tout elles-mêmes, sauf la voix, et vont dans un studio pour enregistrer la voix. C'est une idée très intelligente; rien ne vaut un combo micro/préampli/compresseur haut de gamme et un espace acoustiquement contrôlé. Sans parler du fait que vous pouvez écouter votre voix à travers des moniteurs appropriés et obtenir des conseils de l'ingénieur si vous avez besoin de refaire certaines parties, des punch ins ou ce qui peut être ajouté, édité et corrigé dans le mixage et ainsi de suite. De plus, vous n'avez pas à vous soucier de démarrer/arrêter l'enregistrement, de trouver des points d'insertion, ce qui vous aide à vous concentrer sur la chanson et la performance elle-même.
  • À quoi dois-je faire attention lorsque je choisis un studio d'enregistrement?
    C'est une excellente question! Il faut un peu de travail pour trouver la bonne réponse, mais au bout du compte, vous serez content de l'avoir fait.

    Sachez exactement à quoi sert votre produit final!

    Il est insensé de dépenser une fortune dans un grand studio pour une démo nécessaire à la promotion, pour un CD que vous voulez vendre lors de concerts ou sur l'internet. Il est évident que si vous avez un contrat avec une grande maison de disques, vous ferez votre travail dans de grands studios d'enregistrement et de masterisation - c'est ce que les grandes maisons de disques attendent et, bien sûr, elles paient pour cela.

    Pour la plupart des projets, un studio professionnel de taille moyenne ou petite est la meilleure option. Cela ne veut pas dire que vous pouvez faire des compromis en matière de qualité! Aujourd'hui, grâce aux progrès technologiques, la qualité que vous pouvez obtenir dans un studio de taille moyenne ou petite peut être comparable à celle d'un grand studio. Ce qui manque aux petits et moyens studios, ce sont de très grandes salles - dont certaines sont célèbres, comme la salle d'enregistrement de Capitol Recording L.A. ou les Air Studios à Londres - et les personnes qui y travaillent, qui sont généralement les meilleurs professionnels du secteur. Mais ces studios pratiquent des tarifs élevés, très probablement hors de votre budget, en raison de leurs frais généraux.

    À moins que vous ne soyez au sommet des hit-parades ou que vous ayez beaucoup d'argent, un studio de taille moyenne ou petite est la meilleure solution. Toutefois, sachez qu'un studio d'enregistrement professionnel de taille moyenne ou petite ne signifie pas un ordinateur portable ou un ordinateur dans votre cuisine ou votre chambre à coucher avec des murs recouverts d'une fine éponge ou d'une toile d'œuf!

    Fixez soigneusement votre budget d'inscription...

    Partagez toujours le budget de production; sur le montant total, pensez toujours que la moitié est nécessaire pour le mixage et le mastering. Le reste correspond aux heures de studio. L'enregistrement prend toujours plus de temps que prévu, et regarder l'horloge au lieu de se concentrer sur sa musique peut avoir des conséquences désastreuses. Ne paniquez pas et ne précipitez pas l'étape de l'enregistrement. Retravaillez certaines pistes et repoussez le mixage si nécessaire. Vous vous en féliciterez.

    Le budget, c'est-à-dire l'argent, sera probablement le premier critère. Ce n'est pas le critère le plus important, mais soyons honnêtes, c'est la réalité... du moins jusqu'à ce que vous atteigniez le sommet.... sinon vous ne seriez pas en train de lire cet article! Cherchez donc un studio qui corresponde à votre budget. Demandez autour de vous; écoutez les recommandations. Internet est une ressource formidable, mais vous devez l'utiliser intelligemment; comme pour tout autre sujet commercial, vous devez être capable de lire entre les lignes. Je vois souvent un site web extrêmement bien conçu et accrocheur qui parle de la dernière merveille technologique dont dispose le studio, comme s'il s'agissait de la clé pour atteindre le Saint-Graal de la reproduction sonore! Ce n'est pas le cas, mais beaucoup d'artistes ne le savent pas, et lorsqu'ils le découvrent, il est trop tard... le train a déjà quitté la gare! Il y a cet élément humain qui fait que l'on aime ou que l'on n'aime pas quelque chose quand on le voit pour la première fois; n'agissez pas sur un coup de tête et faites vos devoirs.
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    Ce qu'il faut savoir lorsqu'on visite un studio...

    N'oubliez pas qu'un beau site web n'est qu'un outil de marketing destiné à attirer votre attention, mais qu'il ne garantit pas un meilleur son. Faites donc attention aux échantillons sonores (et à moins qu'il ne s'agisse d'un studio célèbre, évitez ceux qui ne mettent pas d'échantillons sur leur site web) et dès le départ, vous aurez une bonne idée de la qualité d'enregistrement offerte par le studio. Faites attention au type de rythmes de voix off (beat) - les beats sonnent bien, mais ils sont réalisés à l'aide de synthétiseurs (logiciels et matériel) ou sont achetés et ne vous donnent pas une idée réelle de la capacité d'enregistrement du son. Si le studio dispose d'exemples de groupes (jazz/rock/funk/...) ou de morceaux de musique dans lesquels des instruments acoustiques ont été enregistrés, cela en dit long sur les capacités du studio (tant au niveau de l'enregistrement que du mixage).

    Consultez les photos (si elles sont disponibles) - elles donnent une bonne indication de l'espace d'enregistrement. S'agit-il d'une simple pièce ou d'une salle acoustiquement traitée? La liste des équipements indique le niveau de qualité qui peut être atteint     si l'ingénieur est bon.

    Faire preuve d'organisation lors de la collecte d'informations sur les studios d'enregistrement.
    Prenez des notes afin de pouvoir les comparer plus tard. Vous pouvez définir quelques critères (tels que le prix, la distance, l'ingénieur, l'équipement, l'acoustique, le son, l'espace, voire votre intuition). Les notes sont le meilleur moyen de garder une trace de ce que vous apprenez. Sinon, vous risquez d'oublier des détails importants.

    Assurez-vous de connaître la qualité que vous recherchez.

    L'époque des simples démos de voix et de guitare est révolue depuis longtemps. Phil Ramone l'a bien dit dans une interview avec Howard Massey; "La qualité d'une démo est si importante de nos jours - on ne peut aller nulle part avec une démo piano/voix ou guitare/voix. Ce n'est plus possible!

    Le modèle commercial de la musique a beaucoup changé au cours des trois dernières décennies. La façon dont la musique est commercialisée et distribuée a changé de façon spectaculaire. La manière de se promouvoir et de promouvoir sa musique a également changé. Si vous aspirez à être signé par les grandes maisons de disques, vous devez les atteindre d'une manière ou d'une autre ou générer un buzz important. Je ne pense pas qu'il y ait aujourd'hui beaucoup d'agents A&R capables d'imaginer par eux-mêmes ce que pourrait être une chanson avec le bon arrangement. Et même s'ils le peuvent, ils ne veulent pas assumer des responsabilités qui pourraient leur coûter leur emploi! Ils attendent un produit qui, s'il n'est pas prêt à être distribué, en est très proche. Vous avez peut-être un avocat de l'industrie musicale qui a des relations; pensez-vous vraiment qu'il donnera votre démo à ses relations si elle ne sonne pas bien? Réfléchissez-y à deux fois.

    Si votre objectif est de promouvoir et de vendre votre musique et de construire votre propre marque (par les ventes, la publicité, les concerts, la radio et la télévision) sans signer avec l'une des grandes maisons de disques, la bonne nouvelle est que c'est tout à fait possible aujourd'hui. De nombreux musiciens le font, et l'internet joue un rôle majeur. Je le répète; l    'internet joue un rôle majeur dans la promotion de votre marque! Votre musique doit sonner correctement dans tous les formats populaires promus sur l'internet. Cela pose des défis en termes de masterisation et de mixage, et c'est à vous de vous assurer que le studio que vous choisissez est au courant de tout cela.

    Une fois que vous aurez établi une liste de quelques studios, organisez quelques réunions, allez visiter les studios pour vous faire une idée et vous faire une idée de première main de ce qui vous est proposé. Consultez le chapitre suivant - Conseils pour la sélection d'un studio...
  • Conseils pour choisir un studio d'enregistrement…
    • Essayez de trouver un studio qui ne soit pas trop éloigné de votre domicile - parcourir quelques centaines de kilomètres chaque jour avant l'enregistrement n'améliore pas votre performance et votre coût. Souvent, vous devez revenir pour un remix ou une post-production. Essayez également de trouver des studios en dehors des zones centrales, le stationnement n'est pas bon marché... Prenez rendez-vous avec quelques studios qui correspondent à vos critères budgétaires et partez à la recherche d'un studio.

    • Si le studio est plus éloigné, assurez-vous de pouvoir trouver un logement décent. C'est une option très intéressante; si le studio se trouve dans une belle région, il devient inspirant et stimule la créativité et l'enthousiasme. L'un des avantages d'être loin de chez soi est que cela vous aidera à vous détendre, loin des obligations quotidiennes, et que vous pourrez mieux vous concentrer, surtout si l'enregistrement dure plusieurs jours. Joindre l'utile à l'agréable; un peu de vacances, un peu de travail créatif!
    • Vous aimez ce que vous voyez et entendez? Le studio offre-t-il un environnement agréable et créatif? Cet aspect est plus important que vous ne le pensez. Il est extrêmement important de se sentir à l'aise et confiant dans le studio. Évitez les studios situés dans des cuisines, des couloirs ou des pièces où les câbles traînent partout - ne vous attendez pas à une piste audio propre et sans ronflement! En fait, si le son est nul, votre produit sonnera probablement de la même manière.

    • Vérifiez l'acoustique en fonction de votre style de musique. Si vous êtes intéressé par des sessions orchestrales de grande envergure, un grand studio est ce qu'il vous faut. En revanche, pour la pop, le rock, le folk, le jazz, le R&B, le hip hop, une salle d'enregistrement plus petite sera parfaite. Voyez comment vous vous sentez dans la salle d'enregistrement et dans la salle de contrôle; une bonne conception acoustique et esthétique contribue grandement à l'obtention d'un produit final de qualité.

    • En ce qui concerne l'espace d'enregistrement, réfléchissez au niveau d'isolation dont vous avez besoin s'il s'agit d'un groupe. Dans certains cas, les fuites de micro sont très acceptables (en particulier pour les instrumentistes de jazz qui enregistrent ensemble); dans d'autres cas, il est préférable d'isoler les instruments. Pour la plupart des projets tels que la pop ou le rock, l'isolation est généralement nécessaire. Vérifiez donc si le studio offre suffisamment de possibilités pour la réaliser (cabine vocale, salles de concert, espace, etc.).

    • Vous avez avec vous des CD que vous connaissez très bien. Demandez à l'ingénieur de les faire jouer et écoutez-les depuis la position de mixage dans le fauteuil de l'ingénieur. Vous devez entendre clairement chaque détail, ainsi que la position de chaque instrument. Demandez à l'ingénieur de vous laisser vous asseoir dans son fauteuil et de faire passer les moniteurs de la stéréo à la mono; le son doit alors se déplacer juste devant votre nez, comme si vous pouviez le toucher. Si ce n'est pas le cas, c'est que la pièce a une mauvaise acoustique et qu'il n'y a aucun moyen d'obtenir un bon mixage! L'acoustique du studio et la réponse de la pièce sont extrêmement importantes pour le mixage et le mastering! N'ÉCOUTEZ QU'À VOLUME NORMAL OU FAIBLE, PAS À VOLUME ÉLEVÉ! Le volume masque les imperfections. Tout doit être audible à un niveau raisonnable.

    • Si le studio dispose de plusieurs paires de moniteurs, de sorte que l'ingénieur puisse changer instantanément pour vérifier les mixages, c'est un plus. Outre les moniteurs principaux, les autres moniteurs doivent vous aider à vous faire une idée de la manière dont un mixage ou un master se traduit dans le monde réel. Une paire de petits Auratones peut vous donner une assez bonne idée du son d'une chanson sur un téléviseur (ils s'atténuent généralement progressivement à partir de 200 Hz et chutent brusquement à 100 Hz ou au-dessus de 14 KHz). Un ensemble de haut-parleurs d'ordinateur, un ensemble de moniteurs audiophiles et un boombox aideraient à la prise de décision.

    • Recherchez un studio qui inclut un ingénieur dans ses honoraires. L'ingénieur du studio connaît bien l'acoustique du studio. Vous pouvez certes engager un ingénieur indépendant, mais cela n'en vaut généralement pas la peine. L'ingénieur du studio connaît bien l'équipement et résoudra les problèmes le plus efficacement possible parce qu'il connaît bien le studio. Faites-lui écouter les échantillons sonores que vous avez (des échantillons correspondant à votre style musical) et demandez-lui s'il est à l'aise pour obtenir ce type de son. Il est inutile d'engager un ingénieur du son qui n'a jamais travaillé avec un groupe de jazz si vous voulez enregistrer du jazz.
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    • Au cours de la réunion, n'oubliez pas de parler à l'ingénieur qui réalise l'enregistrement. Il est l'un des acteurs clés de la session - l'équipement le plus impressionnant ne sonnera pas mieux que la capacité de l'ingénieur à l'utiliser. Vous payez pour lui, alors assurez-vous qu'il est attentif, qu'il est prêt à vous aider en cas de problème et qu'il fait ce que vous voulez. Une personnalité qui s'accorde avec la vôtre vous mènera loin!

    • Vous pouvez, ou non, faire appel à un producteur. Produire une chanson n'est pas facile, et le fait d'avoir quelqu'un qui a travaillé avec de nombreux autres groupes vous permet d'avoir des oreilles objectives pour juger votre projet et faire des suggestions valables. Il est utile que l'ingénieur du studio soit également producteur; l'expérience qu'il a acquise avec d'autres groupes ne peut que profiter à votre projet. Si vous disposez d'un budget plus serré, il est souhaitable de trouver un studio géré par un producteur.

    • Si vous avez effectué un travail de préproduction à la maison (quelques pistes), vous devez en informer l'ingénieur du son, qui vous indiquera comment préparer les pistes lorsque vous viendrez enregistrer dessus, afin de ne pas perdre de temps. Il n'y a rien de pire que de payer de l'argent pour qu'un ingénieur appuie sur le bouton "convertir" et vous fasse payer pendant que vous attendez pour quelque chose que vous auriez pu faire chez vous en mangeant des chips et en regardant la télé!

    • Recherchez toujours un studio pouvant accueillir une batterie si nécessaire, afin de ne pas avoir à enregistrer la batterie dans un autre studio. De plus, avec plusieurs salles de direct, il est plus facile d'enregistrer plusieurs instruments simultanément (comme la batterie et les percussions en même temps) et d'obtenir une meilleure performance.

    • En ce qui concerne les instruments, vérifiez si le studio dispose d'un piano. Dans les studios de petite et moyenne taille, l'espace est un problème et vous ne trouverez peut-être pas de piano à queue. Toutefois, le studio peut proposer d'excellentes alternatives du point de vue de l'enregistrement, comme le V-piano Roland ou le Yamaha AvantGrand. Ces pianos ont une excellente mécanique de clavier (bien sûr, c'est une question de goût) et une excellente sonorité pour l'enregistrement. Ces pianos se situent bien au-dessus des pianos numériques ordinaires et indiquent que le studio se soucie de la qualité de l'équipement et du son.

    • Prenez note des autres instruments - guitares, basses, amplis, effets - que le studio met à votre disposition. Il se peut que vous ayez besoin de couper une piste dans une couleur différente, d'ajouter une guitare acoustique ou de doubler certaines parties de guitare, et vous devez disposer d'alternatives exploratoires. On n'entre pas dans un studio pour y écrire une chanson, mais un peu d'expérimentation, rendue possible par des instruments aux sonorités différentes de celles auxquelles on est habitué, peut ajouter une nuance intéressante qui apportera un plus à la chanson.

    • La chose la plus importante sur laquelle tous les producteurs célèbres, tels que Ramone, Kramer, Visconti, Cherney, Brauer, Afanasieff, Johns, Parsons, etc. sont d'accord, c'est de "PERFORMER". Et une grande performance ne peut généralement être réalisée que lorsque tous les membres du groupe jouent ensemble, se nourrissant mutuellement de leur énergie, même si certaines pistes seront superposées plus tard ou si seules la batterie et la basse sont enregistrées. Un studio capable d'enregistrer au moins 12 pistes simultanées est la solution idéale si vous voulez que tout le monde joue en même temps.

    • Faites attention au système de monitoring pendant l'enregistrement!!! Vous voulez un système multi-cue, avec des écouteurs, pour que chaque musicien puisse avoir son propre mixage, le contrôler et se sentir à l'aise. C'est une chose humaine étrange, mais chaque musicien veut s'entendre plus fort dans le casque! Un système multi-cue permet cela, permettant aux musiciens de se sentir plus à l'aise et de fournir une meilleure performance.

    • Une fois que vous avez visité les studios, il est temps de réduire votre liste. Vous avez peut-être déjà une réponse, mais il arrive que vous ayez à choisir entre deux ou trois options. Toutes ces options peuvent faire l'affaire, mais il est temps de lier la nature de votre projet aux capacités techniques du studio. Certains studios ne disposent que d'une technologie de pointe, tandis que d'autres possèdent du matériel vintage précieux qui donne de la couleur à votre son. Un groupe de rock & roll typique a un son différent de celui du R&B, et les instruments utilisés y sont pour beaucoup. Plongeons donc un peu dans les nombreux aspects de l'équipement utilisé dans un studio d'enregistrement.
  • Quelle est l'importance de l'équipement du studio?
    La réponse courte est la suivante; c'est très important.

    De nombreux studios affichent sur leur site web; "Méfiez-vous des longues listes d'équipement! "Méfiez-vous des longues listes d'équipement!", comme s'ils savaient que c'est la recette d'un mauvais enregistrement. C'est parfois vrai, mais c'est très rarement le cas; "Méfiez-vous des longues listes d'équipements de mauvaise qualité et bon marché!". Ce que ces studios ne vous disent pas, c'est l'importance de la qualité des microphones, des préamplis et des compresseurs.

    Il est normal d'annoncer que l'expérience de l'ingénieur compte beaucoup, mais si vous demandez un micro de voix ou de guitare acoustique haut de gamme dont vous savez qu'il fait partie de votre son et qu'on vous dit que le studio doit en engager un, vous devez supposer que l'ingénieur n'a pas l'expérience nécessaire pour obtenir le son que vous voulez parce qu'il ne travaille pas régulièrement avec du matériel de qualité et qu'il ne sait donc pas ce que vous pouvez obtenir avec ce matériel.

    Lorsque vous demandez si le studio dispose de micros et de préamplis haut de gamme, on vous répond souvent que le studio obtient un son fantastique avec une marque inconnue, parce qu'il sait très bien comment l'utiliser. Bien que cela puisse être vrai (je ne l'ai jamais vu!!!), un studio de bonne qualité devrait être en mesure de vous donner quelques options que vous pouvez essayer et voir laquelle vous donne les meilleurs résultats. Et par options - en particulier pour les voix - j'entends de gros condensateurs à lampes portant les logos Neumann, AKG, Soundelux, Lawson, Brauner, Telefunken, Gefell ou Manley!

    Il faut savoir que les performances d'un préamplificateur de microphone valant le double du prix d'un mélangeur 16 canaux Mackie ou Soundcraft sont incomparables à celles de Mackie! Beaucoup d'ingénieurs utilisent un compresseur pour l'enregistrement des voix, mais aucun compresseur n'arrive à la cheville du TubeTech CL-1B ou LA-2A pour l'enregistrement des voix!     Le meilleur ingénieur avec le meilleur équipement pour le prix que vous pouvez vous permettre - c'est ce que vous recherchez!

    Comme je l'ai déjà souligné, l'interprétation est l'élément le plus important du processus d'enregistrement. La qualité du son provient essentiellement de la capacité du musicien à interpréter sa partie. L'équipement ne remplacera jamais cette capacité. Mais un équipement de bonne qualité capture correctement le son et donne à l'ingénieur du son la bonne matière première pour le mixage et le mastering. En d'autres termes, une performance médiocre ou mal captée ne peut être masquée que dans une certaine mesure lors du processus de mixage/mastering. Préparez-vous à obtenir un bon son dès le début, plutôt que de compter sur des astuces ultérieures.
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    Always look for boutique quality and high-end and esoteric gear. The most important things are the microphones (look for names like Neumann, Telefunken, AKG, AEA, Lawson, Royer, Soundelux, Earthworks, Brauner, Sanken, DPA, Schoepps, Geffel), mic preamps and EQ's (like Martech, Neve, Millenia, Massenburg, Great River, Pendulum Audio, SSL, Chandler, Focusrite Red, API, Vintech, Tree Audio, etc), and compressors (Thermionic, Elysia, Tube Tech CL-1B, LA-2A, Portico Neve MBP, Avalon, 1176, Distressor, Cranesong, Manley, SSL, API, Shadow Hill, etc). 
    Do your homework and write down what the studio has to offer - microphones, preamps, EQs and compressors - and then do some research on the internet, there are many forums with a lot of info, like www.gearspace.com (where recording/mixing/mastering legends like George Massenburg and Bob Katz are moderators). 

    For a solo act, a good quality microphone might be sufficient by itself. But for a band, you want to have access to different microphone flavours, because if you overdub everything, even with a premium microphone, the final product will sound flat. A good quality studio must have a good collection of microphones, because each style of music and each instrument requires a certain sound and, there is no one type of microphone that fits them all. 

    If you want to record a concert piano, a matched pair of omni - Earthworks or DPAs - and a large premium condenser are the way to go, especially for classical music and jazz. Of course, two Rodes or AT will do the job, but     YOU WILL HEAR THE DIFFERENCE! For reeds nothing beats a good ribbon mic. And staples like Royer R121, Coles 4038, AKG 414’s and 112D, Shure SM7, SM 57, SM 58, Electro-Voice RE-20 and MD 421 Sennheiser are a good bet for drums, percussion, bass, and guitars. While the most important thing for getting a top-quality product is the artist performance, the studio has to be able to provide the right tools to capture that sound. 

    Regarding the preamps: make sure the studio has premium preamps, which are suitable for the style of music you are playing. If you’re a classical musician, or for acoustic instruments, a transparent preamp like Millenia or Earthworks is desirable; for rock, jazz and R&B preamps like Neve, Tree Audio, Chandler, Focusrite Red, Martech, API, Pendulum Audio, Great River, SSL, Fearn, Vintech, Avalon are great options. There’s a reason the Millennia preamp is used almost exclusively all over the world for classical/chamber/choir music, where "clean" and "headroom" are the name of the game.

    Of course, great preamps are not cheap. They do cost thousands of dollars! In your studio search you will be told how great Presonus, ART, Mackie and Behringer preamps are. Here is the news: they’re not! They're not bad, they’ll get the job done, but you can’t really compare a 2000 € one channel preamp with an 800 € eight channel preamp or mixer! Look for a studio that has a couple of great different preamps, so you can take advantage and get the best in different recording situations! API, Focusrite Red, Neve or SSL are great for drums; on the other hand, when it comes to record or warm up a synth, a tube preamp like Pendulum, Thermionic or Fearn is a great way to go. 

    You can skip this paragraph, it’s going to be a little technical, but it gives you a better understanding of why a microphone preamp does a good job. Most everyone knows that we have to avoid clipping during recording; what is not widely known is that, long before clipping, many preamps exhibit an extreme distortion increase, as they change from Class A to Class AB operation. Therefore, it is very important to have at least 6 dB between the peak level of the music and the clipping point to avoid a harsh sound. The difference between the average level of the sound and the clipping point is known as headroom. The bigger the headroom, the better the sound! The high-end preamps have clipping points as high as 37 dBu (+55 Volts), while the semi-pro and consumer equipment have 20 to 24. Simply put, in order to get a good sound, the preamps must have very high output devices and high-voltage power supply, which is very expensive; you won’t get that with 100 dollars per channel preamp. These cheap preamps are good for the hobbyist recording engineer, but they are to be avoided if you are looking for quality! The good preamps or EQ include very high-quality circuits and excellent transformers, and when you have to mic many tracks, you’ll understand it!
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    Recherchez toujours du matériel de qualité boutique et du matériel haut de gamme/ésotérique. Les éléments les plus importants sont les micros (recherchez des noms comme Neumann, Telefunken, AKG, AEA, Lawson, Royer, Soundelux, Earthworks, Brauner, Sanken, DPA, Schoepps, Geffel), les préamplis micro et les égaliseurs (comme Martech, Neve, Millenia, Pultec, Retro, Massenburg, Great River, Pendulum Audio, SSL, Chandler, Focusrite Red, API, Vintech, Tree Audio, etc), et des compresseurs (Thermionic, Elysia, Tube Tech CL-1B, LA-2A, Portico Neve MBP, Avalon, Retro, 1176, Distressor, Cranesong, Manley, SSL, API, Shadow Hill, etc).

    Faites vos devoirs et notez ce que le studio a à offrir - microphones, préamplis, égaliseurs et compresseurs - et faites ensuite des recherches sur l'internet, il existe de nombreux forums avec beaucoup d'informations, comme www.gearspace.com (où de grandes légendes de l'enregistrement, du mixage et du mastering comme George Massenburg et Bob Katz sont des modérateurs).

    Pour un artiste solo, un microphone de bonne qualité peut suffire. Mais pour un groupe, vous devez avoir accès à différents types de micros, car si vous superposez tout, même avec un micro de qualité supérieure, le produit final sonnera plat. Un studio de qualité doit disposer d'une bonne collection de microphones, car chaque style de musique et chaque instrument exigent un certain son, et il n'y a pas un seul type de microphone qui convienne à tous.

    Si vous voulez enregistrer un piano à queue de concert, une paire de micros omni - Earthworks ou DPA - et un condensateur à lampe de première qualité sont la solution, en particulier pour le classique et le jazz. Bien sûr, deux Rodes ou ATs feront l'affaire, mais     vous entendrez la différence! Pour les saxos et les trompettes, rien ne vaut un bon micro à ruban. Des micros comme le Royer R121, le Coles 4038, l'AKG 414 et 112D, le Shure SM7, SM 57, SM 58, l'Electro-Voice RE-20 et le Sennheiser MD 421 sont un bon choix pour la batterie, les percussions, la basse et les guitares. Si le plus important pour obtenir un produit de qualité supérieure est la performance de l'artiste, le studio doit être en mesure de fournir les bons outils pour capturer ce son.

    En ce qui concerne les préamplis, assurez-vous que le studio dispose de préamplis de qualité supérieure adaptés au style de musique que vous jouez. Si vous êtes un musicien classique, ou pour des instruments acoustiques, un préampli transparent tel que Millenia ou Earthworks est souhaitable; pour le rock, le jazz et le R&B, des préamplis tels que Neve, Tree Audio, Chandler, Focusrite Red, Martech, API, Pendulum Audio, Great River, SSL, Fearn, Vintech, Avalon sont d'excellents choix. Ce n'est pas pour rien que le préampli Millennia est utilisé presque exclusivement dans le monde entier pour la musique classique/chambre/chorale, où la "propreté" et le "headroom - absence de distorsion" sont les maîtres mots.

    Bien entendu, les excellents préamplis ne sont pas bon marché. Ils coûtent des milliers d'Europe! Lors de vos recherches en studio, on vous dira à quel point les préamplis Presonus, ART, Mackie et Behringer sont excellents. En réalité, ils ne le sont pas! Ils ne sont pas mauvais, ils font le travail, mais vous ne pouvez pas vraiment comparer un préampli de 2 000 € par canal avec un préampli ou une table de mixage de 8 ou 12 canaux de 800 €! Recherchez un studio qui dispose de plusieurs préamplis différents afin d'en tirer parti et d'obtenir les meilleures nuances dans différentes situations d'enregistrement! API, Focusrite Red, Neve ou SSL sont excellents pour les batteries; d'autre part, lorsqu'il s'agit d'enregistrer ou de chauffer un synthé, un préampli à tubes comme Pendulum, Thermionic ou Fearn est souhaitable.

    Vous pouvez sauter ce paragraphe, il sera un peu technique, mais il vous permettra de mieux comprendre pourquoi un préamplificateur de micro fait du bon travail. La plupart des gens savent qu'il faut éviter l'écrêtage pendant l'enregistrement; ce que l'on ne sait pas, c'est que bien avant l'écrêtage, de nombreux préamplis présentent une augmentation extrême de la distorsion lorsqu'ils passent d'un fonctionnement en classe A à un fonctionnement en classe AB. Il est donc très important d'avoir au moins 6 dB entre le niveau de crête de la musique et le point d'écrêtage pour éviter un défaut sonore. La différence entre le niveau sonore moyen et le point d'écrêtage est appelée marge de manœuvre. Plus la marge est élevée, meilleur est le son! Les préamplificateurs haut de gamme ont des points d'écrêtage allant jusqu'à 37 dBu (+55 volts), tandis que les équipements semi-professionnels et grand public en ont entre 20€ et 24€. Tout simplement, pour obtenir un bon son, les préamplis doivent être dotés de très grands dispositifs de sortie et d'alimentations à haute tension, ce qui est très coûteux; vous n'obtiendrez pas cela avec un préamplificateur à 100€ par canal. Ces préamplis bon marché conviennent aux ingénieurs du son amateurs, mais sont à éviter si vous recherchez la qualité! Les bons préamplis ou égaliseurs comprennent des circuits de très haute qualité et d'excellents transformateurs, et lorsque vous devrez mixer un morceau avec plusieurs pistes, vous comprendrez immédiatement de quoi je parle!

    Faites attention à la chaîne vocale - assurez-vous qu'il y a un excellent compresseur vocal comme un Tube Tech CL-1B ou LA-2A, éventuellement un Cranesong Trakker. Ces compresseurs font un excellent travail sans compromettre la qualité de la voix et, lorsqu'ils sont utilisés correctement, on ne peut pas dire que la voix a été comprimée - ils ont une touche magique. D'excellents préamplis vocaux sont le Martech MSS-10 (très profond, idéal pour les grandes voix étendues, avec une énorme marge de manœuvre, beaucoup le considèrent comme la Ferrari des préamplis vocaux), le Neve 1073, l'API, le Pendulum Audio, le Pacifica, le Telefunken V72, le Hardy, le Chandler, le Tree Audio. En ce qui concerne les micros vocaux, vous devez pouvoir choisir parmi une sélection d'excellents micros afin de déterminer celui qui convient le mieux à votre voix, et vous assurer que l'on vous donne au moins un micro à condensateur à lampe de grande qualité à essayer.

    Renseignez-vous toujours sur la qualité des convertisseurs A/N et N/A. Si le studio utilise des bandes de 2 pouces, cela n'a pas d'importance, mais il y a très peu de studios qui utilisent encore des bandes. Si le son est enregistré dans un ordinateur, les convertisseurs sont la première chose à regarder! Il existe des cartes son avec des convertisseurs tels que Motu, Lexicon Omega, Digidesign Mbox-2 ou Echo qui donnent un bon son; mais lorsqu'il s'agit d'un excellent son, avec des défauts extrêmement faibles dans la conversion analogique-numérique pour l'enregistrement ou numérique-analogique pour l'écoute, il faut chercher des convertisseurs de niveau mastering - Prism, Mytek, Lynx, Lavry, Antelope. Lorsque le nombre de pistes est élevé, vous entendrez très clairement la différence! Les convertisseurs de mastérisation sont beaucoup plus chers, mais ils sont tout à fait justifiés. Ces convertisseurs offrent une bien meilleure intégrité sonore et utilisent une technologie très sophistiquée de réduction du jitter. En d'autres termes, ils préservent presque entièrement la qualité du son lors de la conversion en numérique ou en analogique.

    De nos jours, presque tous les enregistrements de qualité incluent l'utilisation de systèmes d'enregistrement et d'édition sur disque dur tels que ProTools, Nuendo/Cubase ou Sequoia. Peu de gens réalisent que dans un studio utilisant des bandes magnétiques, au moins 20% du temps est passé à attendre que les bandes soient rembobinées après chaque entrée; ce n'est pas un problème dans un système d'enregistrement à accès aléatoire tel que ceux mentionnés ci-dessus. Il est certain que l'enregistrement sur bande a ses propres avantages; beaucoup de gens ressentent la chaleur du son de la bande. En fait, ils apportent une certaine distorsion qui est agréable à l'oreille humaine. Bien que l'enregistrement numérique à la résolution actuelle soit très précis, le son des consoles haut de gamme Neve, SSL, API ou Harrison est célèbre et vous pouvez l'entendre dans tous les grands albums de musique pop/rock/jazz. Malheureusement, ces consoles sont extrêmement chères et on ne les trouve que dans les grands studios d'un million de dollars.

    Les systèmes de mixage hybrides analogiques/numériques offrent un son personnel et organique, ce qui est devenu possible grâce aux boîtes de mixage analogiques. Certaines d'entre elles ont un son unique et magnifique; Chandler (fabriquée par EMI/Abbey Road), Inward Connection Mix690 (fabriquée par Steve Firlotte avec les célèbres amplificateurs optiques 690 Jim Hall), Fat Bustard (fabriquée par Thermionic), Great River MM20, Shadow Hills, Neve 8816, X-rack SSL. Bien que très chères, elles sont plus abordables que les consoles légendaires et de petits et moyens studios ont commencé à les utiliser. Regardez bien les studios qui utilisent cette approche - ces sommateurs analogiques démontrent le sérieux et l'effort financier du studio pour fournir un produit final de haute qualité.
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    Comme certains studios de taille moyenne ou petite se sont lancés dans le mixage hybride analogique/numérique, vérifiez le matériel analogique qu'ils utilisent avec leurs plug-ins; Des noms comme Eventide, Bricasti, Lexicon, TC Electronics pour l'espace/la réverbération/les délais; Elysia, Neve 33609, Cranesong, Thermionic, 1176, SSL, API 2500, Retro Instruments, Avalon, Empirical Lab, Pendulum, Manley pour les compresseurs; et Neve, Massenburg, Chandler, Millenia, Elysia, Retro Instruments, Avalon, Pendulum, Kush Audio, API, Weiss et Manley pour les égaliseurs sont hautement souhaitables.

    Les plugins utilisés sont un autre élément à prendre en compte. Il est très utile de voir les cartes UAD avec des plugins ou des plugins natifs comme Sonnox Oxford, Tone Projects, Acustica, DMG, Soundtoys, Fab Filter, Waves, SSL, SSL, Lexicon, Altiverb, Eventide, Relab et ainsi de suite... Après de nombreuses années de développement d'algorithmes de plus en plus performants, ces plugins sont excellents. Assurez-vous également que votre studio utilise un bon logiciel d'édition de voix - Melodyne ou Antares. La batterie est souvent un problème, et un outil de remplacement de batterie comme Drumagog, Trigger et encore mieux - le trigger de Superior Drummer 3, peut sauver la situation!

    Demandez toujours à écouter de la musique (prenez des CD avec vous) dans le même style que votre musique, à travers les moniteurs du studio. Les moniteurs sont utilisés pour évaluer les pistes, le mixage et le mastering. S'ils sont de mauvaise qualité, il y aura probablement un problème! L'ingénieur du studio y est habitué et peut faire un excellent travail, mais il y a des situations où l'on vous demandera de prendre des décisions, d'accepter ou de refaire certaines pistes, et vous ne pourrez peut-être pas avoir un jugement objectif parce que vous ne connaissez pas la scène sonore! Il est utile que le studio dispose de 2 ou 3 jeux de moniteurs de marques et de tailles différentes afin que vous puissiez tous les vérifier! Cela aide encore plus si les moniteurs sont fabriqués par ATC, Barefoot, Focal, Klein & Hummel, Adams, Genelec, Tannoy, KRK, etc - demandez simplement à écouter les CD et vous verrez la différence! Ils révèlent facilement tout problème et permettent à l'ingénieur d'obtenir un équilibre et une image excellents.

    Il existe de nombreux de petits et moyens studios de très bonne qualité, surtout s'ils vous font bénéficier de leurs frais généraux moins élevés (contrairement aux grands studios qui ne peuvent pas se permettre de le faire car ils ont des frais généraux élevés en raison du coût du personnel, du loyer et de l'entretien). Assurez-vous simplement qu'ils offrent le confort, une bonne acoustique, de bons moniteurs et un bon équipement. Attention cependant; de nombreuses personnes enregistrent avec un ordinateur, une console ou un préampli bon marché et des microphones bon marché. Je vous conseille de réfléchir à deux fois avant de choisir le studio le moins cher, car le produit final s'en ressentira. Un microphone ou un préampli de 200€ ne peut pas offrir la même qualité qu'un microphone ou un préampli de 7 000€ (les microphones bon marché fabriqués en Chine qui fonctionnent exactement comme ceux de Neumann sont tout simplement de la poudre aux yeux, sachez qu'ils veulent aussi faire de l'argent! Non pas qu'ils soient terriblement mauvais, ils peuvent être utiles, mais ils sont très inconsistants). Lorsque vous consacrez beaucoup d'efforts à la réalisation d'un enregistrement, économiser une ou deux centaines d'euro au détriment d'une qualité médiocre est une erreur.

    En conclusion, choisissez toujours le studio dans lequel vous vous sentez le plus à l'aise et qui répond à vos besoins en matière d'enregistrement. Ce qui fait vraiment la différence, c'est l'expérience de l'ingénieur, vos compétences musicales, l'espace dans lequel vous enregistrez et l'équipement qui capture votre performance.
  • Pourquoi le mixage et le mastering sont-ils si important?
    En bref, vous voulez que votre musique ait le même niveau de qualité que toutes les autres musiques que vous entendez à la radio, dans votre voiture, à la télévision, en streaming ou dans votre système stéréo. Tous ces systèmes audio ont leurs limites (en ce qui concerne la dynamique du son et le spectre des fréquences), et grâce au mixage et au mastering, votre musique est prête à sonner juste. Vos concurrents sont les chaînes commerciales qui chantent à tue-tête, et votre chanson doit sonner bien parmi eux.
  • Puis-je faire le mixage et le mastering moi-même?
    Bien sûr, vous pouvez mixer et masteriser vous-même, mais ne vous faites pas trop d'illusions. Il faut de nombreuses années pour acquérir les compétences d'un ingénieur professionnel, et ce n'est pas pour rien que les meilleurs ingénieurs de mixage sont les mieux payés de l'industrie musicale. C'est à peu près la même chose que de faire des travaux à la maison, comme des rénovations, au lieu de faire appel à des professionnels. C'est moins cher, mais ce ne sera jamais aussi bien ou aussi efficace que les professionnels, parce que ces derniers ont passé de nombreuses années à le faire, ont beaucoup d'expérience et disposent des bons outils pour le faire.

    La courbe d'apprentissage des ingénieurs de mixage et de masterisation est très longue et difficile. N'oublions pas non plus l'importance de l'espace acoustique, des moniteurs et de l'    équipement. Si vous voulez que vos chansons sonnent comme celles qui passent à la radio ou sur les CD commerciaux, vous devez travailler avec des personnes expérimentées et disposer des outils et de l'espace adéquats. Il est plus acceptable d'économiser de l'argent en faisant l'enregistrement soi-même que de faire le mixage et le mastering soi-même. Toutefois, si vous voulez toujours le faire vous-même, je vous suggère de suivre des cours sur pure mix ou groove3; il s'agit de deux sites à prix modérés avec des enseignants compétents.
  • Puis-je obtenir une explication détaillée de ce qu'est le mixage?
    Le mixage est le processus qui consiste à tout mettre ensemble pour obtenir un équilibre, une gamme de fréquences judicieusement ajustée, un panoramique, une profondeur, une dynamique et de l'intérêt. C'est simple!

    Le mixage est la partie la plus complexe de la chaîne de production musicale et, je dirais, la plus importante. Il faut des années à un ingénieur de mixage pour devenir bon dans ce domaine; c'est pourquoi les ingénieurs de mixage sont les mieux payés de l'industrie.

    Pourquoi le mixage est-il si important? Pour commencer, l'ouïe est beaucoup moins objective que la vue et beaucoup plus ouverte à l'interprétation, et la façon dont les chansons résonnent chez les gens lorsqu'ils les écoutent est différente pour chacun. Nous ne savons pas grand-chose de la manière dont la musique interagit avec notre cerveau et dont le mécanisme émotionnel fonctionne réellement. Cependant, de nombreuses recherches ont été menées au cours des trois ou quatre dernières décennies, et les résultats de ces études nous aident à mieux comprendre comment composer un mix. Le plus intéressant, c'est qu'en dépit de toute subjectivité, nous savons presque tous quand un mélange est bon ou mauvais.

    Les signes d'un mauvais mixage sont faciles à reconnaître; les voix sont difficiles à comprendre, elles sont parfois trop basses ou trop fortes ou mal accordées; certains instruments, même s'ils sont présents, semblent parfois disparaître; certaines parties principales sont trop noyées dans les instruments, on a parfois l'impression que les instruments et les voix ne sont pas ensemble, comme s'ils chantaient dans des espaces différents; parfois, la combinaison d'instruments ne convient pas, on sait tout de suite que quelque chose ne va pas.

    Les signes d'un bon mixage sont encore moins compliqués; tout est fluide, rien ne semble sortir de l'ordinaire, on ressent l'émotion, le groove est là, on se sent ému et à l'aise et on a envie que la chanson continue!

    L'ingénieur du son prend une chanson et, grâce à son expérience et à ses décisions créatives, il contribue à raconter l'histoire de la chanson. La chanson est la chose la plus importante, que l'idée soit de mettre en valeur la chanson, les voix ou un groupe. L'ingénieur de mixage assemble tous les instruments et les voix, comme un peintre met des couleurs dans un tableau. Il doit soutenir le message de la chanson, et chaque chanson est unique, il n'y a donc pas de règles ni de normes.

    L'ingénieur produit un mixage approximatif, qui sera présenté à l'artiste/producteur pour qu'il puisse y apporter sa contribution. Un bon mixage a des basses fortes et contrôlées, des médiums bien répartis entre les instruments et des aigus forts mais pas agressifs. Les fréquences moyennes sont extrêmement importantes; un bon mixage doit encore sonner correctement si vous filtrez tout ce qui est inférieur à 200 Hz et supérieur à 6 kHz (rappelez-vous les vieux albums de Rudy Van Der Gelden sur la Blue Note!) Bien que l'ingénieur ait un certain point de vue et fasse de son mieux, ce qui compte vraiment, c'est l'opinion du client, et l'ingénieur de mixage essaie de se rapprocher le plus possible de l'image que les artistes et les producteurs ont à l'esprit.
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    Le facteur le plus important influençant la qualité d'un mixage est sans aucun doute l'arrangement de la piste. Le musicien, le compositeur ou le groupe aura plus de succès s'il sait arranger les chansons, s'il comprend le son des instruments et la manière dont ils se complètent pour mettre en valeur la mélodie et le message de la chanson.

    Un bon arrangement tient compte du tempo, du rythme, de la hauteur, de la consonance et de la dissonance. Il n'est pas nécessaire d'écouter une chanson en entier pour savoir de quelle chanson il s'agit. Lorsque les gens entendent certains accords dans un certain ordre lors d'un concert d'Eagle (si mineur, fa dièse majeur/la majeur...), ils se mettent à chanter "Hotel California", ou lorsque la ligne de basse commence, les gens reconnaissent immédiatement "Beat it" de Michael Jackson. L'arrangement permet de capter l'attention de l'auditeur, de le transporter dans un certain état, de créer une tension, d'apporter ou non un dénouement à cette tension, de suggérer un contrôle, puis de le supprimer brusquement et de le faire basculer dans l'inconnu.

    La plupart des musiques commerciales que nous écoutons fonctionnent selon des schémas qui induisent l'humeur et le rythme, sans changement majeur; si vous regardez de près les principaux succès commerciaux, vous constaterez qu'ils ont la même structure. Lorsque vous écoutez des groupes de rock progressif (tels que Yes, Pink Floyd, Procol Harum, ELP), les formes sont différentes, la manière dont l'attention est captée est différente, le niveau de richesse est différent, tant sur le plan harmonique que rythmique; il y a un sens plus profond de la manière d'utiliser et de regrouper les sons. Le jazz en général est particulièrement riche en harmonie, en rythme et en improvisation, et le côté naturel du son est très important.

    Le mixage est l'étape qui suit l'enregistrement. Ne passez pas au mixage immédiatement après l'enregistrement, laissez du temps entre les deux. Mixer le lendemain ne favorise pas l'objectivité. Par précaution, prévoyez des changements de dernière minute si nécessaire, ou si quelque chose doit être ajouté à l'enregistrement. Tous les instruments doivent sonner correctement et il doit y avoir une correspondance entre eux. On doit avoir l'impression qu'ils sont ensemble, et non dans des espaces différents. La chanson doit être ronde, polie, avec un bon sens de l'espace tridimensionnel. En théorie, cela semble simple; en réalité, c'est beaucoup plus compliqué.
  • Que fait exactement l'ingénieur de mixage?
    Chaque instrument a des quantités d'énergie différentes dans ses bandes de fréquences et celles-ci doivent être disposées de manière à ce qu'elles ne s'annulent pas les unes les autres et à ce qu'elles sonnent naturellement ensemble. Ils doivent être placés dans l'espace - à la fois en stéréo et en profondeur. Les voix ou les parties principales doivent ressortir. Il est intéressant de savoir qu'en écoutant un très bon mixage, puis les pistes séparément, vous remarquerez que toutes les pistes ne sonnent pas pleinement, mais que lorsqu'elles sont ensemble, tout est très bon.

    Pour chaque type de musique, il existe une certaine idée du son qui sert de point de départ à l'ingénieur du son. Pour entrer dans les détails, chaque instrument vibre à différentes fréquences en même temps. Chaque son a une fondamentale et des harmoniques - les fréquences supérieures à la fondamentale. Chaque instrument a son propre profil harmonique, son propre timbre, ce qui permet de les distinguer. Ces harmoniques donnent une quantité différente d'énergie dans chaque harmonique. Par exemple, les trompettes ont une distribution égale de l'énergie, tandis que les clarinettes ont une énergie élevée dans les harmoniques impairs (multiples de 3, 5, 7 de la fondamentale).

    Peter Schaeffer a réalisé une expérience très intéressante; il a coupé le début de chaque son - ce que l'on appelle l'attaque du son - et à ce moment-là, il était presque impossible de distinguer l'instrument. Il a démontré que l'attaque du son est essentielle à sa définition. Un autre chercheur, Petr Janata, a démontré par des expériences que si l'on supprime la fondamentale d'un son, celui-ci sera restitué dans les premiers stades du traitement auditif (nous écoutons certaines chaînes stéréo ou dans la voiture et nous avons l'impression que les basses sont fortes, mais il n'y a pas de basses car les haut-parleurs ne descendent pas en dessous de 125 Hz; ce que nous entendons, ce sont uniquement les harmoniques des basses).

    Tous ces éléments sont pris en compte lors de l'élaboration d'un mixage, car il existe une zone limitée où toutes les voix/instruments occupent l'espace. Pris isolément, certains instruments peuvent sembler minces, mais ensemble, ils doivent se fondre. Par exemple, lorsqu'on gratte une guitare acoustique dans une chanson rock typique, le corps de la guitare est moins prononcé, mais les harmoniques supérieures sont mises en évidence. Pris isolément, ce son peut sembler dur, mais il est bon et se distingue dans le mixage.

    Chaque chanson est différente et chaque ingénieur du son à sa propre approche du mixage. L'ingénieur doit comprendre le sujet de la chanson, son histoire et la meilleure façon de la raconter. L'ingénieur doit comprendre l'arrangement et identifier le point de départ (comme dans le disco, le kick est tout, ou dans le jazz, la mélodie et le dialogue musical entre les musiciens), puis en utilisant le panoramique, l'égalisation, la dimension (effets), la dynamique (compression, gating, limitation), il commence à construire de bas en haut, il doit comprendre la direction de la chanson, s'assurer qu'elle a du groove et qu'elle capte l'intérêt.

    Dans la musique moderne, pour certains ingénieurs, l'approche du mixage consiste à construire les fondations, à créer le triangle batterie - basse - voix et à obtenir l'équilibre principal du mixage. La batterie peut avoir besoin d'être éditée et améliorée, parfois les sons de batterie doivent être remplacés ou renforcés. La basse et le kick doivent être ensemble, se compléter et fonctionner parfaitement avec la voix et le lead. Si ce triangle est correct, le mixage sera bon. D'autres ingénieurs commencent par l'élément moteur de la chanson et construisent les fondations à partir de celui-ci.
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    Les voix sont éditées; réduction du souffle, suppression des bruits de fond sur les pistes et égalisation soustractive. L'édition des voix (correction de la hauteur et de l'intonation si nécessaire) nécessite de l'expérience et des outils spécialisés tels que Melodyne ou Antares.

    En musique classique, les choses sont un peu différentes, même si l'objectif final est le même. L'édition et la compression ont un rôle très limité, on pourrait dire que c'est un peu plus facile. Il faut prêter attention à la dynamique et à sa préservation, car il s'agit d'une forme d'expression majeure; en outre, l'idée d'espace est différente de celle de la musique moderne, et le mot le plus important ici est "naturel". Des réverbérations de haute qualité, réalistes et crédibles sont nécessaires (aussi célèbres que soient les réverbérations Lexicon ou TC Electronics, pour une acoustique naturelle, la Bricasti M7 est imbattable).

    Le mixage pour la musique classique est un peu différent, notamment parce que la manière d'enregistrer les instruments est différente. La bonne façon d'enregistrer un chœur, par exemple, est d'utiliser la méthode de l'arbre Decca, éventuellement XY, dans le but de capturer le chœur comme un seul instrument; j'ai vu quelqu'un enregistrer un chœur en plaçant des panneaux acoustiques entre les sections du chœur, ce qui est totalement absurde! La performance et l'espace sont déjà là, et il suffit normalement d'affiner le mixage si l'enregistrement a été fait correctement.

    En termes généraux, le processus fondamental de mixage de la musique consiste en ce qui suit.

    1. Nivellement et panoramique.
    2. Édition et correction du ton.
    3. Égalisation - soustractive et modelage de la tonalité.
    4. Compression.
    5. Traitement des effets.
    6. Automatisation des niveaux.
    7. Imprimer le mix.

    Il existe généralement plusieurs versions du mix:

    1. mixage principal, celui que tout le monde aime.
    2. voix augmentée de 1 à 2 dB.
    3. voix baissée de 1 à 2 dB.
    4. mixage TV, sans voix principale, souvent appelé trax, utilisé pour la télévision ou le karaoké
    5. le mixage instrumental.

    Il est courant de préparer plusieurs versions de certaines chansons. La première est la version album, qui se distingue généralement par son intégrité artistique, puis la version AM, qui est le mixage radio, d'une durée de 3 minutes environ, et le mixage dance, destiné à être utilisé dans les clubs de danse, généralement plus long, d'une durée de 5 à 6 minutes environ.

    Lorsque vous établissez le budget d'un projet, tenez toujours compte du temps de mixage, qui est très important. Il est courant de passer entre 6 heures et deux jours dans l'univers des 16 pistes et plus, et 2 à 3 heures pour une voix off. Vous pouvez demander des compromis si votre projet est une démo pour la promotion d'un club, mais ce serait une erreur de le faire pour des projets plus importants.

    Outre l'expérience de l'ingénieur du son, quelques éléments importants ont une grande influence sur le mixage; l'acoustique de la salle de mixage, les moniteurs et la qualité de l'équipement - matériel et logiciel. Je ne saurais trop insister sur l'importance des moniteurs et de l'acoustique de la salle dans l'équation du mixage!
  • Quiet sont les processus d'edition?
    Le COMPING est le processus par lequel un morceau est assemblé en utilisant les meilleures parties de différents enregistrements de la même chanson. Il s'agit d'un processus typique, en particulier pour les voix.

    LA RÉDUCTION DU BRUIT est essentiellement le processus par lequel les sons indésirables et les artefacts tels que les bruits de fond, le sifflement des amplificateurs, le grincement des pédales de batterie sont éliminés ou fortement réduits.

    L'édition temporelle est le processus d'alignement des notes hors tempo à l'aide de diverses méthodes.

    L    'EDITION DE LA POINTE est le processus de correction de la hauteur des notes.
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  • Certains disent que le mixage analogique est meilleur que le mixage numérique - est-ce vrai?
    Il y a un conflit de longue date, avec des arguments des deux côtés, sur le mixage ITB vs OTB (ITB = mixage dans l'ordinateur, OTB = mixage en dehors de l'ordinateur, avec une console ou une console de mixage analogique et un équipement externe). Je pense que trop d'énergie a été investie dans ce sujet; je pense simplement que les deux méthodes peuvent produire d'excellents mixages. Il y a des ingénieurs célèbres qui n'utilisent que des logiciels, d'autres qui travaillent de manière hybride (à la fois avec des logiciels et du matériel), tandis que les autres ne jurent que par les consoles analogiques.

    Le mixage numérique et analogique repose sur les mêmes principes de base, mais certains aspects sont différents. Trop de mixages ont donné un son médiocre à l'ITB, suggérant l'idée que le mixage analogique produit de meilleurs résultats. En réalité, le mixage numérique est plus accessible que jamais, et trop de gens le pratiquent, mais peu de gens savent comment le faire. Comme pour l'analogique, il faut de nombreuses années pour développer le métier. En numérique, l'ingénieur du son doit passer par certaines étapes, comme la préparation des niveaux de piste pour éviter la distorsion créée par un volume trop élevé lors de son passage dans les convertisseurs, ce qu'on appelle l'écrêtage.

    Cette étape est particulièrement importante lorsque l'on utilise l'approche hybride, afin de tirer parti des avantages des deux modes (et c'est également mon approche du processus de mixage). Quelle que soit la manière dont le mixage est effectué, tous ces ingénieurs de haut niveau travaillent dans un environnement acoustique bien contrôlé, et c'est ce que vous devez rechercher avant tout lorsque vous cherchez un studio de mixage. Qu'il soit numérique ou analogique, peu importe si le son n'est pas correct et si l'acoustique de la pièce joue avec certaines fréquences, créant des pics et des creux dans la réponse acoustique de la pièce. Le mixage ne sera pas bon, un point c'est tout.

    Les systèmes numériques ont atteint leur pleine maturité; la qualité qu'ils offrent est exceptionnelle. Des plates-formes telles que Avid/ProTools et Steinberd/Nuendo sont utilisées dans les installations les plus professionnelles. Pendant des années, ProTools a été le choix des professionnels, mais vers 2010, le moteur audio de Steinberg (qui fait maintenant partie du groupe Yamaha) a pris le dessus, à mon avis, en termes de qualité. Leur plateforme VST ouverte a incité les tiers à produire une pléthore de plugins. Nuendo est devenu la principale force derrière le son dans l'industrie du cinéma (Nuendo et Cubase ont exactement le même moteur audio).

    Alors qu'en Amérique du Nord, Pro Tools est le DAW dominant, en Europe, les plateformes Steinberg constituent le choix professionnel majoritaire. Il existe d'autres plateformes - telles que Sequoia, Logic, etc. L'industrie des plug-ins offre d'excellents plug-ins, je mentionnerais ici Universal Audio - UAD, Tone Projects, Weiss, MAAT, Oeksound, Eventide, Eventide, Acustica, Sonnox, Waves, Lexicon, FabFilters, TC Electronics, Soundtoys, Altiverb, Paul Frindle's DSM, Brainworks et beaucoup d'autres...
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    Les systèmes numériques offrent d'excellents avantages; édition rapide et précise, capacité de rappel total, clarté et (du moins en théorie) une plage dynamique élevée (sur un enregistrement de 24 bits, elle est de 144 dB). Malheureusement, c'est justement parce que le numérique permet beaucoup de choses que l'on a tendance à revenir en arrière et à faire toutes sortes d'ajustements et de corrections, qui se révèlent généralement préjudiciables au mixage. Il y a tant de chansons célèbres où il y a des problèmes d'intonation ou des bruits; elles ne seraient pas si célèbres si elles avaient été réalisées parfaitement sur le plan technique.

    Récemment, avec l'évolution massive des DAW, des interfaces audio - convertisseurs AD/DA - et des équipements de sommation analogiques, les processeurs matériels peuvent être facilement intégrés dans le processus de mixage. Ces processeurs matériels ont leur propre signature sonore. Un plug-in est essentiellement une représentation mathématique et, dans de nombreux cas, il émule le matériel réel avec une précision impressionnante. Cependant, le son du matériel intègre de nombreux autres éléments, tels que des transformateurs, des amplificateurs opérationnels, etc. Un système hybride réunit les domaines audio analogique et numérique. Vous pouvez immédiatement identifier le son d'une console Neve ou Harrison, d'un égaliseur Chandler et de bien d'autres. Ces éléments font partie intégrante du son de la musique rock.

    Il existe une empreinte sonore à la fois pour le numérique et l'analogique, et j'aime personnellement tirer parti des deux. Je pense que la clarté du numérique convient beaucoup mieux au classique et au jazz (dans de nombreux cas en tout cas), tandis que d'autres styles - rock (hard, heavy, alternatif, punk, etc.), latin, country, jazz progressif, funk, soul, R&B - bénéficient du caractère apporté par les équipements analogiques tels que Neve, Chandler, API, Neve, Thermionic, SSL, etc. Bien sûr, c'est une question de goût et de vision, et un bon ingénieur fera du bon travail quoi qu'il arrive, mais il est bon d'avoir des outils de qualité à portée de main, de pouvoir sélectionner les plus appropriés à une situation donnée, et d'avoir une large palette d'options sonores. L'essentiel est de parvenir à un mixage équilibré qui mette en valeur les caractéristiques musicales uniques du groupe/chanteur/etc.
  • Qu'est-ce que le mastering?
    De nombreux projets musicaux voient le jour dans des studios d'enregistrement à domicile, où le système de contrôle et l'acoustique de la pièce sont totalement déficients. Je recommande que le mastering de ces projets soit effectué ailleurs, avec un ingénieur expérimenté, familiarisé avec différents styles de musique, travaillant dans une salle professionnelle traitée acoustiquement, utilisant un système de monitoring basé sur des haut-parleurs haut de gamme construits spécifiquement pour le mastering, avec des convertisseurs A/N/A et des câbles audio de haute qualité pour le mastering et un équipement analogique et numérique haut de gamme.

    La liste des aspects les plus importants dont s'occupe la mastérisation comprend;

    • élimination du bruit, des parasites et des sifflements, déshumage (dû à la fréquence de l'alimentation électrique 50/60 Hz), déclics, grattages et craquements pour la remasterisation des vinyles.
    • nettoyer le début et la fin de chaque chanson, choisir la solution la plus appropriée pour le début et la fin de la chanson par l'édition, améliorer la dynamique ou les harmoniques de la chanson ou simplement corriger les incohérences par l'égalisation, la compression et la compression multibande.
    • optimise les niveaux de volume moyen et de crête pour un son correct.
    • l'obtention d'un équilibre sonore adapté au type de chanson (le country est différent du jazz ou du R&B).
    • Ajoute de la chaleur et de la profondeur aux.
    • corriger et ajuster l'image du champ stéréo, si nécessaire.
    • Placez les chansons dans le bon ordre et ajustez l'espacement entre elles.
    • crée une signature sonore pour toutes les pistes, ce qui donne de la cohésion à l'album.
    • conversion de la résolution.
    • ajuster le niveau des chansons de l'album afin que l'auditeur n'ait pas à augmenter ou à diminuer le volume entre les chansons.
    • placer le tout dans le format nécessaire à la distribution et créer le master à partir duquel toutes les copies seront faites. Il peut s'agir du CD principal, du DDP, mais aussi d'autres formats utilisés pour la distribution sur Internet.
    • effectue le contrôle de la qualité du master.

    Les fichiers mp3 sont très populaires; leur problème est le compromis sonore inhérent et la perte de qualité audio. De plus en plus d'artistes prêtent attention à la qualité des fichiers mp3 et comprennent que ces fichiers peuvent être améliorés sur le plan sonore en les masterisant de la même manière que les chansons classiques. Les mp3 sont un formidable outil de marketing; vous ne voulez pas compromettre vos ventes parce que d'autres ont des mp3 de meilleure qualité. Apple a imaginé un nouveau concept pour contrôler les ventes de musique sur les différentes plates-formes.

    Son dernier format - HD ACC - permet au client d'écouter de la musique à la résolution la plus élevée que son lecteur (iPod, iPhone, iPad, etc.) peut supporter. Dans certains cas, il s'agira d'un format sans perte, dans d'autres non. Il serait utile de savoir à quoi ressemblera votre chanson sur chacun d'eux et, oui, le mastering est certainement une bonne idée et si vous prévoyez de vendre vos chansons via iTunes, assurez-vous que vous le dites au studio de mastering et que l'ingénieur de mastering sait de quoi vous parlez.
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    Ces derniers temps, les exigences en matière de qualité sonore se sont améliorées, car les services de diffusion en continu privilégient une certaine plage dynamique, et si les chansons sont trop compressées, elles ne sonneront pas fort et bien. Normalement, vous voulez entendre comment vos chansons sonneront lorsqu'elles seront utilisées par les services de diffusion en continu, et vous devez donc vous assurer que votre studio de masterisation vous donne cette possibilité. Vous n'envoyez pas à ces services de streaming le fichier dans le format qu'ils utilisent; ces services de streaming convertissent eux-mêmes le fichier à partir du master que vous envoyez, à l'aide de leurs algorithmes; vous devriez donc pouvoir entendre le son de la chanson après conversion, et cela dépend de la qualité du mastering et du mixage.

    Les disques vinyles font un retour en force depuis un certain temps; les ventes ont augmenté au cours des dernières années. Pour la sortie d'un vinyle, le mastering doit être effectué en conséquence, car les règles de préparation et de mastering pour le vinyle sont légèrement différentes de celles du format numérique. Bien sûr, vous pouvez envoyer le CD original à l'imprimeur pour le mastering du vinyle, mais ce n'est pas une bonne idée. Les règles du processus de découpe "laque" avec la pointe en saphir imposent des exigences particulières. La création d'une mono basse fréquence ou de chansons avec plus de groove au début du vinyle ne sont que quelques éléments très différents des masters de CD ou des formats internet.
    Une surprise que j'ai eue avant le démantèlement du studio à Toronto, c'est qu'on m'a demandé de faire le mastering des bandes! Elles n'ont pas complètement disparu! J'étais content de ne pas avoir jeté mon fidèle Tascam MKII MKII!
  • Les étapes de mastering…
    Parlons des étapes du mastering. Au début (vers 1900) et jusqu'à l'avènement du magnétophone analogique, le son était capturé directement sur ce que l'on appelait la "laque" - une forme de vinyle, qui était utilisée pour créer le "tampon métallique" qui pressait le vinyle fondu dans les disques joués sur les tables tournantes. Dans les années 1950, tout cela a changé avec l'introduction des magnétophones analogiques, qui ont permis une amélioration spectaculaire de la qualité du son. Comme le produit final à l'époque était encore le vinyle, le processus de préparation du son est devenu critique, ayant une influence majeure sur la lecture des chansons et, par conséquent, sur leur succès commercial. Les progrès technologiques en matière de livraison du son au client ont donné naissance à un certain nombre de nouveaux formats pour le produit audio; CD, SACD, mini-disques et la nouvelle génération de fichiers utilisés pour transmettre de la musique sur l'internet. Le mastering garantit que la signature sonore contribue à la diffusion et à l'intégrité du message artistique dans n'importe quel système, tout en offrant à l'auditeur une expérience agréable, quel que soit l'endroit où il l'écoute.

    • Malgré l'évolution des formats de diffusion de la musique, le processus de masterisation comporte quelques étapes fondamentales, qui dépendent de l'usage auquel le master est destiné. Par exemple, pour un CD, les étapes sont les suivantes;
    • Préparation du master / mixage; toutes les informations possibles doivent être transmises à l'ingénieur de masterisation, telles que la fréquence d'échantillonnage, la résolution du fichier, le format du fichier, etc.
    • Transfert de bandes/fichiers.
    • Création de l'ordre des chansons / édition / création d'un espace entre les chansons. L'ordre des chansons est extrêmement important, non seulement pour le processus de masterisation, mais aussi du point de vue de l'auditeur. Jugez toujours de l'ordre des chansons en gardant à l'esprit le déroulement de l'album.
    • Traitement / Niveaux; c'est à ce stade que l'ingénieur de masterisation, à l'aide d'égaliseurs et de compresseurs, peaufine les pistes, en ajoutant de la clarté, du punch et en affinant l'image.
    • Processus de codage PQ + étiquetage ID; à ce stade, les données ISRC, UPC/EAN, le texte du CD et les données de protection contre la copie sont créés.
    • Dithering; il s'agit toujours de la dernière étape du processus de masterisation audio. Fondamentalement, il ajoute du bruit d'un certain parent lors de la conversion d'un format haute résolution à un format basse résolution - par exemple, de 24 bits à 16 bits lors de la création d'un CD master.
    • Master final; création et vérification du master, qu'il s'agisse d'un PMCD (pre-master CD) ou d'un fichier DDP (Disc Description Protocol).
  • Comment choisir un studio de masterisation?
    Lors de la recherche d'un studio de masterisation, il est important de prêter attention à certains éléments. Les moniteurs et l'acoustique de la salle de masterisation sont les éléments les plus influents après les oreilles et l'expérience de l'ingénieur de masterisation. Les enceintes de masterisation doivent avoir une réponse en fréquence relativement plate, reproduire les basses fréquences à partir de 20 Hz, la salle doit avoir un temps de réverbération inférieur à 0,3 seconde de 100 Hz à 20 Khz et maximum 0,6 seconde de 100 à 20 Hz, fournir une image stéréo très détaillée, ce qui signifie une excellente réponse en phase et une dynamique contrôlée. Les enceintes spécialement conçues pour le mastering sont très coûteuses. Parmi les plus utilisées, citons ATC, Duntech Sovereign, Barefoot MicroMain27, B&W Nautilus, Tannoy, Lipinski, Paradigm, etc. Elles ont une réponse impulsionnelle presque parfaite, une cohérence de phase fantastique et une précision étonnante; vous pouvez clairement entendre un demi-dB lorsque vous ajoutez ou soustrayez! Ils sont conçus pour révéler chaque détail

    Lorsque vous vous rendez dans un studio de masterisation professionnel, les pièces sont traitées acoustiquement et les personnes qui y travaillent savent ce qu'elles font. Cependant, il est intéressant de noter que presque aucun studio de masterisation n'affiche sur son site web la réponse en fréquence et la réponse en temps de résonance de la pièce. La réponse de la pièce est essentielle pour un mastering correct, et le mastering n'est pas l'endroit où l'on peut faire des économies; de mauvais moniteurs et une mauvaise acoustique de la pièce sont une combinaison mortelle pour le mastering.

    La réponse acoustique de la pièce est essentielle pour un bon mastering, car il est très important d'avoir une représentation adéquate du son provenant des moniteurs. Bruel & Kjaer a déterminé que la réponse idéale d'une salle doit être de 6 dB lorsqu'on balaie de 20 Hz à 20 KHz, avec une légère pente descendante de 1000 Hz à 20 KHz. Les mesures doivent être effectuées en utilisant une tonalité de balayage du moniteur, en l'enregistrant et en l'analysant. Ces mesures sont généralement effectuées à l'aide de logiciels tels que Room EQ Wizzard et FuzzMeasure. Les résultats révèlent des problèmes de réponse en fréquence, de durée, de cohérence de phase et de réponse impulsionnelle.

    La plage entre 20 et 300 Hz est extrêmement importante et affecte le mixage et le mastering au plus haut degré; en raison des modes de la pièce et de l'énergie du bas du spectre, la variation normale sur cette plage de fréquences pour une pièce non traitée (ordinaire) est comprise entre +/- 25dB et +/- 40dB. En réalité, pour améliorer la réponse en fréquence de la pièce, il faut investir beaucoup d'argent et passer par un très long processus d'essais et d'erreurs jusqu'à ce que la réponse en fréquence se situe à quelques décibels près à une résolution de 1/12 d'octave de la courbe idéale (ligne Bruel& Kjaer ou plate - certains en débattent encore). Ce que vous entendez dans une pièce traitée acoustiquement se traduit le mieux en dehors du studio, quel que soit le mode d'écoute du client.

    Le graphique ci-dessous montre les mesures prises dans la salle de contrôle de Fandango Recording avec un Earthwork QTC-40 Earthwork QTC-40 dans un préampli Millenia et affichées par FuzzMeasure; notre salle est à +/- 3,5 dB de la courbe idéale de Bruel&Kjaer de 20Hz à 20KHz.
    Reverberation time - T30
    Stacks Image 505
    Frequency response 20Hz - 20KHZ 1/12 Octave Smoothing
    Stacks Image 501
    Frequency response 20-300 Hz 1/12 Octave smoothing
    Stacks Image 503
    L'équipement adéquat - matériel et logiciel - dédié au mastering est coûteux, mais c'est le seul moyen d'obtenir un son de taille correcte. Vous pouvez faire des recherches sur l'internet et voir le type d'équipement dont disposent les grands studios de masterisation. Les noms de compresseurs les plus courants sont; Elysia Alpha, Thermionic Mastering Compressor, API2500, SSL-G, Fairchild 670, Manley Vari-Mu, Rupert Neve Design II MBP, Maselec MLA-2, et les égaliseurs sont Masselec, Millenia NSEQ, Chandler Curve Bender, Manley Massive Passive, API5500, Avalon AD-2055.
  • Ce qu'il faut savoir sur le mastering de l'IA…
    Il existe quelques sociétés qui proposent des services de masterisation d'IA à des prix très abordables, voire gratuitement; Landr, BandLab, Waves, eMastered, MasterChannel. Elles offrent généralement une qualité de masterisation décente et rapide. Est-ce une bonne idée de les utiliser?
    La réponse est oui et non. Cela dépend de la situation. Vous avez terminé une chanson et vous avez besoin de la poster rapidement ou de la masteriser rapidement pour pouvoir l'essayer dans un club (en particulier pour l'EDM). La masterisation AI est une solution, même si elle est temporaire, et elle vous aide également à décider du son du mixage final.
    Toutefois, il est également important d'en comprendre les inconvénients :

    • La masterisation par IA est basée sur des algorithmes. Ils permettent une compensation par rapport à une référence dans une certaine mesure, mais les masterisations finiront par sonner de la même manière au fil du temps, comme dans un processus de standardisation. Ils appliquent différents processus afin d'obtenir un profil généralement connu en fonction du style de la chanson.
    • L'IA mastering, quel que soit l'algorithme, effectue le mastering par comparaison avec d'autres morceaux, il s'agit donc plutôt d'une simulation visant à établir le profil des morceaux de référence utilisés, et il n'y a pas beaucoup de créativité filtrée par l'expérience de l'ingénieur en mastering et sa compréhension de la direction prise par le morceau.
    • L'IA mastering n'effectue pas de contrôle de qualité, ce qui est extrêmement important. Il ne s'agit pas seulement de vérifier l'absence de clics ou de tout autre problème, mais aussi la traduction dans différents environnements; radios, boomboxes, systèmes audiophiles, voitures.
    • Lorsqu'elle est utilisée pour un album - qu'il s'agisse d'un vinyle ou d'un CD - la masterisation par IA présente des inconvénients majeurs. Alors qu'il masterise une chanson d'une certaine manière (par exemple en choisissant un son typique d'EDM, de funk ou de rock), sur un album, l'ingénieur de masterisation examine également l'environnement sonore global afin qu'il n'y ait pas de différences notables lors du passage d'une chanson à l'autre.
    • L'IA ne saisit pas d'informations telles que PQ, ISRC et ne définit pas (lire édition) les pauses et la manière dont les chansons passent d'une à l'autre.

    Ainsi, pour une maîtrise rapide et à des fins de comparaison, l'IA n'est pas une mauvaise idée. En particulier pour les débutants, pour les cassettes de démonstration ou pour ceux dont la cible commerciale est constituée par les personnes qui écoutent sur des téléphones et des écouteurs, où l'exigence de qualité majeure est moindre.
    Chaque société de maîtrise de l'IA a un algorithme différent, faites vos recherches. Mais prenez-le pour ce qu'il est; utilisez-le quand vous en avez besoin, mais ne tombez pas dans les pièges du marketing. Cela dépend beaucoup de l'objectif de vos résultats et de ce que vous essayez d'obtenir. Mais les faits sont assez clairs; je ne connais pas d'album ou de chanson célèbre à forte valeur commerciale qui ait été masterisé avec l'IA. On dit qu'on en a pour son argent, c'est aussi simple que cela.
  • Qu'est-ce que la remasterisation?
    Le master est en fait l'enregistrement qui constitue la copie définitive multipliée pour les utilisateurs finaux. Jusqu'au stockage numérique, les masters (qu'il s'agisse de verre, de vinyle, de bandes, etc.) ont subi les effets de la détérioration au fil du temps. Dans de nombreux cas, les masters ont disparu, mais des copies des masters sont toujours disponibles. Dans le processus de remasterisation, l'information est convertie au format numérique, puis, à l'aide d'un traitement numérique et analogique, le master est amélioré et préparé pour la nouvelle génération d'appareils d'écoute et stocké numériquement.

    La source subit plusieurs étapes, telles que la suppression du décalage CC, la suppression des clics, des rayures, des fissures et du bruit, la correction du volume des canaux, la réparation et la correction spectrale, et l'édition dynamique. Un nouveau master est créé, qui sera utilisé pour la duplication ultérieure pour les utilisateurs finaux. Comme dans tout processus de masterisation, l'expérience et les compétences de l'ingénieur, l'environnement d'écoute et la qualité de l'équipement sont essentiels.
  • Qu'est-ce qu'une démo?
    À moins que vous ne souhaitiez le faire pour le plaisir ou pour la famille/les amis,

    UNE DÉMOTION EST UNE OPPORTUNITÉ D'AFFAIRES!

    Je le répète; une démonstration est une opportunité commerciale! Cette opportunité n'est pas seulement la vôtre; c'est aussi celle de l'autre partie (spécialistes A&R, éditeurs, agents, managers, labels, maisons d'édition, clubs et pubs). Vous devez toujours penser à l'autre partie que vous voulez atteindre et à la façon dont elle perçoit l'opportunité commerciale par rapport à vous.

    Rendez donc la vie facile à la personne qui écoute votre démo. La démo (que ce soit sur CD ou dans tout autre format pouvant être envoyé par l'internet) est fondamentalement l'outil qui facilite l'ouverture d'un commerce dans le but de gagner de l'argent, car vendre de la musique est un commerce!
  • De quelle démonstration ai-je besoin lorsque je cherche un contrat?
    Tout d'abord, vous avez besoin de trois choses; vous devez avoir une très bonne musique, vous devez donner l'impression que vous allez gagner de l'argent et vous devez avoir un kit de démo professionnel. Cela semble simple, mais en réalité, ce n'est pas si simple.

    Une partie de ce dossier est constituée par la démo, que les A&R ou les DJ écouteront, et qui sera peut-être la seule fois où ils entendront votre musique. Vous avez intérêt à avoir des chansons originales et un son original. Les maisons de disques s'intéresseront à votre musique dans la mesure où elles pourront ou non la vendre; ce ne sont en aucun cas des organismes de bienfaisance. Votre démo doit comporter trois chansons, ni plus ni moins. C'est la norme dans l'industrie, et cela montre que vous savez respecter les règles de l'industrie.

    La meilleure chanson doit être la première - votre démo est jugée dans les 30 premières secondes; assurez-vous que ce qui fait la particularité de votre musique peut être entendu dès le début. Je sais qu'une démo professionnelle n'est pas bon marché, mais n'oubliez pas que la qualité coûte cher.

    Une démo n'est pas un prix trop élevé à payer si elle vous permet de signer un contrat avec une maison de disques. Il peut être tentant de faire une démo chez soi, avec son propre ordinateur ou une installation minimale, mais cela vous donnera une démo qui n'est pas de la même qualité que les     démos professionnelles. Si vous voulez vraiment devenir un artiste à succès, vous devez faire les choses correctement dès le départ.

    La dure réalité est que vos concurrents sont des artistes qui passent déjà à la radio et jouent devant un large public. Vous devez donc réfléchir à deux fois avant d'envoyer un produit de qualité inférieure, qui pourrait compromettre vos chances d'attirer l'attention des gens sur vous lorsque vous avez quelque chose de bon à montrer.

    Une dernière chose; lisez des livres sur le commerce de la musique, consultez l'internet et découvrez comment vous voulez vous présenter aux maisons de disques - il y a tout un ensemble, dont la démo est un élément important, mais il y a aussi d'autres éléments importants. Et n'oubliez pas de revenir de temps en temps pour lire notre blog, qui aborde différents aspects de l'industrie musicale.
  • De quelle démo ai-je besoin pour obtenir des concerts dans des pubs et des clubs?
    Vous avez besoin d'un CD démo pour les agents de réservation, les gérants de clubs et de pubs. Il peut être judicieux d'enregistrer une prestation en direct et de sélectionner ensuite les meilleurs moments (extraits). Le gérant d'un club s'intéressera davantage à la capacité du groupe à jouer en direct et à divertir le public!

    Si vous avez quelques démos en studio, c'est très bien, mais je vous recommande d'ajouter au moins une piste enregistrée en direct. Vous pouvez même envisager des vidéos, maintenant que tout le monde a des téléphones intelligents. Le CD est une bonne idée, tout simplement parce que la plupart des salles disposent d'un lecteur de CD. Vous pouvez l'enregistrer à partir de la console (un live à deux pistes) ou engager quelqu'un pour le faire de manière professionnelle, comme un enregistrement multipiste, puis le mixer en studio. Une autre solution consiste à aller en studio, à installer l'équipement comme si vous jouiez en direct et à l'enregistrer, puis à le remixer si vous le souhaitez.

    Si vous êtes un auteur-compositeur-interprète et que vous voulez vous produire dans des clubs, des cafés, etc., vous pouvez faire enregistrer votre musique en direct, dans un studio ou même chez vous, mais si elle ne sonne pas bien, consultez au moins un studio et voyez ce qu'il est possible de faire pour l'améliorer!
  • De quelle démo ai-je besoin pour une école de musique ou un concours de musique classique?
    Une partie de la candidature à une école de musique universitaire ou à un concours de musique classique consiste à soumettre une démo. Vous pouvez le faire dans un studio ou engager quelqu'un qui peut faire l'enregistrement sur place, de sorte que vous puissiez enregistrer dans un endroit que vous connaissez, dans lequel vous vous sentez à l'aise et dont l'acoustique vous plaît. Il peut même s'agir de votre domicile. Si la démo est importante pour vous, vérifiez les références du studio et voyez s'il a de l'expérience en musique classique!

    L'    enregistrement et le mixage de la musique classique sont très différents de ceux de la musique moderne. Alors que dans la musique moderne, il y a une guerre de volume et tout est compressé, dans la musique classique, la dynamique est une forme d'expression, alors assurez-vous que le studio a ce type d'expérience.
  • Dois-je graver la démo?
    Ne sous-estimez pas l'étape du mastering! Imaginez que quelqu'un écoute votre démo et que le volume soit bas. Pensez-vous que l'A&R va augmenter le volume et travailler avec l'égaliseur? Il en va de même pour toute démo dont le but est d'attirer l'attention de quelqu'un! Vous n'avez peut-être pas envie de le faire dans un studio de masterisation coûteux, et c'est très bien ainsi car il existe d'autres options, mais assurez-vous que votre démo sonne bien par musique de tous les autres!
  • Quelles chansons dois-je utiliser pour un démo?
    Le choix du contenu d'une démo est assez logique; si vous voulez faire carrière en tant qu'auteur-compositeur-interprète, vous ne devez enregistrer que des compositions originales. Si vous voulez mettre en valeur votre voix, vous pouvez utiliser des reprises, mais il vaut mieux ne pas utiliser les tubes les plus populaires, sauf si vous pouvez leur apporter quelque chose de vraiment exceptionnel!

    Si vous souhaitez travailler dans des cabarets, des théâtres ou sur le circuit des pubs/clubs, votre démo doit être une compilation de votre interprétation du type de chansons que vous interpréterez. Un enregistrement en direct serait la meilleure solution. En d'autres termes, le CD de démonstration doit être adapté aux exigences du marché.
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